INTENSIVE CARE DE ROBBIE WILLIAMS

Robbie Williams es un tipo popular. Y no lo es por una campaña publicitaria o porque venga de una familia célebre. Su fama radica simplemente en su personalidad, en la naturalidad que demuestra frente a las multitudes y en ese aire de chico marginal astuto. Gracias a ese carácter pudo sobresalir en su ex banda Take That y luego abrirse paso como solista para transformarse en una estrella absoluta.

Williams, en cambio, está concentrado en cosas mayores, como ocupar el trono del pop tras la decadencia de Michael Jackson y promover su último trabajo, "Intensive care", que fue presentado el pasado 11 de octubre en Berlín.

Con el mundo a sus pies y más de 35 millones de discos vendidos, el cantante se radicó en Los Angeles, Estados Unidos, para grabar su sexto álbum de estudio, junto al músico Stephen Duffy (ex Duran Duran y The Lilac Time).

Por ser su primer trabajo sin la tradicional colaboración de Guy Chamber, con quien Robbie compuso sus mayores éxitos, "Intensive care" asomaba como una incógnita y muchos apostaban a que sería sólo una repetición de la fórmula del multiplatino "Escapology", editado el 2002.

Sin embargo, el músico, en vez de insistir con más de lo mismo, produjo esta vez un magnífico disco de rock-pop, sin canciones de relleno y demostrando que su nueva sociedad con Duffy fue un verdadero acierto.

En esta producción, Williams hace un ágil repaso del pop británico de las últimas dos décadas. Son 12 canciones, en las que abundan las evocaciones a Bowie, The Smiths, Orange Juice, bandas y solistas que el cantante escuchaba en su adolescencia. "Definitivamente han sido una influencia. Quise escribir canciones que pudieran romper el corazón de alguien en 15 o 20 años más, y darles el mismo sentido de nostalgia que mis canciones favoritas me dieron", afirmó en su sitio oficial de internet.

Excepto por "Ghosts", la primera canción del disco, el resto es decididamente sólido. Con "Intensive care", Robbie Williams no inventa un nuevo pop, pero logra imprimirle su propio carácter, plasmado en temas como "Spread your wings", "Advertising space", "Your gay friend" y "A place to crash", donde se entrecruzan el Elton John de los 70 con The Rolling Stones.

HARRY POTTER Y EL CALIZ DE FUEGO

El comentario parece una frase cliché. Y de algún modo lo es. En 2004, "Harry Potter y el prisionero de Azkaban", la tercera película de la saga sobre el niño mago, fue definida como "la más oscura" de todas. La misma frase se repite ahora, con la cuarta parte, "Harry Potter y el cáliz de fuego". La verdad es que esta progresión debe ser así, porque las películas se han ajustado rigurosamente a los textos de la autora J.K. Rowling, quien en cada novela a ido aumentando las dosis de crueldad y de violencia.

En este episodio, exhibido por primera vez a la prensa mundial el lunes 24 en Londres, se ven golpes duros, hechizos potentes, sangre y muertes. Pero, además, este filme, dirigido por Mike Newel, el mismo autor de "Cuatro bodas y un funeral", agrega al menú mágico otro ingrediente: la sensualidad.

Hogwarts es, en esta oportunidad, la sede de un concurso interescuelas de magia: el Torneo de los Tres Magos, que se transforma en una oportunidad para que fluya el amor. Ron caerá bajo el embrujo de Fleur Delacour, una alumna de la escuela Beauxbaton; Hermione será presa de los ojos de Victor Krum, un alumno de la otra institución en competencia, Durmstrang; Ron y Hermione llevan su relación amor-odio un paso más adelante; Hagrid tendrá un furtivo romance con la directora de Beauxbaton, y hasta Harry comenzará a sentir cosas nuevas, por una hermosa alumna oriental de la casa Ravenclaw, Cho Chang.

Todos los flirteos quedan expuestos en la escena del baile navideño. Por primera vez, el trío protagónico se viste de gala y baila un romántico vals. El gran plus de la escena, material para trivia futura, es la participación de una banda que lleva el rock a Hogwarts y que integran Jarvis Cocker, de Pulp, y parte del grupo Radiohead. Es más, Cocker escribió tres canciones para la banda sonora de la película.

"El cáliz de fuego", que debuta en sudamérica el 24 de noviembre, muestra incluso un poco de "piel". En una escena, Harry debe desvestirse y entrar a una piscina para sortear una prueba: el fantasma de la Llorona Myrtle coquetea descaradamente con él. La escena, en todo caso, no muestra nada que escape de la etiqueta "película familiar".

En el torneo participa un alumno de cada escuela. Los competidores deben pasar por peligrosos desafíos para llevarse la Copa de los Tres Magos, y la amenaza del regreso de Lord Voldemort, el archienemigo de Harry, ha obligado a la organización a tomar medidas: nadie menor de 17 años puede postular.

Los elegidos entonces son Krum y Delacour. Por Hogwarts participa uno de sus mejores alumnos y atletas, Cedric Diggory. Sin embargo, la sorpresa será mayúscula cuando misteriosamente se agregue un cuarto nombre a la lista: Harry Potter.

La realización de las pruebas es la principal razón que justifica los US$ 135 millones invertidos en esta película. Una batalla con un dragón, un rescate bajo el agua y el escape de un peligroso laberinto son escenas llenas de efectos visuales e imágenes computacionales.

Pero, como lo afirma el propio director y como se lee en el texto de Rowling, la clave básica de "El cáliz de fuego" no son ni el romance ni la competencia. El nudo de todo está ni más ni menos que en el mismísimo Lord Voldemort, que en este capítulo al fin consigue regresar con forma humana. La transformación es casi completa. Ralph Fiennes es el encargado de interpretar al villano. Se lo ve calvo, con orejas puntiagudas y con la nariz aún incompleta. Parece un orco sacado de "El señor de los anillos".

Voldemort es el encargado de ofrecer al público el hechizo más peligroso de todos, Avada Kadavera, la muerte, porque, como ya se ha dicho, en "Harry Potter y el cáliz de fuego" hay muerte. Varias, de hecho. Pero la última de ellas es la más significativa para Harry. Si bien es un personaje secundario en la trama, su deceso deja una profunda huella en el niño mago.

Otra escena clave en la cinta es la Copa Mundial de Quidditch, donde Harry, Ron y Hermione llegan acompañados del resto de los hermanos Weasley y de Cedric Diggory. También está repleta de efectos visuales, y es donde comienzan a hacer sus fechorías los seguidores de Voldemort, convirtiendo en cenizas el campamento instalado a un costado del estadio.

¿Personajes ausentes? No se ve por ningún lado a los Dursley, la odiosa familia que alberga a Harry durante las vacaciones de verano, y se extraña en las escenas de los Weasley a la acogedora madre de la familia, interpretada por Julie Walters. Sirius Black, el padrino de Harry, interpretado por Gary Oldman, aparece brevemente, y en forma de fuego, para dar un consejo a su ahijado.

LANZAMIENTO

"Harry Potter y el cáliz e fuego" fue exhibido por primera vez a la prensa mundial el lunes 24, en Londres.

LOS ROSTROS DE LA GALERÍA MÁGICA

Cho Chang

Katie Leung (18). Alumna de Hogwarts, miembro de la casa Ravenclaw. Producirá las primeras revoluciones hormonales en Harry Potter. Él quiere invitarla al baile, pero habrá un obstáculo.

Cedric Diggory

Robert Pattinson (19)

Uno de los mejores atletas y alumnos de Hogwarts. Es el primer elegido para representar a la escuela en el torneo. También está interesado en Cho.

Alastor "Ojoloco" Moody

Brendan Gleeson (50). Es el nuevo profesor de Defensa contra las Artes Oscuras de Hogwarts. Está un tanto chiflado, pero es leal a Dumbledore. Oculta una sorpresa.

Madame Maxime

Frances de la Tour (61). Es temporada de romances en Hogwarts. Y la directora de Beauxbaton le roba el corazón al mismísimo Hagrid.

Rita Skeeter

Miranda Richardson (47). Reportera del periódico de los magos, el "Daily Prophet". Lo suyo no es el rigor periodístico; se trata de un personaje calculador, en busca de la polémica.

Lord Voldemort

Ralph Fiennes (42). Archienemigo de Harry, quien ha sido el único en sobrevivir a su hechizo de muerte. Las fotos de Fiennes en esta película son un misterio

NOCHE DE BRUJAS

Se sabe que el cable es especialista en transformar cada ocasión de festejo en una oportunidad para renovar su programación y presentar su material de archivo de una forma atractiva. Súmese a esa clara habilidad el hecho de que la mayoría de las señales es originaria de los Estados Unidos y no es difícil pensar que el festejo de Halloween (o Noche de Brujas, como se la bautizó aquí), el 31 de octubre, muy popular en ese país -y en el resto de los países anglohablantes-entre chicos de todas las edades, es el momento perfecto para plantear el miedo como temática, tanto en su variante divertida para los más chicos como en el de la tremendamente seria en los más grandes. A continuación, algunas de las mejores propuestas del cable para esa fecha especial:

Sustos para chicos

Cartoon Network programó una maratón de la serie animada "Scooby Doo", que se verá hoy, de 08 a 20, mientras que mañana, desde las 15, presentará una seguidilla de capítulos de "Ed, Edd y Eddy", que incluyen un especial de Halloween.

En Boomerang, mañana, a las 10 y a las 18, se verán nuevas películas de la pandilla de amigos liderada por Shaggy.

En Disney Channel se festeja la Noche de Brujas con el especial "72 horas de miedito". Ayer se vio la presentación especial de "Mickey´s House of Villains", seguido por los films animados "La leyenda de Sleepy Hollow", "El equipo del grito" y el estreno del largometraje "Viaje a Halloween Town". Hoy, el especial proseguirá con "Monsters Inc." y "Casper" y, a las 18, será el turno del estreno de "Halloween 2: La venganza de Kalabar". Tanto ayer como hoy, a las18, se podrá disfrutar del segundo avance del film "Las crónicas de Narnia: el león, la bruja y el ropero", basado en la novela de C. S. Lewis. El gran final será mañana, a las 18, con la presentación de "El extraño mundo de Jack", el largometraje producido por Tim Burton con la técnica de animación cuadro por cuadro.

Nickelodeon, por su parte, dedicará su especial del Día de Brujas (mañana, desde las 11 hasta las 20.30) a los capítulos más terroríficos de sus series estrella, como "Bob Esponja" y "Los Rugrats".

Discovery Kids, pensado para chicos en edad preescolar, colaborará en el festejo emitiendo -mañana, a las 15-, "La fiesta de Halloween de Barney", seguido por episodios de las series "The Backyardigans", "Clifford", "Jakers!", "Harry y su cubeta de dinosaurios" y "Lazytown".

En Jetix, hoy, a las 09 y a las 16 y mañana, a las 16, se verán los flamantes telefilms "La madrina tenebrosa" y "Las hermanitas Mysteria".

Para los más grandes

Mañana, desde las 17, Fox emitirá una maratón especial de Noche de Brujas, con los cuatro mejores episodios de "Los Simpson" que tradicionalmente dan comienzo a cada una de sus temporadas.

Universal, por su parte, emitirá mañana tres films en continuado desde las 20: "La leyenda del jinete sin cabeza", de Tim Burton, con Johnny Depp y Christopher Walken; "13 fantasmas", con Tony Shalhoub y "La ira", con Amy Irving, continuación de "Carrie".

TNT festejará Noche de Brujas durante todo el día, con la emisión de las películas, "Poltergeist III", que se verá mañana, a las 10; "Drácula: muerto, pero feliz", la parodia de los films de vampiros de Mel Brooks protagonizada por Leslie Nielsen, se emitirá a las 12.30; "Misery", un clásico de Stephen King que le ganó el Oscar a Kathy Bates, le seguirá a las 17. A las 19.15 se proyectará "La novena puerta", de Roman Polanski, con Johnny Depp y, para cerrar el especial, cerca a la medianoche, "Drácula de Bram Stoker", de Francis Ford Coppola, con Gary Oldman, Winona Ryder y Keanu Reeves.

A&;E emitirá "Los locos Addams 2", con Raúl Juliá, Anjelica Huston y Christina Ricci (hoy, a las 20, respectivamente) mientras que mañana será el turno de "Poltergeist".

En Cinecanal Classics, el protagonista será el género de terror de la época de oro de Hollywood. Mañana, a las 14, se verá "El fantasma de la ópera", con Nelson Eddy; a las 15.40, "La mano de la momia" y, a las 19.50, "La tumba de la momia", ambas con el legendario Lon Chaney y, finalmente, a las 22, "La máscara de la muerte roja", con Vincent Price.

En The Film Zone, se realizará el especial "25 horas de miedo", en el que se exhibirán, desde la madrugada del mañana, una serie de films tanto de terror clásico como thrillers psicológicos, otros enrolados en la serie negra y en los que no falta el elemento sobrenatural. Entre ellos se cuentan "Psicópata americano", "Temporada mortal", "Carrie", "La tormenta", "Otro día", "Crepúsculo", con Paul Newman y Susan Sarandon; "Amenaza virtual", "Tiburón 3", "Poltergeist II", "Sociedad secreta", "Estigma", con Patricia Arquette; y "Jeepers Creepers".

POR HBO LLEGA MANDRAKE

Coproducida por HBO y la brasileña Conspiracao, la miniserie Mandrake llega a partir de hoy a las 21 a la pantalla de HBO. La historia de la miniserie tiene como protagonista a Mandrake, un abogado criminalista especializado en casos de chantaje. Seductor, resuelve los casos más insólitos, tanto del bajo mundo como de la alta sociedad cariocas. Mandrake es un personaje emblemático de Brasil, surgido de un cuento de Rubem Fonseca. Esos libros fueron adaptados por su hijo, José Henrique Fonseca.

Jean Pierre Noher y Luciano Castro fueron los únicos actores argentinos que trabajaron en la miniserie, aunque en capítulos distintos: la participación de Noher se verá en el episodio del sábado 5. Allí interpreta a un ejecutivo norteamericano que se ve envuelto en un gran problema, tras llevarse a una prostituta a su habitación del hotel. "La ciudad no es lo que se ve desde Pan de Azúcar" es el ilustrativo título del capítulo estreno que sirve, también, para presentar a los principales personajes. Además del abogado, interpretado por Marcos Palmeira, están Bebel (Erika Mader), hija de un cliente de Mandrake; Bertha, una antigua novia, y Raúl, el amigo de la facultad y Delegado de Homicidios, contacto de Mandrake en la policía.

BROKEN FLOWERS

Una carta sin firma, una noticia que puede convulsionar una vida y un puñado de actores (sobre todo, actrices, y todas espléndidas), al frente de los cuales se sitúa un Bill Murray que ha hecho de la economía gestual su más segura, impresionante baza de éxito, bastan al siempre inteligente Jim Jarmusch para hilvanar uno de esos discursos aparentemente livianos, pero en realidad poderosamente mordaces y corrosivos que constituyen una de las marcas distintivas de su cine. La carta le llega a un ejecutivo retirado (Murray), un antiguo donjuán venido un tanto a menos, y en ella alguien le informa de que, en un futuro tal vez próximo, le visitará un joven que es, aunque él no lo sepa, nada menos que su hijo. Pero hay un pequeño problema: ¿cuál de las mujeres con que mantuvo relaciones en la posible época del nacimiento del chico es la madre?

Desde esta premisa, más la impagable colaboración de un vecino aficionado a los acertijos y las pesquisas criminales, Murray iniciará uno de esos periplos a que tan dados son la cultura americana en general y el cine en particular. Un viaje en el que intentará saber quién es la madre y que se revelará de alguna manera iniciático. Porque después nada volverá a ser como era, y porque reencontrarse con el pasado frente a frente también paga sus a veces dolorosos, a veces hilarantes peajes.

Murray viaja, pero el fruto de sus desvelos se revelará tan mínimo como en el fondo inconsistente. Jarmusch muestra ese periplo con el aire minimalista y la puesta en escena sobria y casi gélida que le es propia, pero también con un indisimulado, brillante sentido del humor.

No hay en ese viaje la menor concesión a la nostalgia -ni el personaje que interpreta Murray tiene propensión a ello, ni es para nada la intención del director trufar su mensaje de lágrimas, por muy honestas que éstas sean: no es su estilo-, y sí mucha ironía. Don Juan ya no tiene certezas, su vida ha variado sutil pero drásticamente, y desde la llegada de la carta, cualquier joven puede ser algo más que un ser humano de edad menor a la suya. O sea, que Broken Flowers se plantea como una ácida revisión del donjuanismo, sí, pero también como el recordatorio de que siempre es más conveniente asumir la responsabilidad de nuestros actos que esperar sentados a la materialización de sus consecuencias. Un filme brillante, entretenido y soterradamente hilarante, una recomendación segura para espectadores inteligentes

UNDERTOW

Jamie Bell, el niñito de "Billy Elliot", creció y en este drama es un adolescente díscolo de los campos de Georgia cuya única rutina es ayudar a su padre viudo (Dermot Mulroney) en el mísero rancho familiar. Además, cuida a su hermano chico: que se echa de todo a la boca, desde productos tóxicos hasta un poco de comida. "Undertow" muestra el sueño americano convertido en pesadilla. Pero su textura sucia de película setentera y su intención de retratar a la América del interior, masculina y sudada, equivocada y corta de ideas, lo convierte también en un viaje de iniciación para los dos hermanos. La historia es un entretenido thriller, pero al incluir estaciones como la pérdida de la inocencia, la muerte o el amor, la película consigue lo que Jamie Bell también ha hecho: crecer y crecer.

PRONTO LLEGAN "MEDIUM" Y "GHOST WHISPERER"

Dos chicas guapas - una rubia de 37 años y una morena de 26- serán las encargadas de ponerle el toque misterioso y sobrenatural a la pantalla de los lunes del canal Sony. A partir del 7 de noviembre, Patricia Arquette protagoniza "Medium", y Jennifer Love Hewitt, "Ghost whisperer", dos series sobre mujeres que tienen contacto directo con el más allá. ¿Cómo lo soportan?

Felizmente casadas con maridos que comprenden esas extrañas aptitudes.Es la nueva vuelta de tuerca en el tema de lo sobrenatural, que ya ha dado bastante material a los guionistas del cable. Basta recordar series recientes como "Dead like me", "Dead last" o "Tru calling", que ya pasaron a mejor vida. Hasta el momento, "Medium" y "Ghost whisperer" han tenido mejor suerte. Al menos en Estados Unidos.

Otro que se subió al carro de los sucesos sobrenaturales es Warner. En noviembre trae "Supernatural", sobre dos hermanos que buscan a su padre y luchan contra fantasmas e "Invasion", acerca de un pueblo al que llegan extraterrestres.

"Medium" llega con buenos antecedentes bajo el brazo. En Estados Unidos ya va en su segunda temporada y su protagonista, Patricia Arquette, ganó un Emmy a la mejor actriz dramática por su papel de Allison Dubois. Un golpe que les dolió a favoritas como Glenn Close ("The shield") y Stockard Channing ("The west wing"). Su personaje es una madre de tres hijas que estudia para ser abogada y a quien los muertos se le aparecen hasta a los pies de su cama. En un principio se asusta y evita aceptar su condición de médium, pero luego termina por asumir que las revelaciones que tiene en sus sueños pueden servir para resolver crímenes. Por eso, aunque a veces no crean en la veracidad de los mensajes que recibe, se involucra en casos policiales. Su esposo, Joe, es su aliado número uno y sus hijas pronto desarrollarán el mismo poder. Después de verla en películas como "Lost highway" (poblada de fantasmas) o "Stigmata" (donde Patricia sufre las heridas de Cristo), queda claro que el papel de la sufrida vidente le calza perfecto. Desde el 7 de noviembre, irá los lunes, a las 18:00 horas.

"Ghost whisperer" es algo así como la versión televisiva de "Sexto sentido". En vez de un chico llamado Haley Joel Osment, hay una chica veinteañera - también de nombre compuesto y cara angelical- que, pobrecita, ve gente muerta. Ella, Jennifer Love Hewitt, es la misma que gritaba despavorida en la película "Sé lo que hicieron el verano pasado". En esta serie vuelve a gritar. Y con justa razón. Porque a veces los fantasmas que se le aparecen dan bastante susto. Ellos la buscan para pedirle ayuda. Para todo tipo de cosas. Desde un soldado que no conoció a su hijo hasta una esposa que dejó unas llaves en su chaqueta y necesita que su marido las encuentre. Y Melinda (como se llama su personaje) es tan buena que se aguanta su miedo y los ayuda. Pero no está sola. Su marido, Jim (David Conrad), y su amiga Andrea (Aisha Tyler) saben de su "don" y la apoyan.Ésta no es la primera serie de la actriz.

Gracias a que su papel en "Party of five" fue exitoso, consiguió su propia serie, "Time of your life". Pero sin la familia Salinger detrás, el programa no tuvo suerte y fue cancelado a los 13 capítulos. Esta vez "Ghost whisperer" parece ir por mejor camino. Al menos en Estados Unidos. El primer capítulo fue visto por 12 millones y ya se confirmó que la primera temporada se hará completa. Está claro: cuando Jennifer grita, no falla. Desde el lunes 7 de noviembre, a las 17:00 horas

KING KONG

Dos meses antes de su estreno mundial —planeado para el 14 de diciembre—, el estudio Universal ha hecho una jugada arriesgada. Según la revista Variety han decidido lanzar en los cines el corte del director de King Kong, Peter Jackson, de tres horas de duración, en lugar de la película de dos horas y media que habían planeado.

Esta movida obligará al estudio a aumentar el presupuesto del filme en 32 millones de dólares, para poder completar los efectos especiales. De los 175 millones de dólares calculados en el presupuesto, han pasado a 207 millones, sin contar los gastos de marketing ni publicidad.

En el acuerdo que hizo para poder lanzar su corte de tres horas, el director de la saga de El Señor de los Anillos aceptó poner los 20 millones del salario que le correspondía por dirigir la película y pagar con eso parte de la diferencia. De cualquier manera, con los porcentajes de recaudación que incluye su contrato, tiene asegurada una buena ganancia.

La decisión de lanzar la versión de tres horas fue tomada por los máximos ejecutivos del estudio —entre ellos, Ron Meyer y Stacey Snider— tras viajar a Nueva Zelanda y ver allí el corte original de Jackson. "Sabíamos que íbamos a ver una versión larga —dijo Snider a Variety— y nos encantó. Es una película brillante, un banquete épico".

El manager de Jackson, Ken Kamins, dijo que "A Peter y a Fran (Walsh, su esposa y coguionista) la película les gusta tanto que estaban dispuestos a pagar por lanzarla así". Kamins agregó que las conversaciones con el estudio fueron amigables y que no hubo conflictos.

Si bien los estudios en general tratan de evitar estrenar películas tan largas ya que eso implica que pueden pasarse menos veces por día en las salas de cine, muchos de los grandes éxitos de taquilla de todos los tiempos superaron las tres horas de duración, como El retorno del Rey, de Jackson, o la mismísima Titanic.

Un dato curioso: la versión de Jackson de King Kong casi duplicará el metraje de la original, que duraba sólo 100 minutos

DIAS DE SANTIAGO POSTULA EN LA CARRERA DE LOS OSCAR

Un récord de 58 países, entre los que se incluyen "nuevos aspirantes" como Costa Rica e Irak, se presentaron a los premios Oscar, que se celebrarán el 5 de marzo en el Teatro Kodak de Los Ángeles, anunció el martes la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.

España, Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, México, Perú y Puerto Rico presentaron sus precandidatas -que ahora deberán ser consideradas por la Academia- a ser 'Mejor película extranjera' en la 78 entrega de los Oscar. Las cinco finalistas se darán a conocer el 31 de enero.

Dirigida por Josué Méndez, 'Días de Santiago' pretende estar en la carrera por Perú. La película narra la desazón de un ex soldado de 23 años al volver a Lima después de años de haber luchado contra la subversión terrorista y en la guerra contra Ecuador.

España, que en la edición pasada presentó a la exitosa 'Mar adentro', espera competir ahora con 'Obaba', del cineasta navarro Montxo Armendáriz.

Esta es la segunda vez que Armendáriz concurre a los Oscar, ya que en 1997 lo hizo con 'Secretos del corazón', que finalmente no logró el premio a mejor película extranjera. El filme de Armendáriz, que inauguró oficialmente el último Festival Internacional de Cine de San Sebastián, es una libre adaptación del libro de relatos de Bernardo Atxaga 'Obabakoak'.

Argentina se presentó con el drama 'El aura', del director Fabian Bielinsky ('Nueve reinas') y protagonizado por Ricardo Darín, que tuvo una excelente acogida por la crítica.

'Di buen día a papá' de Fernando Vargas, sobre el pequeño pueblo boliviano de Valle Grande, que por 30 años escondió los restos de Ernesto 'Che' Guevara, aspira a representar a Bolivia.

'Dos hijos de Francisco', la historia de dos hermanos humildes que se convirtieron en exitosos cantantes de música popular, fue la película elegida por Brasil. Se trata del primer largometraje de Breno Silveira.

'Play', ópera prima de Alicia Scherson, premiada en el festival Tribeca de Nueva York, es la aspirante de Chile. Filmada en vídeo digital de alta definición, cuenta en tono de fábula la historia de una empleada de origen mapuche que vive en Santiago y un día encuentra en la basura un maletín perteneciente a un joven arquitecto.

Colombia espera competir con 'La sombra del caminante', ópera prima de Ciro Guerra, que da una mirada original a la violencia en ese país a través del encuentro de dos personajes: un lisiado y un caminante que vive de llevar a cuestas por las calles de Bogotá a los transeúntes cansados.

El filme ha sido seleccionado hasta el momento en más de 35 festivales internacionales y ha obtenido premios en San Sebastián, Toulouse, Varsovia, Cartagena, La Habana, Mar del Plata y Santiago de Chile.

'Caribe', de Estéban Ramírez, espera representar a Costa Rica por primera vez en los Oscar.

'Viva Cuba', segundo largometraje de ficción de Juan Carlos Cremata, fue la escogida para representar a la isla. La película fue galardonada con el Grand Prix Ecrans Juniors del Festival de Cannes 2005, convirtiéndose en la primera película cubana laureada allí.

México escogió 'Al otro lado', segundo largometraje del director Gustavo Loza, que narra tres historias entrelazadas que ocurren en diferentes latitudes geográficas, sobre tres niños que viven sin sus padres debido a que estos decidieron emigrar a otro país.

Puerto Rico presentó 'Cayo', de Vicente Juarbe. Se trata de una historia de amor y amistad basada en hechos reales escrita por Pedro Muñiz e Ineabelle Colón.

La novedad de los Oscar este año es que hay "nuevos aspirantes como Costa Rica, Fiji e Irak", dijo el presidente de la Academia, Sid Ganisy.

Irak se presenta con 'Requiem of Snow', de Jamil Rostami

IN GOOD COMPANY

Hay más de una grata sorpresa con "In Good Company", que oscila fluidamente entre la comedia romántica y de situaciones y el filme de denuncia en torno a los manejos corporativos.

El primer acierto pasa por la elección del terceto protagónico, con el siempre eficaz Dennis Quaid como Dan Foreman, director del Departamento de Publicidad de una revista deportiva y la bella Scarlet Johansson como Alex, su hija adorada, eximia jugadora de tenis y estudiante de Literatura en la prestigiosa —y muy cara— Universidad de New York.

A esa ecuación familiar se suma, inesperadamente, Topher Grace como Carter Duryea, ascendente y ambicioso ejecutivo de una corporación. Que no sólo adquiere la revista en la que Dan se gana la vida sino que envía a Carter como nuevo director publicitario y jefe de aquél, que lo dobla en edad y experiencia.

Aunque no haya conseguido triunfos tan peculiares como el de Duryea con un teléfono celular para niños con rugido de dinosaurio.Y para peor, luego de un divorcio no deseado, Carter se encuentra casualmente con Alex, se enamora de ella y resulta correspondido. Sin que el padre de ella, por un tiempo, nada sepa. Y todavía se preocupe por una hija a la que supone virgen o por lo menos ignorante en cuanto a la práctica del sexo.

"In Good Company" tiene otros recovecos y desvíos que hacen a los enredos inevitables en una obra de este tipo, que no desperdicia oportunidad para matizar amoríos y desencuentros con dardos certeros en cuanto a la naturaleza neurótica de las verdaderas carreras de ratas que se entablan en las grandes empresas en procura de un ascenso. O la índole invasora y apropiadora de dichas corporaciones, causantes de muchas inestabilidades laborales e insatisfacciones.

Ambientada con indudable buen gusto y dirigida con solvencia por Paul Weitz (el director de American Pie y Un gran chico), el largometraje estadounidense es indudablemente entretenido y bastante inteligente en su propuesta. Y capaz, por ello, de evitar un final previsible y meloso, eligiendo una cuerda que, en un sentido, es más esperanzadora y realista sin caer en el pesimismo. Vale la pena verlo

FIGHT CLUB ELEGIDA POR IMDB COMO LA MEJOR PELICULA DE LOS ULTIMOS 15 AÑOS

Internet Movie Database es, sin dudas, uno de los sites más completos sobre cine en la red. Fundado por un grupo de cinéfilos con Col Needham a la cabeza, la página se convirtió en pocotiempo en un referente indiscutido del séptimo arte: una comunidad que elabora la base de datos de cientos de miles de artistas y películas.

Con motivo de su 15º cumpleaños, IMDb hizo una lista de las 15 mejores películas de los últimos 15 años. La lista, elaborada por el staff, es arbitraria como toda selección de este tipo, pero resulta interesante ver la puesta en común de los gustos de cada uno de los especialistas.

El puesto de honor fue para El club de la pelea, el largometraje de David Fincher –también responsable de Siete. Pecados capitales- y protagonizado por Edward Norton y Brad Pitt. La película, estrenada en 1999, cuenta la historia de Jack, un hombre al que le cuesta dormir y que está aburrido de su vida. Por casualidad, conoce al vendedor Tyler Durden, quien le plantea una filosofía muy peculiar: “El perfeccionismo es para los débiles y la destrucción de uno mismo es lo que realmente hace que la vida merezca la pena”. Así, Jack y Tyler forman un club de pelea secreto que se convierte en un éxito arrollador. Algunos meses después del estreno de la película, se descubrieron en Nueva York y en Los Ángeles algunos verdaderos clubes de lucha, lo que resucitó la polémica sobre la violencia en el cine y su repercusión en los espectadores.

El segundo puesto en la lista de IMDb lo ocupa Matrix, la primera película de la trilogía estrenada en 1999. Dirigida por los hermanos Larry y Andy Wachowski, el largometraje pone la lupa en un empleado informático, que en sus ratos libres trabaja como hacker bajo el seudónimo de Neo. Así se contacta con gente que le hace descubrir que la vida real no es real, sino que forma parte de un gran sistema creado por una inteligencia cibernética. El planteo de los directores es casi filosófico, el ritmo arrollador y fue inmediato el impacto estético en el cine de Ciencia-Ficción y aventuras.

Por su parte, Pulp Fiction ocupó la tercera posición en el Top 15. Estrenada en 1994, escrita y dirigida por Quentin Tarantino, el filme ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes, y convirtió a este director en una estrella internacional con el consiguiente éxito de taquilla. Pulp Fiction
utiliza una narrativa no lineal (hasta ese momento inusual en las películas de Hollywood) para contar varias historias interconectadas sobre el submundo de Los Ángeles. La película mostró la habilidad de Tarantino para yuxtaponer con éxito el diálogo ligero e ingenioso y la visión más negra de la sociedad.

La lista de las mejores 15 películas de los últimos tres lustros se completa con Los sospechosos de siempre (1995), Sueños de libertad (1994), Uno de los nuestros (1990), Memento, Fargo (1996), Sexto sentido (1999), Los Ángeles al desnudo (1997), La lista de Schindler (1993), El camino de los sueños (2001), Ciudad de Dios (2002), El viaje de Chihiro (2001) y Belleza americana (1999).

Un dato curioso: ninguna de las cinco primeras películas que aparecen en el listado ganó el Oscar al mejor filme. ¿IMDb sabe poco de cine? ¿O acaso hay poca relación entre una buena película y su premiación? (2000),

UNA MUJER DIFICIL

El escritor estadounidense John Irving es un hombre exigente. Buen catador de cine y perfeccionista narrador, el autor de El Mundo Según Garp (1978) no había gustado hasta hora de ninguna de las adaptaciones cinematográficas de sus novelas, incluyendo Las Reglas de la Vida (1999), por la que incluso ganó el Oscar al Mejor Guión. Tuvo que venir entonces el desconocido Tod Williams y hacerle una oferta que no podría rechazar.

La propuesta de Williams consistió en llevar al cine sólo el primer tercio de su exitosa novela Una Mujer Difícil (1998), y para el autor -que venía saliendo de la traumática experiencia de la adaptación de Las Normas de la Casa de la Sidra (1985)- resultó la mejor de las soluciones cinematográficas posibles.

"Mucha gente quería llevar al cine esta obra y las propuestas más arriesgadas consideraban empezar por el final. Sin embargo, la idea de Williams me resultó la mejor. Concentrarse en un espacio reducido de tiempo es mucho más atractivo que pretender llevar toda la novela al cine", comentó Irving poco después de terminado el rodaje.

Muy elogiada una semana antes de su estreno por el periódico The New York Times, Una Mujer Difícil (2004) es según el propio Irving la mejor adaptación que se ha hecho de una obra suya. Para ser justos, quizás ese sitial deba compartirlo con El Mundo Según Garp (1982), del talentoso George Roy Hill (Butch Cassidy, 1969).

Cuesta abajo

El propio escritor lo reconoce: Una Mujer Difícil es una película mucho más sombría y amarga que la novela. La razón es bastante simple: en la obra literaria los personajes tienen muchos años para poder reencontrarse y enfrentar sus culpas, mientras que el filme sólo se concentra en un episodio. Y bastante amargo, por lo demás.

En su trama, el escritor Ted Cole (Jeff Bridges) y su esposa Marion (Kim Basinger) viven una crisis matrimonial derivada en gran parte de la muerte de sus dos hijos mayores. Residentes en un acomodado sector de la costa este norteamericana, Ted y Marion casi no se ven y se turnan para cuidar en las noches a su pequeña hija Ruth (Elle Fanning).

Durante un verano, el egocéntrico Ted requiere los servicios de Eddie O'Hare (Jon Foster), un estudiante de secundaria que llega atraído por su propio interés en la literatura y la admiración que le rinde a Ted. En estas circunstancias, el chico conoce forzosamente a Marion, mujer aún más a la deriva que su esposo tras la muerte de sus dos hijos.

La novela de Irving desarrolla durante más de 600 páginas la historia de Ruth, quien aquí es sólo la pequeña hija de ambos. Al realizar el retrato fílmico de los padres de ella y de Eddie, el cineasta Tod Williams ha construido un filme melancólico y sutil, entregando una película que no sólo le debe a John Irving. Responde, además, a la especial vocación de un joven cineasta a tener en cuenta

ELIGEN A "GOODFELLAS" COMO LA MEJOR PELICULA DE TODOS LOS TIEMPOS

La película clásica de mafiosos "Goodfellas", dirigida por Martin Scorsese, es la mejor de todos los tiempos, según expertos de una revista británica especializada.

La cinta de 1990, basada en las maniobras del gángster Henry Hill y protagonizada por Ray Liotta, Robert de Niro y Joe Pesci el cual ganó un Oscar por su interpretación_, fue la mejor de la historia en una encuesta de la revista "Total Film" publicada el lunes.

"Goodfellas tiene todo: historia, diálogo, actuación, técnica", afirmó la revista sobre la película que en español se tituló "Buenos muchachos".

"Es maravillosa, probablemente la cinta más lograda jamás filmada. Pero también tiene una realización cuidadosamente pensada, que se va revelando en etapas y está cargada de significado".

"Vértigo", la obra maestra de Alfred Hitchcock protagonizada por Kim Novak como una mujer atormentada por su doble personalidad, ocupó el segundo lugar, y "Tiburón", la cinta de suspenso estelarizada por un tiburón asesino, el tercero.

"Fight Club", que tiene como protagonista a Brad Pitt, quedó en cuarto sitio, seguida por "El padrino: Parte II", el clásico de Orson Welles "Citizen Kane" ("El ciudadano"), "Tokyo Story" dirigida por el japonés Yasujiro Ozu, y "El imperio contraataca", la segunda cinta en la saga épica "La guerra de las galaxias" de George Lucas, quedó en octavo.

La trilogía de "El señor de los anillos" fue elegida para el noveno lugar, y la comedia de Cary Grant "His Girl Friday" fue décimo.

Hubo varias sorpresas, con el clásico drama de la época de la guerra "Casablanca" apenas en el número 98, y "Lawrence de Arabia" languideciendo en el 77.

Otras cintas entre las mejores 25 incluyen "Chinatown" (No. 12); "Manhattan" (No. 13); "Taxi Driver" (No. 14); "It's a Wonderful Life" (No. 15); "Apocalypse Now" (No. 20); "Rear Window" (No. 24) y "Sunset Boulevard" (No. 25).

DOCUMENTAL SOBRE LOS MUSICALES DE BROADWAY EN FILMS & ARTS

Los norteamericanos más soberbios consideran que el Broadway musical es un género por sí mismo, diferenciado del resto de las obras de teatro musicales. Es cierto que el musical se desarrolló y floreció en la Gran Manzana y se desparramó por todo el mundo, aunque el West End londinense no le va en zaga y ahora Francia, Italia y Alemania le compiten en creatividad e ingenio. Se podría definir como Broadway show al teatro musical genuinamente estadounidense que se hizo popular a principios del siglo XX y que, además de las características obvias, se diferencia por sus elencos masivos y sus atronadoras puestas, de diseños y despliegue fastuosos. Claro que pueden vanagloriarse de contar con un género que significa millones de dólares en ganancias no sólo para la industria del entretenimiento, sino también para el turismo.

A principios de año, aquellos entusiastas del género que deambularon por los Estados Unidos habrán visto un "pack" de tres DVD de casi cien dólares que lleva por título "Broadway, the American Musical". Están producidos (y fueron emitidos) por el canal público PBS y son, por lejos, el mejor testimonio documental histórico del desarrollo de la comedia musical en los Estados Unidos.

Aquellos que no tenían conocimiento de su existencia o quienes no lo compraron podrán ver estos seis documentales en forma de serie, a partir de pasado mañana, por la señal de cable Film&Arts. "Broadway, historia del musical americano" está presentado por Julie Andrews y es una creación del director Michael Kantor.

El documental incluye una cantidad valiosísima de fotos y videos de archivo, momentos televisivos olvidados, grabaciones de elencos originales, fragmentos de películas y obras teatrales y testimonios y entrevistas con los nombres más representativos del género: Harold Prince, Stephen Sondheim, Cameron Mackintosh, Carol Channing, Jerry Herman, Mel Brooks, Andrew Lloyd Webber, Harvey Fierstein, Chita Rivera, Gwen Verdon, Joel Grey, Betty Comden, la argentina Graciela Daniele, Fred Ebb, John Kander, Nathan Lane, James Lapine, Galt MacDermot, Jerry Orbach, Tim Rice, Trevor Nunn, Ben Vereen, Idina Menzel, historiadores y críticos.

Además de ser casi una enciclopedia visual sobre el tema, el documental tiene la virtud de mostrar imágenes de obras teatrales viejas y actuales. De este modo, el espectador podrá agradecer contemplar pequeños tramos de "Wicked", "Los productores", "El rey león", "Rent", "El fantasma de la ópera", "Los miserables", "Miss Saigón", "Hairspray", "Company", "Hair", "El violinista en el tejado", "Mi bella dama", "Chicago", "Cabaret", "Showboat", "A Chorus Line", "Cats" y "Sweeney Todd", entre muchas otras.

Conmovedor

Como el relato es casi cronológico (en algunos tramos es temático), durante los primeros capítulos priman las fotografías y los fragmentos de las versiones fílmicas de algunos musicales. Pero se agradece sobremanera ver a James Cagney bailando como los dioses "Yankee Doodle Dandy", o Al Jolson en varias de sus performances. A su vez, es conmovedora la historia de Jonathan Larson, el autor y compositor de "Rent", que era un camarero cuando logró "vender" su obra a Broadway y no llegó a verla porque falleció la tarde previa al estreno.

El tramo en que los hermanos Fred y Adele Astaire cantan y bailan "Ritmo fascinante" es un hallazgo, al igual que las tomas caseras de George M. Cohan, pionero del teatro musical norteamericano, cuya estatua se erige como homenaje en pleno Times Square, o del recordable Bill "Bojangles" Robinson.

A su vez, Kantor explica motivos sociales que, de alguna forma, modificaron el funcionamiento de los teatros de Broadway, como la inauguración del subterráneo en 1904, la censura, la Segunda Guerra Mundial (la consigna por aquellos años era realzar el optimismo en la gente), los atentados terroristas del 11 de septiembre de 2001 (que amenazaron con una gran crisis en Broadway) y la llegada del sida. Este último tramo es desgarrador porque en muy poco tiempo esa enfermedad acabó con la vida de un altísimo porcentaje de la comunidad teatral.

Seis capítulos

Muchos de los nombres mencionados fueron entrevistados especialmente para esta serie, pero hay otros testimonios grabados que son documentos invalorables: Bob Fosse, Irving Berlin, Oscar Hammerstein II, Michael Bennet, Jerome Robbins, Richard Rodgers, Jonathan Larson, Agnes De Mille, George e Ira Gershwin, Frank Loesser y Jimmy Durante, entre otros.

El primer capítulo se denomina "Dale mis saludos a Broadway" y abarca el período 1893-1927. Pueden verse escenas de las famosas "Ziegfeld Follies" y la historia de Florenz Ziegfeld Jr., pionero de la revista norteamericana y gran productor; la historia de Irving Berlin y George M. Cohan y el estreno de la obra que cambió la historia del género: "Showboat". Una de las entrevistadas es la ex "follie" Doris Eaton, que con cien años recordaba una canción y una coreografía de sus años mozos en el mismísimo escenario del Amsterdam Theatre.

En "Ciudad sincopada" (1919-1933) se muestra el período de la "ley seca" y la era del jazz; en tanto, "Tengo mucho de nada" (1929-1942) es el período de la Gran Depresión, con la llegada de Cole Porter y el estreno de obras como "The Cradle Will Rock", "Anything Goes" y "Porgy & Bess".

"Qué hermosa mañana" marca otro momento dominante del género: la sociedad Rodgers-Hammerstein II, comenzando con la taquillera "Oklahoma!", en 1943, presentando un histórico ballet de Agnes de Mille. También se hace una mirada a aquellas obras adaptadas de la literatura como "Guys and Dolls", "Mi bella dama" y "Kiss Me, Kate". Era la época de oro de la comedia musical.

El quinto capítulo es "Tradición" (1957-1979), con la aparición de los coreógrafos directores: Jerome Robbins, Bob Fosse y Michael Bennett ("Amor sin barreras", "Chicago" y "A Chorus Line", respectivamente) y la importancia del director-productor Harold Prince. "El violinista en el tejado" fue una de las obras que no sólo sellaron la imagen de Zero Mostel, sino que daba comienzo al musical "conceptual" (que integraba las distintas áreas, diseño, libro, música, dirección y producción en la creación). También eran los años del rock and roll y los compositores comenzaban a mirar otros ritmos. A su vez, tanto los derechos humanos como la Guerra de Vietnam modificaban los intereses de los creativos. "Hair" fue un emblema de esa época de cambio en el teatro musical.

El último capítulo es "Uniendo las piezas", que abarca el período de 1980 a 2004. David Merrick reconquista Broadway con una espectacular adaptación al teatro de la película "Calle 42", mientras que todo se modifica con la llamada "invasión británica". El productor Cameron Mackintosh redefine el negocio del show business cuando "Cats", "Los miserables", "El fantasma de la ópera" y "Miss Saigón" se convierten en éxitos de taquilla internacionales. Por su parte, Sondheim desafía las clasificaciones con "Sunday in the Park with George" y Jerry Herman presenta por primera vez a dos hombres cantándose historias de amor en "La Cage aux Folles" ("La jaula de las locas"). A su vez, el arribo de la compañía Disney crea un nuevo estilo de parafernalia-creatividad con "La Bella y la Bestia", "El rey león" y "Aída". Mientras tanto, después de los atentados de 2001, Broadway se empeña por resurgir y lo demuestra con éxitos como "Wicked" o "Los productores".

Para los estudiantes, escuchar los testimonios de Sondheim o de Harold Prince más que una lección obligada será un incentivo inmenso.

Curiosamente, la conductora de la serie es una británica. Julie Andrews conduce como en los viejos tiempos: es fina, conoce de lo que habla y es un símbolo del género. "Broadway, historia del musical americano" (hay que aclarar que debería decirse "norteamericano") es un orgullo de la televisión pública de los Estados Unidos y se convertirá, seguramente, en una guía esencial para los fanáticos y los estudiosos de este género que cuenta con millones de seguidores.

VUELVE T.A.T.U.

Chau calzoncitos de algodón. Chau rodilleras. Chau piquitos. Vuelven las t.A.T.u., el dúo de rusitas que, hace tres años, conquistó los rankings, vendió 5 millones de su disco debut en inglés (en la Argentina fue oro) y sacudió y convirtió el teen pop en lesbo pop, cuando aparecían besuquéandose en los canales de video. Pero algunas cosas cambiaron: ahora dicen que no son más lesbianas. Que nunca lo fueron. Es más, Lena Katina dijo que sentía que "todo lo que hacía con t.A.T.u era pecado (y por eso veía seguido a un sacerdote) y, hace un año, Yulia Volkova tuvo una nena llamada Viktorya (hasta pateó al padre mientras aún estaba embarazada) y ahora vive con un empresario cuarentón llamado Tigran. Entonces ¿son o se hacen?

Repasemos. Atrás quedaron sus shows en estadios para 50.000 personas y los millones de discos de 200 km/h in the Wrong Lane. Con un hit (All The Things She Said) les alcanzó para arrebatar el avispero y también con un par de escandaletes: como la negativa a tocar en los MTV Europe Awards, si no les daban pistolas verdaderas. "Queríamos ametralladoras reales, pero no nos las dieron y no tocamos, así de simple", explicaba Lena entre la polvareda. Eso, parece que todo era una cortina de humo.

En diciembre '03, el director ruso Vitaly Mansky filmó el documental Anatomy of t.A.T.u: ante las cámaras, las chicas dijeron que nunca fueron amantes y sólo lo hacían por el marketing. Una fuente cercana reveló hace poco: "Las chicas vuelven siendo más calientes que nunca y aún son controvertidas y shockeantes. Pero nunca fueron lesbianas. La verdad es que se sienten explotadas por la imagen que tuvieron que mostrar. Es que empezaron a los 15 años". Detrás de las chicas, estaba Ivan Shapovalov. A este productor de comerciales televisivos, que siempre admitió haber "desarrollado" t.A.T.u para un público de hombres adultos, lo tildaron de pedófilo y hasta de pornógrafo. Se dijo que le robó la idea a su ex novia.

Shapovalov conoció a las t.AT.u. cuando tenían 14 años. Antes, ellas tocaban en una banda de teen pop llamada Neposedi. "Algo que hay entre ellas me atrapó enseguida. Después desarrollé el resto". Pero después del gran suceso, empezó el cortocircuito.

Shapovalov es un adicto al escándalo: fue acusado de llevar adolescentes a su hotel y, tras la tragedia de Beslan (la escuela tomada por terroristas, que terminó en masacre) Shapovalov empezó a impulsar a a n.A.T.o. (sí, se le dan por las iniciales) una cantante con vestuario islámico. Directamente, lo llamaron enfermo.

Las chicas dijeron en Okey, una revista pop sueca. "Dejamos a Ivan, pero no somos enemigos. Fue mientras tomábamos una taza de té. El es talentoso, pero ya era tiempo de avanzar en otra dirección. Nada personal".

¿Así que se acabaron los escándalos entonces? "Nunca se sabe", respondió Lena. "Las cosas pueden ser peor que antes", contraatacó Yulia. "Mejor va a ser que corras y busques protección".

El nombre de su disco en ruso es Ludi Invalide, es decir... "Gente inválida". "Hablamos de gente con almas discapacitadas. Que no es capaz de mostrar compasión, amor o de compartir. Son muchos y están por todos lados".

Las chicas quieren recuperar terreno. ¿Y se volvieron peligrosas? Puede ser: cuando le preguntaron a Charlotte Church sobre el nuevo corte de las rusas, la soprano galesa (devenida en estrellita pop) fue directa. "Suenan para la mierda. Una de ellas es horrible". Lena se fue a las manos. "La voy a asesinar. Debería venir a Moscú, así le pego un tiro en la cabeza, como en nuestro video". ¿La famosa Mafia Rusa? "Tendria que tener cuidado con su bocaza. A la gente que habla de más le pasan cosas feas".

MADONNA SE CONFIESA EN LA PISTA DE BAILE

En la Universidad Hunter de Nueva York, los alumnos de la carrera de cine acababan de ver I'm Going to Tell You a Secret, el nuevo documental de Madonna, cuando ella apareció sorpresivamente y comenzó a dar la clase como profesora invitada. Su charla fue grabada para la serie Stand In, de la cadena MTV, en la que celebridades como Melissa Etheridge, Kayne West, Marilyn Manson, Bill Gates y Shimon Peres también han dado una clase.

El documental se estrenó el 18 de octubre en Nueva York, y muestra los pormenores del Re-Invention Tour; es una crónica de lo sucedido en la gira que terminó en 2004. En él aparecen figuras como Guy Ritchie (su esposo), Michael Moore y otros. Pero ese no es el único estreno de la diosa del pop. El 14 de noviembre sale Confessions on the Danceflor, su nuevo disco, que coprodujo y coescribió con Stuart Price, el DJ británico mago del remix, que fue el director musical en sus últimas giras Drowned World (2001) y Re-Invention (2003). “Quiero que la gente salte de sus asientos”, dijo la diva al referirse al disco y agregó que “es para divertirse directo y sin parar”.

En el primer lanzamiento de Madonna en dos años, colaboran Mirwais Ahmadzai, el dúo Bloodshy y Avant, Anders Bagge y Peer Astrom de The Murlyn Music Colective y Joe Henry. El primer corte de Confessions on the Danceflor es la canción Hang Up, que incluye un sampleo del tema de Abba Gimme Gimme.

En otras épocas, la diva fue protagonista de un video polémico en el que seducía a un santo y un libro sexualmente explícito, pero hoy ha dejado atrás los escándalos para dedicarse a su familia.

Desde su disco Ray of Light, la imagen de Madonna fue tendiendo hacia la de una mujer espiritual y madre. Recientemente la revista Vogue logró fotografiarla en su vida familiar. En una nota titulada “Like a Duchess” (Como una duquesa), la mostró junto a su marido Guy Ritchie y sus hijos Rocco de cuatro años y Lourdes de ocho. Además la diva dejó que se publicaran sus fotos de casamiento por primera vez.

"Antes era una persona egoísta. Una pasa por períodos de la vida en los que el mundo gira alrededor de una, pero no puede pasar toda la vida así”, dijo Madonna que está aprovechando el lanzamiento de su nuevo disco Confesiones en la pista de baile para expresar y mostrar aspectos de su vida privada que antes reservaba

2da TEMPORADA DE "VERONICA MARS"

UPN espera seguir contando con el apoyo de la crítica, a la vez que aumenta el apoyo del público, en la segunda temporada de “Veronica Mars”, que inició el pasado miércoles 28 de septiembre, a partir de las 21:00 horas, su esperada segunda temporada.

Aunque la serie fuera eclipsada en su primera etapa por los grandes éxitos de “Desperate Housewives”, “Lost” o “House”, "Veronica Mars" pronto contó con el apoyo de la crítica, que vio en la producción de Rob Thomas a una nueva “Buffy, la Caza vampiros” y de un público fiel pero escaso (menos de 3 millones semanales).

El apoyo unánime de la crítica, el suculento target comercial de la serie de Kirsten Bell y la moderada audiencia media del prime-time de UPN motivaron que la serie consiguiera una temprana renovación, provocando la alegría de todos sus fans.

En su primera temporada, la serie mostró la complicada vida de Veronica Mars, una adolescente que trataba de sobrevivir tras ser violada, tras comprobar que su mejor amiga había sido asesinada, que su madre ha desaparecido y que su padre ocultaba grandes secretos.

En su segunda temporada, y tras descubrir el nombre del asesino de su amiga, Veronica seguirá trabajando en busca de la verdad, aguantando la realidad del terrible instituto y enfrentándose a los misteriosos habitantes de su ciudad.

En la nueva temporada, la serie, que se repuso durante varias semanas en CBS (canal de la misma compañía) para tratar de subir de audiencia, contará con el fichaje de Charisma Carpenter (“Angel”) para dar vida a la madrastra de uno de los protagonistas.

Además, Joss Whedon, el creador de “Buffy” y “Angel”, ha confirmado que realizará una colaboración con la serie, de la que se considera un auténtico fan

FIONNA APPLE LANZA "EXTRAORDINARY MACHINE"

La historia de "Extraordinary Machine", el tercer álbum de la compositora norteamericana Fiona Apple (28), parece sacada de una fábula. De ésas donde una frágil muchacha logra derrotar al poderoso gigante de tres cabezas (Sony Music), de una manera tan poética como irreal: con un puñado de canciones y la ayuda de un grupo de admiradores que la liberan de las garras de la comercialización.

Pero así fue. El disco, que estaba terminado en mayo del 2003, fue rechazado en repetidas ocasiones por los ejecutivos de Sony Music (hoy Sony BMG), quienes lo consideraban un álbum sin "potencial comercial". La ciega actitud del sello discográfico puso en duda la edición final del álbum y por mucho tiempo se pensó que quedaría como un proyecto con timbre de abortado. Sin embargo, la negativa de la compañía se expandió por internet, provocando la furia de sus fans, quienes llegaron a fundar la organización Free Fiona.

Como símbolo de su descontento, enviaron miles de manzanas a las oficinas del gigante Sony. La artista recuerda que en enero del 2005, mientras miraba "Columbo" en la televisión, supo de las protestas de sus fans. "Estaba llorando de felicidad, porque se habían organizado y se preocupaban por mí" señaló a la revista Rolling Stone.

Junto con estas muestras de adhesión, las canciones de Apple producidas por Jon Brion -el mismo de su trabajo anterior "When the Pawn hits the conflicts...", de 1999- de alguna manera se filtraron en varios sitios web, lo que hizo acrecentar aún más la leyenda. Total ya existía el antecedente del último álbum de Wilco, también rechazado por su sello, el cual todavía no logra ser editado oficialmente.

En medio del conflicto, Apple llegó a pensar que era mejor olvidarse del álbum y que las versiones que circulaban en la red podían ser bien utilizadas en obras de caridad. Incluso, la cantante le comunicó a Sony que nunca más volvería a grabar. Pero finalmente, tras arduas negociaciones, en el verano de este año, la compañía consintió que la norteamericana regrabara el álbum, pero con Mike Elizondo (Dr. Dre, 50 Cents, Eminem) como productor.

¿El resultado? Una obra que será recordada por sus dos versiones, la original de Jon Brion y la nueva de Mike Elizondo. Dicen que las comparaciones son odiosas, pero para los fans resultan ineludibles y en los foros virtuales las controversias de cuál es el mejor ya se han iniciado. Lo curioso es que el álbum, a pesar de la reingeniería practicada por Elizondo, siguió siendo "no comercial", aunque un tanto más accesible y menos "artístico" que la propuesta de Brion.

De todas maneras, en "Extraordinary Machine" Fiona Apple vuelve a encandilar con esa voz agridulce. Ahí están las letras íntimas y el peso musical de un disco con historia propia. Como siempre debió haber sido.

TWIN PEAKS

La mítica serie de David Lynch concitó la atención de miles de norteamericanos durante 14 meses. Considerada una de las 25 mejores producciones televisivas de todos los tiempos por la influyente TV Guide, Twin Peaks describe el maligno clima moral de un pueblo en la frontera con Canadá

Todo comenzó con la trágica vida y misteriosa muerte de Marilyn Monroe. El director David Lynch y el guionista Mark Frost trabajaban afiebradamente por llevar al cine el libro Goddess, la aclamada biografía sobre la estrella hollywoodense de Anthony Summers. Sin embargo, a última hora se les hizo imposible comprar los derechos de la obra y debieron desviar sus energías hacia otro proyecto. En una decisión de características brillantes, Lynch y Frost pensaron que la historia debía ser básicamente la misma: una trama originada por la muerte misteriosa de una mujer joven, bella y amada por todo el mundo. El nombre de esta persona sería Laura Palmer y el lugar de acción cambiaría del glamoroso Hollywood al ominoso, frío y extraño pueblito de Twin Peaks, al noroeste de Estados Unidos.

Precisamente el pasado 8 de abril se cumplieron 15 años de la puesta en el aire de una de las series televisivas más populares en Estados Unidos. La producción fue elegida como una de las 25 mejores series por la influyente revista TV Guide.

Twin Peaks logró captar como pocas la permanente atención del público norteamericano, siempre cautivado por una trama de suspenso que hizo repetir por meses y meses la pregunta del millón: "¿Quién mató a Laura Palmer?" fue un leit-motiv escindido en múltiples respuestas, recayendo sospechas desde el propio investigador del caso hasta el mismísimo padre de la chica.

A tres años de editarse -y agotarse- en Estados Unidos la edición en DVD del episodio piloto y la primera temporada de la serie televisiva, llega un volumen de tres discos en zona 4 subtitulado en español, a diferencia de su homólogo norteamericano.

El puzzle de Lynch

Poseedor de una estética inconfundible y un marcado sentido moral, David Lynch ya había rastreado el lado oscuro de la Norteamérica profunda en sus películas Terciopelo Azul y Corazón Salvaje. Sin embargo, fue quizás la serie Twin Peaks la que mejor le permitió encauzar su retrato fílmico de aquella máxima conocida como "pueblo chico, infierno grande". En rigor, Lynch sólo dirigió seis capítulos de los 29, contando los episodios piloto y final. Siempre, en cualquier caso, los guiones estuvieron bajo su supervisión.

La trama se ambienta en Twin Peaks, localidad ficiticia ubicada en el estado de Washington, cerca de Canadá. Todo comienza con el hallazgo del cuerpo de Laura Palmer (Sheryl Lee), una popular y bella muchacha del último año de secundaria. Tras una somera investigación del sheriff local, arriba al pueblo el excéntrico agente del FBI Dale Cooper (Kyle MacLachlan). En su investigación, Cooper va descubriendo la vida torcida y oscura de muchos de los habitantes del aparentemente plácido villorrio de 50 mil habitantes.

La serie ganadora de tres Globos de Oro reunió a muchas olvidadas leyendas del cine y la televisión, como Richard Beymer y Russ Tamblyn -ambos de Amor sin Barreras-, Piper Laurie -de El Audaz- o Peggy Lipton, de la Patrulla Juvenil. Además, vio despegar la carrera de nacientes actores como Lara Flynn Boyle, Heather Graham y Sherilyn Fenn.

UN CLASICO MODERNO : THE END OF THE AFFAIR

No se puede negar que Neil Jordan tiene un penetrante sentido del ambiente. Incluso en el bodrio In dreams (1999) son disfrutables las secuencias iniciales en las que Annette Bening divaga por una hermosa campiña que no es todavía amenazadora, sino de cuento de hadas. El problema de Jordan han sido siempre las disparadas que se pega con los argumentos. Su otra cualidad, cuando el vértigo no termina por comérsele la película (fue un desastre en In dreams, algo soportable en La entrevista con el vampiro), es que sabe conducir y despertar frenesí.

En El ocaso de un amor (1999) retoma una novela de Graham Greene en la que un escritor (Ralph Fiennes) acaba por quitarle la mujer (Julianne Moore) a un quieto periodista (Stephen Rea), con tan mala suerte que ella muere de tuberculosis a los pocos meses, y bajo los cuidados de ambos hombres. En la mente de Greene, el novelista, se trata de un drama casi teológico. La existencia de dios, su presencia incuestionable y la posibilidad del milagro.

Este planteamiento está en el argumento de la película, pero no con toda la vitalidad que se merece. Es lo que enuncia la trama y los actores, pero no convence como fondo expresivo del director (quien carga la mano por otro lado). La película ocurre en la mente del escritor Maurice Bendrix (Fiennes) quien reconstruye su romance con Sarah Miles (Moore), un vulgar adulterio en realidad, desde varios puntos de vista. Su propia mirada, la mirada de un detective contratado, y la mirada de la mujer. Quizá para Greene la posibilidad del milagro está en las brechas que abren los diversos puntos de vista a la verdad certificada.

No hay duda que Jordan ha sabido llevar de manera muy efectiva el desarrollo poliédrico del argumento. Tal vez exagerando en lo elegante hasta asimilarse a la serie de películas de James Ivory. Pero lo más poderoso de este desarrollo yace no sólo en la sobria fenomenología de la historia vista desde varios lados, sino también en la firmeza de los actores. Se trata de tres actores cuya constitución física ilustra bien su crisis espiritual (y la crisis espiritual de la época: es el tiempo de la Segunda Guerra Mundial): ninguno demasiado bello, sino dolidos o neuróticos, pero todos a mucha altura y con mucha soltura.

El protagonista Bendrix "escribe" (es decir ve) una película de odio, en la que se trata de expulsar a dios, por incoherente. Su amante Sarah Miles traerá con su presencia, y su muerte, la posibilidad de reconciliación. Dios es un hecho producido, una acción, incluso en un caso poco heroico como lo es un adulterio. No conozco la novela de Greene, pero sospecho una más trágica puesta en escena de estos dilemas.

En cambio Jordan sale hasta cierto punto por la tangente, encargándose de detallar los encuentros sexuales de Bendrix y Miles, con acentuada tendencia a dar toques homoeróticos (nalgas y piernas de Fiennes detalladas). La condición de los encuentros roza lo naturalista en un tenor que han recreado películas como El último tango en Paris (Bertolucci, 1972), El tambor de hojalata (Schlondorf;1979) o Los amantes de María (Konchalovski, 1983). Un erotismo seco, asordinado, pero violento.

En efecto, el amor y la celotipia se confunden en la mente de Bendrix. El amor equivale a posesión rápida y febril. No hay contrafiguras "humanas" de ese amor, y molesta el egoísmo de este escritor que ni siquiera es ridiculizado como el El de Buñuel. En cierta medida El ocaso de un amor recorre en sentido contrario y solipsista la fábula de Ojos bien cerrados (Kubrick, 1999). En ésta la posesión se confunde en las historias y es una promesa de futuro (Nicole Kidman lo pide en la última secuencia). En El ocaso de un amor la posesión ha desfigurado el recorrido, ha establecido la esterilidad. Por eso la película puede leerse alegóricamente de varias maneras: la aridez de una época de guerra, la impotencia nacional irlandesa, la ceguera ante las propias potencias eróticas.