31 agosto 2005

BROKEBACK MOUNTAIN : LOS VAQUEROS TAMBIEN SE ENAMORAN

El filme podría ser un golpe para Hollywood, que evita abordar los temas homosexuales. Es dirigido por Ang Lee, director de la exitosa versión para cine de Hulk. Los protagonistas son Heath Ledger y Jake Gyllenhaal.

Brokeback Mountain, la última película Ang Lee, quien llevó a la pantalla gigante la exitosa serie Hulk, podría romper uno de lo tabúes maestros de Hollywood: una escena de sexo entre dos actores masculinos jóvenes y fogosos.

El filme está ambientado en lo años 60 y cuenta la historia de dos vaqueros que pasan el verano juntos en las tierras de Wyoming (EEUU), donde dan rienda suelta a su tempestuoso amor y forjan una relación que durará por el resto de sus vidas.

Este trabajo podría causar polémica debido a que Lee retrata con sinceridad los lazos físicos y emocionales entre los hombres. Se sabe que Hollywood suele evitar los temas homosexuales, incluso Ron Howard, director de la galardonada Una mente brillante, fue criticado por ignorar las relaciones gays que su héroe, el matemático John Nash, tuvo en la vida real.


Si bien algunas megaestrellas, como Tom Hanks y Antonio Banderas, ya protagonizaron papeles de homosexuales, tomaron menos riesgos. En 1993, Hanks protagonizó a un profesional gay que se moría de sida en Filadelfia, pero la cinta era sobre la enfermedad, no sobre su vida sexual. Casi no había interacción física con Banderas, quien interpretaba a su pareja; pero no será ese el caso de Brokeback Mountain. Para Nick Adams, responsable del área de entretenimiento y medios de GLAAD, grupo estadounidense de defensa de los derechos gays, si lo que dicen sobre esta cinta es verdad, será un paso revolucionario.


Los actores elegidos harán el papel de Jack Twist, quien tras un verano fatídico se convierte en cowboy y empieza a trabajar en rodeos, y Ennis Del Mar, un simple empleado de campo.
La trama gira alrededor de la atracción entre dos hombres que, a pesar de que se separan para casarse y tener hijos, siguen adelante con su relación clandestina que dura 20 años y debe enfrentar el rechazo de la gente del lugar. Las escenas de sexo tienen lugar en carpas y escaleras. No se escatiman detalles.

Adams asegura que si Lee es fiel a la historia y al guión original, Hollywood sentirá el golpe. "Será la primera cinta que se concentrará en la naturaleza física de nuestras relaciones".La cinta está basada en el cuento, del mismo nombre, de Annie Proulx, ganadora del premio Pulitzer, y fue adaptada por Larry McMurtry y Diana Ossana. No sería la primera obra de la escritora que sería llevada a la pantalla gigante. Su best seller The Shipping News también fue adaptado para cine.

En cuanto Brokeback Mountain apareció en la revista The New Yorker en 1997, rápidamente se ganó la atención de los guionistas. Pero hasta que Ang Lee no impulsó personalmente el proyecto, la cinta no tuvo vida propia; seguramente por su polémica trama.

62º EDICION DE LA MOSTRA DE VENECIA

La 62 edición de la Mostra Cinematográfica de Venecia se inaugura esta tarde rodeada de medidas de seguridad, con la proyección fuera de competición del filme 'Seven words', del chino Tsui Hark, una violenta cinta ambientada en el siglo XVII durante la dinastía Quing china.

En esta edición, los organizadores, bajo la férrea dirección de Marco Muller, responsable del certamen, parecen haber armado un festival más contenido que en años anteriores, pero sin renunciar a las atracciones típicas de las grandes fiestas populares, incluidas algunas sorpresas y audacias.

Si se toman en cuenta todas las secciones, hay una masiva presencia de Estados Unidos, seguida por la filmografía asiática, posiblemente la preferida de Muller, que es sinólogo.

La gran sorpresa la da la última película del veterano realizador portugués Manoel de Oliveira, que a sus 97 años llega a Venecia con 'Espelho magico'. Mientras que otro portugués, Joao Bothelo, hace con 'O fatalista' una nueva versión del clásico de Diderot 'Jacques, el fatalista'.

Los actores y directores estadounidenses George Clooney y John Turturro presentan cintas que pueden gustar a sus adeptos: 'Good Night and Good Luck', el primero y 'Romance and Cigarettes', el segundo.

Otro estadounidense, Abel Ferrara, llega a la ciudad de los canales con 'Mary', un filme en el que los personajes bíblicos se mezclan con la realidad actual, y su compatriota Terry Gilliam con 'The Brothers Grimm', por su parte Ang Lee presentará "Brokeback Mountain" una provocativa y audaz historia gay de vaqueros.

El joven ruso Aleksey German contribuye a este certamen con 'Garpastum', una película ambientada en 1914 en San Petersburgo, al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, con un Imperio ruso que está al borde del colapso.

El capítulo asiático en la sección oficial está representado por Stanley Kwan, de Hong Kong, con 'Chanhen ge'; y el coreano Park Chan-wook, con 'Chin-jeol-jan Geum-ja-set'.

Otro veterano, el polaco Krzysztof Zanussi, trae a Venecia una historia de intrigas políticas, éticas y morales ambientada en Uruguay.

También Francia, Gran Bretaña e Italia tienen un papel importante en esta 62 edición de la Mostra.

La primera se presenta con los filmes de Laurent Cantet ('Vers le sud'), Patrice Chéreau ('Gabrielle') y Philipe Garrell ('Les amants réguliers'). Asimismo, el británico John Madden, que logró fama internacional en 1998 con 'Shakespeare in Love', llega con su última película, 'Proof'.

Italia muestra obras de tres directores: Pupi Avati ('La seconda notte di nozze'), Cristina Comencini ('La bestia nel cuore') y Roberto Faenza ('I giorni dell'abbandono").

Finalmente, el brasileño Fernando Meirelles compite por el León de Oro con 'The Constant Gardener', una historia policíaco-social ambientada en el norte de Kenia.

En la importante sección 'Fuori Concorso', en la que se incluyen filmes de Steven Soderbergh, Ron Howard, Cameron Crowe y John Singleton, entre otros, se presenta una cinta española, 'Fragile', del leridano Jaume Balagueró.

En la sección 'Orizzonti' se muestra 'La vida secreta de las palabras', de la española Isabel Coixet, un filme que muestra el poder del amor ante las más adversas condiciones, y 'La dignidad de los nadies', del argentino Fernando Solanas, que testimonia la resistencia social en ese país suramericano frente a la desocupación y el hambre producidos por los modelos económicos relacionados con la globalización.

HOY INICIA EL FESTIVAL DE CINE DE VENECIA

Lo primero que recibe al visitante al Festival de Venecia, más allá del fascinante recorrido sobre el agua que deja ver Venecia a lo lejos es un verdadero paredón de máquinas detectoras de metales. Sí, está la isla con toda su belleza, un calor que se acerca a los 30 grados, "los peñascos, los ríos que tienen su cuna en las cumbres, la fusión de las aguas de esos ríos con el Mar Adriático" —como escribió alguna vez Borges—, pero el pelotón de policías, asusta. Y tiene poco y nada de romántico. Y mucho menos de literario.

Un correo electrónico, recibido por los acreditados e invitados 48 horas antes del inicio del festival, daba señales de que el festival no sería igual a los anteriores, debido al temor que existe por un posible atentado terrorista. En el correo se informa que las calles que rodean al Palacio del Festival no sólo estarán vedadas al tránsito de vehículos, sino que los acreditados deberán tener un documento además de su acreditación (que tiene foto), que no podrán entrar a ninguna zona con elementos de audio y video (aquí el miedo es a la piratería), y que los bolsos deben ser "pequeños".

También la entrada a los hoteles más concurridos del festival —como el Excelsior o el Hotel des Bains— viene con arduas medidas de seguridad incluidas. Y el director del evento, Marco Muller, aseguró que hay tiradores apostados en las azoteas de algunos edificios claves...

El temor a algun posible atentado es tal que la función de gala de Casanova, de Lasse Hallstrom, que estaba programada para el 3 de setiembre en el mítico Palazzo Ducale de Venecia, corre serios riesgos de suspenderse. Encima, la fiesta va (o iba) a ser de disfraces, lo cual multiplica los peligros a niveles "hitchcockianos".

El filme de apertura, que se presentará esta noche, no tendrá que ver con la actualidad política: será el drama de artes marciales Siete espadas, del veterano director de Hong Kong, Tsui Hark, quien tras su malogrado paso por Hollywood volvió al hogar. Pero en la primera película en competencia volverá a la temática política. Goodnight and Goodluck, segundo filme como director de George Clooney, es un filme en blanco y negro, lo tiene como protagonista y se centra en los trabajos sucios de la Comisión de Actividades Antinorteamericanas que dirigió el senador Mc Carthy. Para Clooney, crítico de Bush y de la guerra con Irak, será la oportunidad de poner el tema sobre la mesa.

Siempre y cuando lo dejen pasar por los detectores de metales.

29 agosto 2005

UN CLASICO MODERNO : BULLETS OVER BROADWAY

Un joven autor de teatro consigue llevar a escena su obra con el patrocinio de un gangster, que exige la presencia en el importante reparto de su amante, desastrosa como actriz, siempre acompañada por un guardaespaldas. El grueso de la película está constituido por cortas y humorísticas escenas a que da lugar la peculiar situación, mantenidas por unos personajes a los que, por lo estereotipados, dan vida con facilidad unos muy buenos actores, para cuya brillantez interpretativa se han escrito atinados diálogos. La buscada brevedad y el constante cambio no permiten el cansancio en el espectador, y sí consiguen una chispeante y amoral frivolidad.

Está cuidadísima también la ambientación de años veinte, con escenarios reales o reproducciones fieles hasta el mínimo detalle, y con especial atención al color, su entonación, y la luz; con el habitual director de fotografía, Carlo Di Palma. Lo mismo para los pocos exteriores: una calle, un malecón, un parterre de flores... La sola atención al vestuario y adornos, a los objetos de decoración, a los platos condimentados, frutas, vinos y licores... hace ya entretenida la escasa hora y media de este film teatral. En él también las canciones de época como banda sonora juegan un papel preponderante. Todo esto resulta un armónico conjunto de exquisito buen gusto.

La historia, escrita por el mismo Woody Allen, irá mostrando in crescendo la capacidad creativa del gangster guardaespaldas, con sus correcciones y aportaciones, durante los ensayos, a la tambaleante obra de teatro; mientras el joven autor mostrará mas bien su mediocridad y, con ello, la tesis conclusiva: la obligada entrada de éste en el mundo del matrimonio y de la moral llamada despectivamente tradicional; y, en cambio, el gangster creador afirmará, debido a su natural genialidad, el derecho a vivir lo inmoral o, con palabras de Nietzsche, que suena mejor, más allá del bien y del mal.

NUEVA TEMPORADA DE PELICULAS

Tras un gélido verano que ha recortado en un 12% la taquilla estadounidense, Hollywood quiere recuperarse con una cálida cartelera otoñal que sueña con el Oscar. Más le vale porque en Estados Unidos la taquilla aún se resiente del llamado verano negro' del 2005 en el que tan sólo tres fines de semana se superaron los ingresos del pasado año.

El periodo estival que a efectos de taquilla comienza en Estados Unidos con el largo fin de semana del 'Memorial Day' (30 de mayo) está a punto de concluir con la celebración del puente de 'Labor Day' (5 septiembre).

Un total de 14 semanas donde junto con taquillazos a lo 'Star Wars', su última entrega, 'La guerra de los mundos' o 'Batman Begins' se vivieron fiascos igual de pronunciados como 'El reino de los cielos', 'Stealth' o 'La isla'.

'Sr. y Sra. Smith' le dio morbo a la cartelera con el romance del verano entre Angelina Jolie y Brad Pitt mientras que 'Charlie y la fábrica de Chocolate' endulzó la programación.

Aun así esa temporada en la que Hollywood acostumbra a recaudar un 40% de sus ingresos anuales se ha quedado corta con respecto a los ingresos del 2004.

El desastroso verano no ha puesto freno a los estudios, que ahora quieren pasar página y mirar al futuro con estrenos, por ejemplo, como 'Walk the Line', la biografía de Johnny Cash protagonizada por Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon.

La lógica es simple: Si el pasado año la biografía de un músico como Ray Charles estrenada en estas mismas fechas le ganó el Oscar a Jamie Foxx como mejor actor, ¿por qué no repetir la experiencia?

El público determinará si prefiere la música de Charles o de Cash, o al menos su película, pero en el caso de 'Flightplan' la apuesta es segura con el retorno de una actriz que desde niña ha contado con la preferencia de los espectadores: Jodie Foster.

Con una trama que recuerda la última película de Foster, 'La habitación del pánico', la actriz y directora regresa a las pantallas tras casi tres años de ausencia envuelta en una historia de intriga que transcurre en un avión a 12.000 metros del suelo.

Otra chica para el otoño que también está de vuelta es Gwyneth Paltrow, reunida de nuevo con el director que le llevó a ganar el Oscar por 'Shakespeare in Love' (John Madden) en la adaptación al cine de la obra de teatro 'Proof'.

Un filme que agrupa en su reparto a Anthony Hopkins, Hope Davis y Jake Gyllenhaal y que trata con emoción y calor humano el mundo de las matemáticas y la locura, los mismos temas centrales que llevaron a 'Una mente maravillosa' a conseguir cuatro Oscar en el 2002.

Temática infantil

Otro ganador del Oscar que vuelve a por más es el director Roman Polanski, realizador de 'El piano' que ahora regresa con su versión del clásico de Charles Dickens 'Oliver Twist'.


El cineasta maldito y prófugo de la justicia en Estados Unidos tiene una simple respuesta a todos los que desean saber por qué tratar de nuevo una obra de la que existen versiones no sólo en cine sino en animación, televisión o en Broadway.

Según ha confesado a la prensa su guionista, Ron Harwood, Polanski, a sus 72 años, quería hacer algo para niños.

La idea debe de estar en la mente de todos los estudios porque otros de los dos estrenos más esperados del otoño, también con ínfulas de Oscar, están dirigidos a los más pequeños.

Se trata de 'The Corpse Bride' y 'Walace & Grommit: The Curse of the Were-Rabbit', ambas películas de animación foto a foto, un arte que parecía perdido, pero que regresa con fuerza con estos dos estrenos.

El primero está dirigido por Tim Burton con un tono que recuerda al de su anterior producción animada 'The Nightmare Before Christmas'.

El segundo es el primer largometraje de dos de los personajes animados más veces condecorados con el Oscar, el inventor de tres al cuarto Wallace y su perro Gromit, que ahora quieren la estatuilla por algo más que un cortometraje donde consiguieron sus dos anteriores estatuillas.

GREEN DAY TRIUNFO EN LOS PREMIOS MTV

El grupo de rock Green Day arrasó anoche en Miami con siete premios 'MTV Video Music Awards 2005', en una velada donde el sabor latino se hizo patente. Green Day, el mayor ganador por sus 'Boulevard of Broken Dreams' y 'American Idiot', abrió la caja musical de pandora con la interpretación del tema 'I walk alone' y acaparó los premios al llevarse siete de los ocho a los que era candidato.

Vídeo del año, mejor vídeo de grupo, vídeo de rock, dirección de vídeo, edición de un vídeo, cinematografía y el premio especial del público, fueron los apartados en los que ganó la banda que lleva 16 años paseando su música por el mundo.

La rapera Missy Elliot que competía en seis categorías, se llevó el "hombre lunar" (premio que otorga la cadena) por Mejor Vídeo de Hip-Hop y Mejor Vídeo de Baile.

Pero la revelación de la noche fue la novel cantante Kelly Clarkson, antigua concursante de 'American Idol' que con su disco 'Breakaway' se alzó con el galardón al mejor vídeo femenino y vídeo pop, sobre voces como la de Gwen Stefani, Amerie, Mariah Carey y Shakira.

Stefani, voz del grupo No Doubt, que aspiraba a seis premios se llevó el reconocimiento de Diddy, el conocido rapero y maestro de la ceremonia, con su premio de 100.000 dólares que compartió con el también rapero Snoop Dogg, por ser los mejores vestidos de la noche.

La cantante consiguió el galardón a la mejor coreografía y dirección artística en un vídeo.

La noche la encendieron los latinos

La colombiana Shakira sentó precedentes al ser la primera cantante en interpretar un tema en español, su éxito 'La Tortura', en la que estuvo acompañada por el español Alejandro Sanz, que lució nuevo "look" con su pelo teñido de rubio platino.

El tan en boga "reggaetón" también se hizo presente y el rapero "nuyorican" Fat Joe presentó las actuaciones de los "reggatoneros" puertorriqueños Don Omar, Tego Calderon y Daddy Yankee, que hicieron vibrar a los asistentes.

Con una ostentosa escenografía los 'MTV Video Music Awards 2005' engalanaron la ceremonia con exponentes como Coldplay, con una brillante actuación, la sorpresa de ver reaparecer al rapero MC Hammer, y la inusual personificación múltiple de R. Kelly y su tema 'Trapped in the closet'.

La noche también permitió relucir -vía satélite- al grupo The Killers y a la cantante Mariah Carey, que montaron sus respectivos espectáculos en dos hoteles de la zona de Miami Beach.

Muchas figuras desconocidas, nuevas, de segunda y extravagantes desfilaron por la alfombra "blanca" dando vida a la familia de MTV, donde todos son "celebridades".

Estrellas invitadas

Estrellas como la sexy latina Eva Longoria, la heredera Paris Hilton -que llamó la atención con un vestido del diseñador colombiano Esteban Cortázar-, la actriz Carmen Electra, el baloncestista Shaquille O'Neal, el 'skater' Tony Hawk, o el actor Eric Roberts estuvieron presentes.

Otros que también estuvieron fueron Paulina Rubio, Ricky Martin, el rapero Pitbull, la cantante y actriz Linsay Lohan, además de Orlando Bloom y Kristen Dunst.

Músicos como las guapas y talentosas Nelly Furtado y Alicia Keys, que anunciaron el lanzamiento de sus discos antes de que termine el año, la rapera Lil Kim, 50 cent, Usher, Destiny's Child, Kanye West, aportaron color a la velada musical que reconoció lo mejor de la música en 20 categorías.

El evento que no logró ensombrecerse con los estragos que causó el huracán 'Katrina', que azotó la ciudad el pasado jueves, hizo vibrar el American Airlines Arena y la ciudad de Miami con una dosis de hip-hop, rock y color latino.

28 agosto 2005

GORAN VISNJIC SERIA EL NUEVO JAMES BOND

James Bond podría ser médico. Y croata además. El actor Goran Visnjic, que interpreta al doctor Luka Kovac en la serie "E.R.", tiene buenas posibilidades de ser el nuevo James Bond. Al menos eso es lo que David Zabel -productor del exitoso ciclo televisivo que transcurre en la sala de emergencia de un hospital- dijo a la revista TV Guide.

"Eso no quiere decir que el Dr. Kovac desaparecerá de la serie -declaró-, porque podríamos hacer lo mismo que hicimos con George Clooney cuando filmaba «Batman y Robin»." En efecto, en esa época Clooney era la estrella de "E.R." y no estaba muy seguro de su carrera cinematográfica, por lo que mientras hacía de Batman grababa en los ratos libres sus participaciones en los episodios.

"Nuestra idea es grabar las escenas que podremos utilizar en los distintos capítulos y completar lo que nos falte en el lugar donde esté rodando el film de James Bond", declaró Zabel.

Además, afirmó que espera no perder al popular actor croata para las temporadas futuras de "E.R.", ya que es una de las garantías de éxito de la serie que emite Warner en nuestro país entre el público femenino.

La ironía es que Pierce Brosnan, el último Bond, perdió en los años 80 la primera oportunidad de interpretar al espía británico porque los productores de la serie de TV que protagonizaba, "Remington Steele", no le permitieron aceptar el papel. Con los años, Brosnan tuvo la chance que ahora, parece, le tocará a Visnjic.

27 agosto 2005

VIDEO MUSIC AWARDS 2005

Si el huracán Katrina lo permite -el que azotó las costas de Miami días atrás-, mañana, desde las 20, se podrá ver por MTV la entrega de los premios Video Music Awards 2005, que promueve esta señal de música. Durante la ceremonia, que se realizará en el American Airlines Arena, de Miami, se verán las actuaciones de Coldplay, 50 Cent, Green Day, Mariah Carey, The Killers, Kanye West, Kelly Clarkson y Shakira, que será la primera intérprete que cantará en español en la historia de esta entrega de premios. Porque, a pesar de que tienen sus premios aparte, los artistas latinos siguen ganando terreno en el mercado "anglo".

Entre los más nominados, figura el poderoso trío Green Day, con ocho candidaturas (seis de ellas para "Boulevard of Broken Dreams" y dos para "American Idiot"). Lo siguen Gwen Stefani, en plan solista, y Missy Elliott, ambas con seis nominaciones, y más atrás figuran los U2, candidatos en cinco categorías.

Para los que quieran ver la previa con la entrada de los artistas por la alfombra roja y otros especiales, MTV estará emitiendo imágenes desde las 18.

Por el huracán Katrina ayer y anteayer se suspendieron fiestas previas a la entrega. Si la ceremonia de mañana se realiza finalmente con normalidad, se estima que los Video Music Awards 2005 alcanzarán una audiencia de más de mil millones de personas, gracias a la emisión que se dará a través de los 42 canales por donde se transmite MTV.

RELACIONES PROHIBIDAS

"Relaciones prohibidas" ("Ma mère" es el título original) resultó una de las películas más controvertidas de 2004. Basada en la novela homónima, inconclusa y póstuma del gran Georges Bataille (fue publicada en 1966, cuatro años después de su muerte), este tercer largometraje del francés Christophe Honoré suscitó críticas, ensayos y notas periodísticas muy encontradas respecto de los valores éticos y artísticos de esta historia centrada en la relación incestuosa entre una madre bastante libertina que acaba de enviudar y su hijo de 17 años.

Isabelle Huppert, en uno de los papeles más arriesgados de su prolífica y aclamada carrera (en comparación sus trabajos en "La profesora de piano" o "La escuela de la carne" parecen films para toda la familia), interpreta a Hélène, una mujer que -tras la misteriosa muerte de su marido- induce a su hijo, Pierre (el ascendente Louis Garrel, uno de los dos protagonistas masculinos elegidos por Bernardo Bertolucci para "Los soñadores"), a incursionar en todo tipo de experiencias íntimas y poco convencionales en plena etapa de iniciación sexual, mientras comparten un verano en un paradisíaco enclave de las islas Canarias.

Preconcebida para el escándalo, "Relaciones prohibidas" generó indignados cuestionamientos después de su estreno en Francia, en mayo del año último (lo mismo ocurrió tras su lanzamiento en Estados Unidos e Inglaterra), por una mirada tan extrema y patética que por momentos roza lo risible, pero al mismo tiempo obtuvo críticas muy positivas por parte de medios exigentes como el diario Le Monde o la revista Les Inrockuptibles.

Con apenas 35 años y dos largometrajes previos ("17 veces Cécile Cassard" y el telefilm "Todos contra Léo"), Honoré ya tiene una importante carrera como novelista, dramaturgo, guionista y autor de libros infantiles (toda una paradoja dado el tenor de este proyecto). Sus modelos, además de ese teórico de la moral que fue Bataille, resultaron otros escritores radicales como Bret Easton Ellis, Dennis Cooper y Sarah Kane.

El film contó con una audaz composición de Huppert -nominada a los European Film Awards como mejor actriz protagónica por este trabajo- y un impecable aporte de la fotógrafa Hélène Louvart, habitual colaboradora de directores como Dominique Cabrera, Claire Denis, Sandrine Veysset, Zaïda Ghorab-Volta, Christian Vincent, Nicolas Klotz y Marc Recha.

De todas maneras, ningún valor artístico podrá compensar la indignación o repulsión que cierto sector del público inevitablemente sentirá ante las bastante explícitas escenas de sexo, ante un desenlace muy chocante o ante los gráficos diálogos y encuentros que mantienen madre e hijo. Situaciones muy escabrosas que se acumulan y profundizan a medida que avanzan los 110 minutos de esta exploración edípica del amor posesivo y de los caminos que conducen hacia la autodegradación y la autodestrucción. Uno de esos films que ponen a prueba todos los límites del espectador.

26 agosto 2005

CANDACE BUSHNELL PUBLICA NUEVO LIBRO

La autora de la exitosa serie televisiva "Sex and the City" Candace Bushnell, está manteniendo conversaciones para llevar a la pantalla chica a su nuevo libro "Selva de rouge" que versa sobre la historia de tres exitosas profesionales neoyorkinas.

"Todavía no concreté ningún acuerdo, pero hay mucho interés," dijo Bushnell y agregó que "espera que eso ocurra en las próximas semanas."

En una entrevista previa a la publicación de su última novela, el 6 de septiembre, Bushnell dijo que era demasiado pronto para empezar a pensar en quiénes podrían interpretar los tres roles protagónicos: una productora de cine, una diseñadora de modas y una ejecutiva de una revista.

La serie ganadora del premio Emmy, "Sex and the City" transmitida por HBO, se centraba en la vida amorosa de cuatro solteras en Nueva York. Dejó de grabarse en 2004, pero todavía pueden verse sus repeticiones a través de estaciones de televisión por cable estadounidenses.

Bushnell dijo que "Selva de rouge" era "un libro bastante filosófico" sobre lo que ocurre cuando mujeres como las treintañeras que protagonizaban "Sex and the City" se acercan a los cuarenta años y experimentan verdadero éxito en sus carreras profesionales.

"Lo veo más como una serie televisiva que como una película," agregó Bushnell. "Una de las cosas verdaderamente difíciles en los filmes actualmente es que es prácticamente imposible que estén protagonizados por mujeres de cuarenta y pico."

"Probablemente hay sólo tres papeles al año para actrices de más de cuarenta años, pero felizmente en la televisión hay más oportunidades," dijo la autora, de 46 años, que comenzó a escribir "Sex and the City" en 1994 como una columna para un periódico.

"Hay mucho interés en que "Selva de rouge" se convierta en una serie televisiva pero es un poco rápido, en un par de semanas podré contar todo al respecto," concluyó.

THE CONSTANT GARDENER

La fina pluma de John Le Carré, experta en imaginar conspiraciones peligrosamente cercanas a la realidad; y la aguda batuta del director brasileño Fernando Meirelles, que demostró su talento en la premiada Ciudad de Dios, han creado uno de los cócteles de suspense, denuncia, acción y romance más esperados de la nueva temporada cinematográfica: The Constant Gardener.

Basada en la novela homónima de Le Carré, protagonizada por el brillante y perfeccionista Ralph Fiennes y por Rachel Weisz, una británica a la que esta película podría lanzar definitivamente al estrellato, el filme es uno de los favoritos de la sección competitiva del 62 Festival Internacional de Cine de Venecia, que comienza la próxima semana.

Una intriga política y económica que salpica a varios países; multinacionales farmacéuticas explotando sin escrúpulos la pobreza del Tercer Mundo, y una historia de amor frustrada por la muerte, sobre el trasfondo siempre fascinante de los paisajes africanos, son los ingredientes sobre los que Le Carré basó esta novela, cuya publicación fue prohibida en Kenia, país en el que se desarrolla gran parte de la trama. La denuncia de corrupción (ficticia pero quizás más cercana a la realidad de lo que parece) que inunda las páginas del libro contra el Gobierno local por permitir que las farmacéuticas utilicen a los keniatas como cobayas también es parte del guión, pero, sorprendentemente, la película consiguió superar la prohibición que pesa sobre la novela y Meirelles filmó en los mismos lugares que describe Le Carré en el libro. "Cuando me propusieron dirigir este proyecto yo estaba precisamente en Kenia buscando localizaciones para otra película, así que ya había caído bajo el embrujo de la atmósfera, los paisajes y las gentes de ese país. Los productores querían filmar en Suráfrica pero yo insistí y les convencí para que lucharan y consiguieran que nos quedáramos en Kenia", explicó recientemente Meirelles durante un encuentro con la prensa en Nueva York.

La oferta económica de la productora no pudo ser rechazada por un país para el que la película significa dinero en mano y trabajo para centenares de personas. Y así comenzó la aventura africana de este brasileño de 50 años.

Meirelles, que en su primer largometraje (Ciudad de Dios) mostró al mundo la realidad de las favelas a través del ojo excepcional de su fiel director de fotografía Cesar Charlone (que vuelve a impregnar la pantalla con su personal mirada en The Constant Gardener), había recibido muchas ofertas para dar el salto a Hollywood, pero ninguna le había interesado hasta que llegó ésta. "Era una iniciativa modesta e independiente, de bajo presupuesto, cuando me la ofrecieron. Luego entró Hollywood, a través de Focus Pictures, y me aterroricé porque me imaginé que se me acabaría la libertad creativa. Sin embargo, no me puedo quejar, he hecho realmente lo que me ha dado la gana. En realidad, quien más poder tenía en este rodaje era Le Carré, puesto que la última palabra respecto al guión, al casting, al director y a la edición final era suya", explica Meirelles, quien, no obstante, asegura que fue una gran ayuda tener al escritor cerca.

Ralph Fiennes, que interpreta a Justin Quayle, el pasivo diplomático británico que decide desafiar a gobiernos y multinacionales para desvelar el porqué del asesinato de su esposa, la activista encarnada por Rachel Weisz, corrobora las palabras del brasileño. "Se nota que no se ha educado en Hollywood, así que prescinde de muchas de las convenciones típicas de una gran producción. Le gusta mucho la improvisación y nos incitaba continuamente a trabajar en esa dirección, y para mí ése es uno de los placeres de ser actor", comentaba Fiennes, elegante y británicamente correcto, desde Nueva York.

Tanto para Rachel Weisz como para Meirelles, el mensaje de denuncia que subyace en este thriller fue un motivo "importante" para embarcarse en el proyecto. Pero, en cambio, a Fiennes, a quien el director brasileño define como "un minimalista de la interpretación", no le gusta que los actores sean portavoces de causas políticas o sociales. "Le Carré está enfadado con las multinacionales. Me parece bien. Yo le apoyo. Pero no voy a hacer campaña fuera de la película, creo que no es nuestro lugar", afirma.

A este actor, que dejó su huella indeleble en la pantalla con el oscarizado drama El paciente inglés, lo que le atrajo fue el personaje de Justin Quayle, el reto interpretativo de un hombre conformista y pasivo que tras el asesinato de su esposa sufre una transformación interior que le llevará a viajar a través de Kenia, Reino Unido y Alemania en busca de respuestas que antes nunca habría querido buscar.

"Yo escojo mis papeles por instinto, si me gusta el personaje, si me habla, me meto en el proyecto, siempre ha sido así. Y en el teatro funciono de la misma manera", dice el actor que en los próximos meses estrenará otras dos películas, The white countess y Land of the blind, además de prestar su voz a la nueva entrega de animación de Wallace & Gromit y de haber encarnado a un excéntrico villano en la nueva entrega cinematográfica del popular personaje creado por J. K. Rowling, Harry Potter y el cáliz de fuego, que está previsto que se estrene en noviembre en EE UU y en diciembre en Suramérica.

Todos los participantes en la película coinciden en que su paso por África será difícil de olvidar. "El nivel de pobreza es realmente impactante y, aunque acudes preparado para que te impresione, al ver esa miseria espeluznante llegas a avergonzarte de tu procedencia privilegiada, de venir de un país rico. Pero lo que más nos sorprendió fue el espíritu de la gente, el contacto humano, su capacidad para, a pesar de todo, sonreír y ser capaces de compartir", recuerda Fiennes.

Pese a adornar la experiencia de poesía, el equipo de The Constant Gardener no se limitó a disfrutar del calor humano de los keniatas y, quizás acuciados por esa culpa de la que habla el actor, montaron un fondo de ayuda a Kenia que lleva el nombre de la película. "Supongo que es lo mínimo que podíamos hacer", asegura Rachel Weisz, cuyo personaje, inspirado en activistas de ONG, es el más idealista del filme. "Esta cinta plantea dudas importantes respecto a la labor de las grandes farmacéuticas en África. Espero que sirva para abrir un debate respecto a la necesidad de controlar lo que hacen allí esas empresas", asegura la actriz, con la que la crítica estadounidense se ha volcado en esta película, augurándole un prometedor futuro. Tímida y modesta, Weisz, de 34 años, también protagoniza The fountain, la nueva y esperada película de Darren Aronofsky (Requiem for a dream), que se estrena este otoño, así que parece bastante probable que, tras sus inciertos inicios con filmes como La momia, la actriz consiga por fin entrar en la lista de preferidas de Hollywood.

Un continente en el objetivo

África, el continente olvidado por el que hacen campaña cantantes como Bono o Bob Geldof, está a punto de recibir también el empuje mediático del cine. Además de The Constant Gardener hay casi una decena de películas ya filmadas o en proceso de creación que transcurren en diferentes países africanos, con cierta carga política y crítica, que podrían contribuir a despertar el interés de la opinión pública por los problemas de ese complejo continente. La belleza de los paisajes africanos sin duda es un plus añadido para el cine, algo que Meirelles ha sabido explotar muy bien en su nueva película, pero ahora parece que de lo que se trata, sobre todo, es de hacer cine-denuncia. La tendencia quedó oficialmente inaugurada el año pasado con la escalofriante Hotel Ruanda, sobre el genocidio tutsi, y prosiguió este invierno con La intérprete, donde se atacaba la corrupción de los gobernantes de un país africano imaginario moldeado a imagen de muchos gobiernos reales.

El año próximo se estrenará El último rey de Scotland, título que se autoconcedió el brutal dictador ugandés Idi Amín, cuyo reinado es explorado en la película.

Ridley Scott, John Woo, Spike Lee y Emir Kusturica, entre otros, han unido sus fuerzas creativas bajo los auspicios de Unicef en el filme All the invisible children, que a través de siete cortos denuncia las condiciones de vida de niños de todo el planeta, prestando particular atención a los africanos. Tony Scott, hermano de Ridley, se ha llevado a Sudán a Nicole Kidman para filmar allí Emma's war, sobre una activista británica que se casa con uno de los llamados señores de la guerra. Y hasta el próximo proyecto de Fernando Meirelles también tendrá África entre sus protagonistas. "Se titulará Intolerancia: la secuela, y en él se combinan siete historias que transcurren en Kenia y diferentes países del Tercer Mundo sin aparente conexión, aunque el espectador va descubriendo que todas tienen un denominador común", argumenta el director.

JENNIFER CONNELLY ESTERALIZA DARK WATER


Una madre recién separada se instala en un viejo apartamento con su hija pequeña. Los fantasmas (¿reales o mentales?) la acosan y ella, deprimida por el abandono de su marido, entra en un extraño proceso de destrucción. Dark water, es una película de terror singular que, dirigida por el brasileño Walter Salles, tiene a la actriz Jennifer Connelly como protagonista absoluta.

Connelly (ganadora de un Oscar en 2001 por Una mente brillante) aseguró que nunca había tenido tanta complicidad con un director como la que tuvo con Salles -director de Diarios de moticicleta o Estación Central- durante el rodaje de Dark Water. "Ésta es su primera película de estudio, y en inglés, pero creo que su toque y su elegancia están en toda la película. Es una persona muy delicada y confieso que jamás había tenido una relación con un director como la que he tenido con él. Me hacía sentir como si no hubiera nadie más que él y yo en el set".

En Dark Water, Connelly interpreta a una mujer frágil, sola y acorralada que teme por su vida y la de su hija. Adultos solitarios, niños diabólicos y las tripas repulsivas de un edificio enfermo. "No necesitaba interpretar a esta mujer para saber hasta dónde puede llegar el dolor de una mujer sola o el amor de una madre por su hija", dice la actriz. "Puedo entender perfectamente el miedo que siente una madre cuando cree que un hijo está en peligro. De todas formas, para mí ésta no es exactamente una película de terror, es demasiado emotiva para serlo. La veo más como un drama sobre la vida urbana, un drama sobre el asilamiento y la soledad. No soy muy aficionada al género de terror, pero cuando leí el guión y me interesó empecé a ver viejas películas del género que no conocía. Descubrí clásicos, como La semilla del diablo, que me parecieron realmente buenos".

Nacida en Nueva York en 1970, Jennifer Lynn Connelly arrancó su carrera profesional siendo una niña. Su primer trabajo fue para Érase una vez en América, de Sergio Leone. Un publicista amigo de sus padres la había descubierto y Connelly empezó a salir en anuncios y programas televisivos a los 10 años. "Recuerdo que cumplí 12 en el rodaje de Érase una vez en América. Era una niña sin demasiadas aspiraciones. Luego trabajé en dos películas de Dario Argento, en Italia. Estaba enamorada de ese país y quería volver a toda costa. Físicamente fui muy precoz, pero a los 20 años seguía siendo una cría".

La carrera de Connelly fue emergiendo durante los años noventa, hasta convertirse en una de las actrices más solventes del cine independiente americano. Más delgada y menos exuberante que a los 20 años, Connelly entró en la treintena cargada de intensidad: sus ojos verdes, sus pestañas muy negras y el expresivo gesto de su cara la convierten en una mujer tan sorprendentemente guapa como vulnerable. "Ya sé que suelen ofrecerme papeles de mujeres en crisis, o adictas a las drogas, en general mujeres torturadas... Para mí el ser humano es muy complejo y por eso me gustan este tipo de personajes. Me dejo llevar por mi intuición, aunque es cierto que tengo cierta predilección por el drama".

"Yo soy actriz", afirma rotunda. "No soy una estrella. Respeto a los que buscan celebridad, pero no es mi estilo. Llevo muchos años en esta profesión y quiero seguir muchos más, así que huyo de ser un personaje fuera de la pantalla. Casi no voy a fiestas y los fotógrafos no me persiguen, básicamente porque mi vida no es muy interesante. No me considero especialmente guapa tampoco. Soy muy normal. No vivo en Manhattan, vivo en Brooklyn y cada día viajo en metro para llevar a mis dos hijos al colegio". "¡Sí, llevo a mis hijos en metro!", replica ante la cara de sorpresa del grupo de periodistas que la entrevistan. "Y nadie se fija en mí, o casi nadie. Y cuando me reconocen, muy rara vez me molestan. De verdad, llevo una vida muy aburrida, y me dejan en paz porque no hay nada sexy o interesante que contar".

25 agosto 2005

GOSFORD PARK - CRIMEN DE MEDIANOCHE


Ryan Phillippe y Emily Watson parte del elenco de "Gosford Park"

El veterano y prestigioso director Robert Altman, quien filma desde los '50 y es uno de los padres fundadores del cine independiente norteamericano, obtuvo el Globo de Oro como mejor director por su último trabajo Gosford Park - Crimen de medianoche, película que consiguió además siete nominaciones a los Oscar en los rubros principales. El realizador de Short cuts, (1993) cruzó el Atlántico para filmar por primera vez en Inglaterra una historia en la que pinceladas de comedia costumbrista y misterio están resueltas a través de su incuestionable sello personal.

Corre el año 1932 y en Gosford Park, una finca de campo del aristócrata Sir William McCordle (Michael Gambon) y Lady Sylvia (Kristin Scott Thomas), se dan cita sus familiares y amigos para disfrutar de unos días de cacería. En la hermosa mansión habitan personajes tan disímiles como interesantes: una condesa anciana y entrometida, un supuesto héroe de la Primera Guerra Mundial, un famoso galán norteamericano de cine, un productor de películas, etc. Pero todos tienen algo en común. Cada uno ha arribado con su valet y sirviente personales, duplicando de esta manera la variada gama de personajes que se suman a la historia. La muerte repentina del dueño de casa en circunstancias dudosas invita a sumergirnos en un mundo de intrigas en el que no sólo se revelará al asesino, sino que además se conocerán las verdaderas relaciones que unen a los personajes entre sí a partir de amores y odios.

Así como en Las reglas del juego [The player, 1992] y Pret-à-Porter [1994], Altman mostró en código de misterio el "detrás de escena" del mundo de Hollywood y el de la alta costura, respectivamente, en Gosford Park - Crimen de medianoche desmantela la fachada hipócrita que oculta los auténticos lazos sociales entre señores y criados, mostrando cómo historias pasadas comienzan a revelarse sutilmente. Para esto utiliza la contraposición espacial que divide arriba de abajo, es decir, el lugar de los señores y el de los sirvientes. Pero el interés que aporta el film y que ayuda a configurar el real estado de las relaciones personales viene dado por los puntos espaciales de intersección que crea y en los que ambas clases sociales se encuentran, se reconocen y se mezclan.

Como no podía ser de otra manera, Altman repite una de sus ya conocidas artimañas: contar con un elenco numeroso que edifica una pluralidad de personajes tan distintos como esenciales y trenzados en diferentes historias intercaladas. Esto se logra mediante una excelente dirección de actores por parte del realizador, lo que muestra los frutos de años de experiencia en el oficio. Más que una comedia clásica se podría decir que es una comedia de situaciones en las que se refleja y retrata con humor refinado las extrañas relaciones que se entablan entre estos característicos personajes.

Al director le ha gustado transitar por muchos géneros a lo largo de su extensa carrera y no sólo los ha abordado, sino que también se ha burlado de ellos. Con Gosford Park - Crimen de medianoche apela al imaginario común de "lo inglés", mediante las costumbres, el humor, el vestuario y el lenguaje, para parodiar (desde adentro del género) al relato clásico de misterio al estilo de las obras de Agatha Christie. La parodia también se evidencia a partir del juego con la ya mítica idea de "el mayordomo es el asesino", estigma de lo que fue el género de suspenso en una época mejor. Además, haciendo gala de su estilo "anglófilo", el film asume los códigos del humor inglés, medido, preciso y moderado, que impone siempre una leve sonrisa y evita el despilfarro de una buena carcajada.

Aunque con su anterior cinta El Doctor y las mujeres [Dr.T and the women, 2000] Altman defraudó a más de un admirador suyo, con esta nueva película que puede además ganar el Oscar (a pesar del peso de las favoritas, como Una mente brillante y El señor de los anillos) el espectador podrá apreciar cómo el cine independiente norteamericano resiste agazapado, pero al acecho, detrás de las columnas de Hollywood.

Para este año tiene proyectado presentar “Paint” esterilizado por Salma Hayek, Glenn Close y James Franco. Para el 2006 filmará junto a Meryl Streep, Virginia Madsen, Lindsay Lohan, Woody Harrelson, Tommy Lee Jones y John C. Reilly el filme A Prairie Home Companion” que es una mirada al mundo de la radio.

CAMPAÑA PARA SALVAR A VARTAN EN ALIAS


Michael Vartan Posted by Picasa

Los seguidores de las series en los Estados Unidos llegan a un nivel de compromiso con los programas que ven, que son capaces de iniciar grandes campañas para que no saquen del aire un ciclo o para reclamar que un actor permanezca en pantalla. Por eso ahora, los fanáticos de "Alias" están juntando firmas (www.mvcampaign.com) para mostrar su apoyo al actor Michael Vartan, que en la ficción y en la vida real mantuvo un romance con la protagonista de la serie, Jennifer Garner. Según algunos rumores su personaje moriría en próximos capítulos.

24 agosto 2005

SARAH POLLEY


Sarah Polley, una actriz de grandes cualidades Posted by Picasa

Con ese rostro común y luminoso parecido al de Sandrine Bonnaire, según comentaba Agnès Varda a la revista española Fotogramas después de ver Mi vida sin mí, Sarah Polley (Toronto, 1979) es un ave extrañísima, casi anómala, en el planeta de las actrices que podrían ser estrellas pero prefieren abstenerse.

Lo sorprendente de la chica Polley, aparte de la perfección como actriz que alcanzó todavía adolescente, es que haya tenido unas cuantas cosas claras bien temprano en su carrera, y que se haya mantenido fiel a sus convicciones. Por ejemplo, decidió que quería actuar a los 5, siguiendo los pasos de varios miembros de su familia, y no hubo quien pudiera disuadirla. A los 6, con el film One Magic Christmas, ya era una niña estrella sin darse por enterada. Poco después entró en la serie The Road to Avonlea, sobre los populares relatos de Lucy Montgomery, y se quedó varios años (hasta que empezó a producirla Disney, y entonces consideró que debía de renunciar: “Fue una decisión política”, declaraba S.P. al New York Times en 1999).

Interpretó a la Sally Salt de Las aventuras del Barón de Munchausen (1989) un año antes de perder a su madre, abatida por el cáncer, desdicha absoluta que la llevó en el 2003 a hacer el protagónico de Mi vida sin mí (de la catalana Isabel Coixet).

A los 14, Sarah Polley pasó por una cirugía mayor para corregir su escoliosis. Una vez recuperada, se fue a vivir sola en el centro de Toronto. A los 15 ya militaba desde el Partido Demócrata Socialista contra el Partido Conservador gobernante, y en una manifestación que chocó con la policía le rompieron un diente. Chica dura en más de un sentido, Polley, cuya posición se consolidó luego de Exótica (1994) y The Sweet Hereafter (1997), no acepta producirse para las notas (“puedo ayudar a vender una película, pero no a Versace ni a Calvin Klein”) ni tampoco cumplir las convenciones del glamour de los estrenos: usó el mismo vestidito negro para la première en Cannes de The Sweet Hereafter que para la presentación en Nueva York, dos años después, de Guinevre. Ella puede filmar con David Cronenberg (eXistenZ, 1999) o con Hal Hartley (Monster), pero nadie le saca de la cabeza la idea de que Hollywood es un predador y siempre se resistió a la intención de la industria de catalogarla como ingenua.

Ella prefiere ser actriz a secas, aunque no descarta la posibilidad de dedicarse a la política en el futuro. No por nada su modelo a seguir es la británica Vanessa Redgrave.

Polley figura en el último filme de Win Wenders “Don`t Come Knocking” junto a Jessica Lange, Sam Shepard y Tim Roth. También en “3 Needless” junto a Stockard Channing y Lucy Liu. Finalmente será una mujer atrapada en un matrimonio con un alcohólico en “Cock and Bull” junto a Chris O’Donnell.

UN CLASICO MODERNO: THE SWEET HEREAFTER


Sarah Polley protagoniza The Sweet Hereafter Posted by Picasa

Éste es el resumen esencial que el propio Atom Egoyan hace de su obra: «Ante la tragedia, nuestra fortaleza y nuestra fe se ven sometidas a prueba. Ésta es la historia de una joven (Nicole) que posee un gran valor. Se ve enfrentada a un hombre (el abogado Stephens) que tiene todas las respuestas, pero que carece de las suficientes preguntas. Es una historia sobre cómo curar las profundas heridas del alma y las decisiones que deben tomarse para sanarlas».

En Sam Dent, un pueblecito canadiense, el autobús escolar se sale de la carretera y se precipita en un lago helado: mueren todos los niños menos la joven monitora Nicole Burnell y la conductora. Los afligidos padres se iban resignando a la terrible pérdida, cuando llega de la gran ciudad un abogado —Mitchell Stephens—, que les convence de que debe buscarse un responsable y culpable del accidente, y entablar un pleito...

Pero Atom Egoyan no lo cuenta así, y su narración fílmica —de la que forma parte de manera importante el montaje— es uno de los grandes logros artísticos actuales, junto con la hondura del mensaje.

Parece como si el fatal recorrido del autobús escolar recorriera también la película a pequeños tramos, hasta el comienzo del desenlace. El guión va hacia adelante y hacia atrás en el tiempo del encuentro entre las familias y el abogado Stephens, que también arrastra su propia tragedia familiar.

Establece la centralidad en el abogado Stephens, que, en las visitas a las familias de la pequeña comunidad, da a conocer indirectamente su salud moral; mejor dicho, sus enfermedades y miserias. Otra centralidad más profunda pertenece a Nicole, y al cuento del flautista de Hamelin, que acaba de contar a unos niños; cuento que se convierte en parábola de los recientes y trágicos hechos reales.

Las dos centralidades quedarán enfrentadas: la del abogado Stephens, con su supuesta y dudosa justicia legal, y la justicia moral y aun sobrenatural que Nicole quiere para su comunidad, que, habiendo sufrido la pérdida de sus niños, como en Hamelin, sigue ciega para el Bien, sigue siendo —por sus miserias morales— incapaz de entrar en el Dulce Porvenir —The Sweet Hereafter—, el Mañana Feliz a donde se llevó el Flautista los niños de Hamelin.

La estructura del guión y del montaje son de una eficacia y fuerza de sugerencia que sobrepasa la linealidad de esta obligada explicación. Eficacia y fuerza de sugerencia es también la de la fotografía, con su lenguaje de luces y sombras contrastadas, su voz de coloración trágica, anaranjada y oscura, y la réplica brillante, de espacios abiertos, luminosa y blanca, azul: son las imágenes visuales de las palabras, de los hechos que se viven.

Y todo ello encarnado por un perfecto elenco de actores, que si unos asumen papeles de principal duración, no les van a la zaga en perfección los que asumen papeles más breves.

Una gran obra, en cuyo mérito entra de modo sobresaliente la novela de Russell Banks, base del guión, de los personajes, y del argumento y su sentido.

KRAMPACK


Fernando Ramallo y Jordi Vilches protagonistas de Krampack Posted by Picasa

Krámpack, traducible como masturbación (o derivados lexicalmente hablando) es la historia de dos amigos, Dani y Nico, que comparten su despertar sexual en un veraneo. En la costa española conocen a Berta y Elena, dos jóvenes de la misma edad 'preparadas' para el mismo despertar. Cesc Gay introduce un giro en relación a films anteriores que abordan problemáticas similares, presentando este despabilar desde la mirada infantil. Estos jóvenes extienden las fronteras de la experimentación fundamentalmente porque no se presenta la codificación de lo sexual propia de la mirada adulta. Así, se explora un gradual acercamiento entre los dos jóvenes sin permitir la calificación de homosexual por parte de los protagonistas ni por parte del espectador, a pesar del hecho de que el personaje de Dani fluctúa en una debilidad por ambos sexos. Las fronteras que determinan los rótulos se desvanecen.

A modo de crescendo, los protagonistas se acercan a un grado de intimidad sexual cada vez mayor: se masturban en el mismo ambiente, se ayudan a masturbarse, hasta que finalmente después del fallido intento con Berta y Elena, deciden dar por sentado la pérdida de la virginidad entre ellos. Sin embargo, este aumento del contacto físico no es interpretado por ellos como 'gay', ni siquiera Dani puede entender, decodificar, que lo que siente por Nico no es ni más ni menos que amor. La apertura del campo sexual permite entonces un replanteamiento también sobre la aceptación de la homosexulidad. En este sentido, es interesante el rol jugado por Julián, amigo mayor del padre de Dani. Esta apertura en plano de la diégesis es acompañada por un paneo final de la cámara que se aleja 'abriendo campo' y dejando a Nico y Dani una vez más reencontrándose.

Cesc Gay es director y guionista catalán. Ha realizado, entre otros films, el documental Krakers (1994),el largometraje de ficción Hotel Room (1998) y En la Ciudad (2003). Krámpack ha competido en Tesafilm Audiencie Award, Filmfest Hamburgo, Toronto Film Festival, ambos del 2000. Ha ganado el premio especial del jurado en Cannes Film Festival, mejor director en Málaga Film Festival, y mención especial del jurado en Jordi Vilches, Málaga Film Festival

23 agosto 2005

CHARLIZE THERON SE CONVIERTE EN AEON FLUX


Charlize Teron es la heroína del futuro Aeon Flux Posted by Picasa

Le demostró al mundo que era más que una modelo sudafricana con sueños de convertirse en una estrella de cine. En 2004, Charlize Theron (30) ganó el Oscar a la Mejor Actriz por "Monster". Allí, su hermoso rostro desaparecía tras el maquillaje que la hacía casi idéntica a la mujer que interpretaba, la asesina Aileen Wuornos.

Ahora se somete a una nueva transformación, esta vez menos dramática. Su rubio cabello queda atrás, y así, morena y vestida en ajustados trajes negros, apuesta a convertirse en la nueva heroína de acción de Hollywood con "Aeon Flux", una cinta de ciencia ficción que por estos días inicia su campaña publicitaria.

La cinta, que debuta en Estados Unidos el 2 de diciembre, forma parte de un género que no es ajeno a Theron. Ya probó dosis de adrenalina en cintas como "Joe" (1998), "Doble traición" (2000) y "La estafa maestra" (2003). Pero esta vez ella no es la acompañante de turno de algún galán de Hollywood, como Ben Affleck y Mark Wahlberg. En "Aeon Flux" es el centro de la trama y quien será apuntada como responsable del éxito o del fracaso de este proyecto.

Basada en una serie animada de la cadena MTV, la cinta lleva el nombre del personaje de Theron y es dirigida por Karyn Kusama ("Girlfight"). Ambientada 400 años en el futuro, en un mundo devastado por las enfermedades, Aeon Flux es una enigmática asesina que debe matar a un malvado líder gubernamental.

Esta nueva apuesta no es una tarea fácil. Theron llega con al menos un antecedente negativo reciente: "Gatúbela". Con ese filme, Halle Berry también ponía sus fichas en convertirse en la nueva heroína de acción hollywoodense después de ganar un Oscar. Pero fracasó: la película costó US$ 135 millones y apenas recaudó US$ 82 millones en todo el mundo. "Aeon Flux" tiene al menos un presupuesto menos pretencioso: costó US$ 55 millones. Pero los estudios Paramount están esperando un rotundo éxito de taquilla. Y Theron, también.

ASPIRANTE A HEROÍNA: DOS CASOS

MIRA SORVINO

Después de una prometedora carrera en el cine independiente, a los 28 años ganó el Oscar a la Mejor Actriz Secundaria por "Poderosa Afrodita". Con ese respaldo, en 1997 decidió transformarse en heroína de acción con "Asesinos sustitutos". Pero la crítica y el público la rechazaron.

HALLE BERRY

En 2002 probó que era más que una cara bonita cuando ganó el Oscar a Mejor Actriz por "Cambio de vida". Luego entró con suerte en la acción con "Otro día para morir" y la secuela de "X-Men". Pero cuando le tocó un protagónico, fracasó: "Gatúbela" no funcionó en la taquilla y la crítica la destrozó.

22 agosto 2005

RED EYE


Cillian Murphy y Rachel McAdams en RED EYE Posted by Picasa

La gerente de un hotel regresa de un funeral en un vuelo de media noche. Allí conoce a un hombre muy simpático que resulta ser un asesino que la chantajea a cambio de la vida de su padre. Atrapada en un avión a 30 mil pies de altura, su viaje se convierte en una carrera contra el tiempo para evitar una tragedia. Con las actuaciones de Rachel McAdams y Cillian Murphy.

Lisa Reisert (Rachel McAdams) no disfruta viajar en avión, pero debe tomar el vuelo de media noche, llamado Red-Eye, para volver del funeral de su abuela en Dallas a su trabajo como gerente de un hotel en Miami Beach. Para variar, el vuelo está atrasado y algunos pasajeros pierden la paciencia.

Uno de ellos, Jackson Rippner (Cillian Murphy), no sólo se muestra calmado, sino que entabla una agradable conversación con Lisa. Parece un tipo encantador y, sin mucho esfuerzo, se hacen amigos. Cuando Lisa aborda la nave, descubre con sorpresa que Jackson está sentado junto a ella.

Una vez que el avión alcanza la altura de 30 mil pies, Jackson revela sus nefastas intenciones. En un virtual secuestro de Lisa, la obliga a cambiar la habitación del subsecretario de Seguridad Interna y su familia en el hotel, para asesinarlo. Si no coopera, hay otro asesino frente a la casa de su padre (Brian Cox).

El viaje se convierte en una pesadilla para Lisa quien, en una carrera contra el tiempo, debe encontrar la manera de salvar las vidas de su padre y el político y su familia, sin poner en peligro a los demás pasajeros. Y aunque no faltan los momentos de turbulencia real (por cierto, el set fue la claustrofóbica cabina de un avión), la turbulencia es mayormente psicológica.

Rachel McAdams viene de la comedia Wedding Crashers, aunque ya había demostrado sus virtudes dramáticas en The Notebook. Cilliam Murphy, por su parte, viene de interpretar al villano Scarecrow en Batman Begins. Sus intensos ojos azules y su mirada siniestra podrían encasillarlo en papeles de malo, si se descuida.

Red-Eye fue dirigida por Wes Craven, uno de los maestros del cine de terror, con películas como Scream y Nightmare on Elm Street en su haber. Y aunque no califica como película de horror, Red-Eye cumple con hacer temblar de miedo y angustia a los pasajeros... digo, a los espectadores.

ROSARIO DAWSON


Rosario Dawson Posted by Picasa

Vestida para matar. Así, literalmente, aparece la actriz Rosario Dawson en su papel de Gail, una provocativa "prostituta-guerrillera" que lidera a sus compañeras de la peligrosa zona de Pueblo Viejo, en la película Sin City.

Vestida con un traje de malla, elevada en botas ajustadas con eternos lazos de cuero y sosteniendo una amenazadora metralleta, la artista de origen cubano ha sido destacada por este personaje y se alza con mayor protagonismo en la escena de Hollywood.

La industria ya la insertó en la nueva camada de "bombas" latinas que van tras los pasos de nombres hispanos de peso como Jennifer López, Salma Hayek y Penélope Cruz.

Dawson -quien suma a su sangre cubana ascendencia portorriqueña, irlandesa y de indios de EEUU- debutó en celuloide luego que el director Larry Clark la descubriera en las calles de Nueva York y la invitara a actuar en el polémico retrato adolescente Kids.

Más tarde, entre sus otros trabajos, fue alabada por su participación en La Hora 25, de Spike Lee (Haz lo Correcto) y se sumó a la superproducción Alexander, junto a Colin Farrell.

La artista, quien para representar a Gail tuvo que subir unos kilos y así desarrollar sus curvas, defiende el tono violento de Sin City: "Ésas mujeres van a la guerra con tacos altos. Se supone que esto no está en nada basado en la realidad: la violencia es extrema, los trajes son extremos, el amor, las situaciones. Todo está desbordado".

Y pese a la carga agresiva del papel hubo rasgos de éste que la atraen. "Me gusta ver salir a esas mujeres con ese andar sexy y que sean poderosas".