28 noviembre 2005

RENT.... al cine...


¿Cómo mides tu vida? ¿En pulgadas, en millas? ¿En amaneceres o atardeceres? ¿Qué tal si la mides con... amor?

Ése es el lema de vida de Mark, Roger, Maureen, Tom, Angel, Mimi, Joanne y Benny, los siete personajes de esta historia que tienen que lidiar con situaciones como la drogadicción, el virus HIV, la amistad, rentas inalcanzables, y la búsqueda del amor ideal -no importa sea hombre o mujer- en el musical Rent.

De Broadway a Hollywood

A menos que hayas vivido los últimos 10 años debajo de una piedra, ya debes saber de qué se trata todo esto del fenómeno Rent. ¿No? ¿No te suena en lo absoluto? Bueno, por si acaso, aquí te lo resumimos.

Rent es un musical original de Broadway, escrito por Jonathan Larson, un joven dramaturgo, quien murió la noche del primer preview show de la obra.

Larson, quien tenía 31 años cuando él murió, ganó el Premio Pulitzer por su trabajo detrás de esta ópera rock, que es una libre adaptación de La Boheme, de Puccini.

Rent se convirtió inmediatamente en un éxito más allá de la imaginación. Cautivó y conquistó a un público que había sido severamente ignorado en las últimas décadas por Broadway: los jóvenes y los teens.

La historia: 7 artistas viviendo en el East Village en el Nueva York de los años ochenta, lidian con la epidemia del sida, el costo de la vida elevado y la búsqueda de un significado en su vida y en su corazón. Estos temas tocaron un punto clave en la vida de los jóvenes por vez primera en el corazón del teatro mundial.

No es meramente un drama, es también una comedia, una reflexión de la vida real, de los problemas que sólo los jóvenes que usualmente son etiquetados como "rebeldes", podrían entender, o bien, que han pasado por estos problemas o conocen a amigos que vivien estas situaciones. También es una historia de amor... y esperanza.

Mas sobre "Rent"

Desde 1996, Rent ha sido traducida por lo menos a 15 idiomas, y ha sido representada en países como Alemania, México, Japón, Holanda, Canadá, Italia y UK. Próximamente abrirá en Rusia, Hong Kong y Sudáfrica.

¿Qué tiene esta obra en especial, ahora un film musical dirigido por Chris Columbus (Harry Potter), que la hace tan especial? Hay una palabra para explicarlo todo -bueno, realmente son dos-... los personajes.

Cada personaje representa una parte del estilo de vida bohemio. No tienes que vivir en NYC para entenderla. Tampoco tuviste que haber vivido en los ochenta para agarrarle la onda. Rent habla de muchas leyes universales en su mensaje: vive el día al máximo, persigue tus sueños, comparte tu amor y no olivdes que nuestros cuerpos, sólo son 'rentados'.

Todos los actores que participan en la película están recreando los personajes que ellos mismos crearon en la producción original de Broadway... con la excepción de Rosario Dawson y Tracie Thoms.

Dawson, quien interpreta a Mimi, la stripper que tiene un crush con su vecino Roger, fue elegida por el director, después de haber audicionado y demostrado ser una gran cantante que tenía una gran conexión emocional con la historia. Dawson, quien es de ascendencia boricua, interpreta también a una latina en el film.

Para el rol de Joanne, la abogada afroamericana que encuentra el amor en una chica muy trendy y fashion, la tarea de encontrarla fue más difícil, y Tracie Thoms lo obtuvo después de muchísimas audiciones con varias actrices y cantantes conocidas.

Pero para el director, la decisión de hacerle casting a caras prácticamente desconocidas para ser parte de la familia de Rent, fue algo crucial. Los personajes y la historia están tan bien escritos, que tiene plena confianza en que no necesitaba una cara bonita ni un nombre famoso para vender la película

CONOCIENDO AL ELENCO DE RENT: ANGEL

ANGEL (Wilson Jermaine Heredia)
AKA: La Drag Queen
HIV Status: POSITIVO
Bio: Angel es un chico de origen hispano y es gay. Su talento para tocar los drums, es único. Es sumamente relajado, y tiene una actitud muy optimista ante el mundo. Angel representa al amor y al salvador en esta historia.
Relaciones: Angel está enamorado de Tom Collins, un chico al que rescata de las calles después de haber sido víctima de una golpiza y un asalto.
MARK (Anthony Rapp)
AKA: El aspirante a cineasta
HIV Status: NEGATIVO
Bio: Mark es el eje de la historia. Tarda un año filmando la vida de sus amigos, y se maravilla cuando, 12 meses después, se da cuenta qué tanto puede cambiar su vida en un período tan corto de tiempo.
Relaciones: Su novia Maureen lo mandó a volar y lo dejó por... una chica. Comparte un departamento en el que no paga renta, con su mejor amigo, Roger. Para él la amistad es mejor que el amor
MIMI (Rosario Dawson)
AKA: La bailarina de tubo
HIV Status: POSITIVO
Bio: Mimi es una drogadicta. Se gana el dinero bailando en un club de strippers en el East Village en NYC. Es un tanto infeliz y está en búsqueda de su soulmate.
Relaciones: Mimi es vecina de Mark y Roger. Se enamora perdidamente del último, después de que él le prende una vela un día que les cortan la luz, además de que sufre por tratar de llevar una vida libre de drogas
ROGER (Adam Pascal)
AKA: El músico solitario
HIV Status: POSITIVO
Bio: Decepcionado después de que su última novia lo mandó a volar, Roger está pasando una etapa en donde no encuentra la inspiración para escribir música. Se la pasa todo el día encerrado en el studio que comparte con Mark. Es un drogadicto plenamente recuperado.
Relaciones: Roger ya no quiere más amor en su vida... hasta que conoce a Mimi, su vecino
MAUREEN (Idina Menzel)
AKA: La reina del performance
HIV Status: NEGATIVO
Bio: Maureen es una lesbiana muy sexy y llena de confianza en sí misma. Tiene un sentido del humor muy dark. Sus looks atraen a todo mundo, lo cual le fascina, por supuesto. Todas sus inquietudes las expresa a través de sus performances.
Relaciones: Novia previa de Mark, a quien cambió por una chica llamada Joanne
JOANNE (Tracie Thoms)
AKA: La abogada seria
HIV Status: NEGATIVO
Bio: Tracie es una abogada que tiene una actitud seria y cerrada ante quienes la rodean. Ella es una chica muy nice, a la que le gustan otras chicas nice.
Relaciones: Ella es la otra mitad de Maureen. Y después de que conoce a Mark, el ex novio de Maureen, se convierten en buenos amigos y hasta le encuentra un buen trabajo para que así pueda pagar la renta
TOM (Jesse L. Martin)
AKA: El payasito del grupo
HIV Status: POSITIVO
Bio: Tom Collins -yep, that is his name alright- es extremedamente feliz y divertido todo el tiempo. Rara vez se deprime, pues está convencido de que la vida es demasiado corta para preocuparse por pequeñas cosas.
Relaciones: Después de que un "ángel" lo rescata de una pelea, se enamora perdidamente de él... y el hecho de que además sea un drag queen, lo emociona más aún
BENNY (Taye Diggs)
AKA: El malo del cuento
HIV Status: NEGATIVO
Bio: Benny solía ser el roommate de Mark y Roger. Cuando se casó con la hija del dueño de su edificio, encontró la forma de darle la renta gratis a sus amigos. Pero en un día de Navidad, decidió empezar a cobrarles otra vez, a pesar de que se encontraban en quiebra.
Relaciones: Solía salir con Mimi, su ex vecina. Ahora nadie quiere seguir siendo su amigo. Pero Benny no es un mal tipo, simplemente piensa que todos deben pagar la renta

27 noviembre 2005

Clint Eastwood rueda dos películas sobre la batalla de Iwo Jima

Ganadores y vencidos. Eso es lo que siempre queda después de la batalla. Y cada una de las partes recordará la historia a su manera. Hollywood siempre suele preferir la versión de los triunfadores. Hasta que Clint Eastwood (San Francisco, 1930) se puso a escarbar en los recuerdos de la batalla de Iwo Jima, una de las más sangrientas de la Segunda Guerra Mundial, que enfrentó a japoneses y estadounidenses, y decidió que para contar la historia de sus protagonistas no bastaba con una sola película. Por eso se embarcó en el rodaje de dos cintas, Flags of our fathers (foto) y Lamps before the wind, que se estrenarán en otoño de 2006.

Con un presupuesto de 80 millones de dólares (más de 66 millones de euros) cada una y con Steven Spielberg como productor, la primera de las películas, Flags of our fathers, se centra en las vidas de los soldados estadounidenses que clavaron la bandera de su país en el monte Suribachi durante el enfrentamiento -inmortalizados en una famosa fotografía-. La segunda, Lamps before the wind, abordará, desde la perspectiva japonesa, una batalla -y sus consecuencias- cuyo nombre está manchado por demasiados muertos.

En Iwo Jima, entre febrero y marzo del año 1945, murieron 22.000 japoneses y 6.800 marines. En el bando nipón apenas hubo supervivientes, puesto que se luchaba con una sola consigna: ganar o morir. Para los marines, supuso la mayor carnicería de su historia. Para Clint Eastwood aquello no sólo fue un sangriento enfrentamiento bélico, sino un duelo entre culturas, y por eso decidió embarcarse en este proyecto doble sin precedentes.

Flags of our fathers, cuyo rodaje concluyó la semana pasada en Chicago, está basada en el libro homónimo (traducido al español como Iwo Jima, seis hombres y una bandera: la batalla de Iwo Jima, Ariel), el best seller escrito por James Bradley y Ron Powers. Bradley era el hijo de John H. Bradley, uno de los seis estadounidenses que clavaron la bandera estadounidense sobre el monte Suribachi poco antes de ganar la batalla que arrancó en la isla Iwo Jima, en Japón, el 19 de febrero de 1945.

Un fotógrafo, Joe Rosenthal, inmortalizó el momento. Un presidente de Estados Unidos, Roosevelt, vio en la foto la mejor publicidad posible para vender más bonos de guerra y ordenó que los soldados de la imagen fueran trasladados a Washington. Tres de los seis que habían sobrevivido a la batalla fueron transformados en héroes por la maquinaria propagandística del Gobierno estadounidense, que colocaría la famosa fotografía en los escaparates de un millón de tiendas, de 16.000 cines, de 15.000 bancos, en 200.000 fábricas, en 30.000 estaciones...

Truman, sucesor de Roosevelt, recaudaba gracias a la interesada campaña 27.000 millones de dólares (la mitad del presupuesto de Estados Unidos de 1946), cambiando para siempre, y de forma trágica, la vida de los tres hombres. Su historia atrapó a Eastwood, que como siempre ha hecho con los libros que le gustan -la mayoría de las 25 películas que ha dirigido anteriormente estaban basadas en libros-, intentó adquirir los derechos para adaptarla al cine.

Pero Spielberg ya había caído bajo el embrujo de Flags of our fathers y poseía los derechos desde la publicación de la obra en 2000. Al enterarse, Eastwood abandonó la idea. Pero en 2004 los dos cineastas se encontraron entre bastidores durante la ceremonia de entrega de los Oscar de Hollywood. Eastwood, candidato ese año al premio de mejor director por Mystic river, convenció a Spielberg, entre champán y canapés, para que coprodujese la película con él y le dejara dirigirla.

Pero a medida que este cineasta y actor de 75 años profundizaba en los particulares de la batalla de Iwo Jima, y en lo que les ocurrió a sus protagonistas estadounidenses, su fascinación y su curiosidad por lo que vivió el bando nipón aumentó. Y en su afán por contar la historia equilibradamente, se dio cuenta de que no le bastaba una sola cinta. "Lo que necesitaba era filmar una segunda película", declaró en una entrevista reciente en la revista Time.

Siguiendo esa pulsión, le pidió ayuda al guionista Paul Haggis, quien adaptó Flags of our fathers y su anterior y oscarizado filme, Million dollar baby -por el que el cineasta consiguió cuatro oscars principales: mejor película, director, actriz principal (Hilary Swank) y actor de reparto (Morgan Freeman)-, pero Haggis le sugirió que contratara a una de sus ayudantes, la americano-japonesa Iris Yamashita. Ella firma el guión de Lamps before the wind, del que Eastwood se declara muy satisfecho.

El cineasta visitó la pasada primavera al alcalde de Tokio, Shintaro Ishihara, para solicitar apoyo para esta película que tendrá como escenario la isla de Iwo Jima, cuya jurisdicción pertenece a la capital. Ishihara le pidió que respete "la paz de los caídos en el combate".

Una de las figuras centrales de ese filme, que comenzará a rodarse en febrero, es el general Tadamichi Kuribayashi, el misterioso militar que dirigió a los japoneses en Iwo Jima y cuyas estrategias permitieron que la batalla se alargara durante más de un mes aunque tuviera menos de un cuarto de soldados que los estadounidenses. Rendirse era un deshonor para un Ejército que seguía con fervor religioso el estricto código Bushido. La alternativa era el suicidio. "Eso no era así para los norteamericanos. Ellos sabían que se metían en un camino peligroso, pero nunca le puedes decir a un americano que su destino es morir. Trabajará duro y luchará por mantenerse vivo", ha afirmado Eastwood. Para el bando estadounidense, que nunca pudo mirar de frente a su enemigo porque los japoneses lucharon desde el interior de los túneles que atravesaban la isla, Iwo Jima se convirtió en la batalla con más bajas de la historia de los marines, pero también en uno de los símbolos imperecederos de la lucha por la libertad

25 noviembre 2005

PRISON BREAK

"Prison Break" pudo haber sido la serie más estúpida de la temporada de estrenos. Michael Scofield, un ingeniero estructural, tiene una buena vida, pero roba un banco porque quiere que lo metan a la cárcel. No sólo eso, quiere entrar sólo para escaparse. Pero no se quiere escapar solo, sino que con su hermano, quien va a ser ejecutado en un mes. Por un crimen que no cometió, claro está. "Una cosa es tener un motivo (para entrar a la cárcel), pero sigue siendo estúpido hacerlo si uno no tiene una razón muy fuerte para saber que lo va a lograr. Así se me ocurrió el que Michael sabe cómo escaparse de la cárcel porque estuvo involucrado en su diseño", cuenta Paul Scheuring, creador de la serie.

El resultado no fue nada estúpido, sino un producto que ha tenido buenas críticas ("La vida en la cárcel da miedo, pero la mayor parte del tiempo es aburrida a morir. Por suerte, 'Prison Break' no lo es", dijo el "New York Times"), buenas cifras de audiencia (debutó en el top 10) y mantiene la tensión constante. Michael tiene que evitar peligros como ser violado o meterse en la inminente guerra de razas dentro del penal. Y en medio de todo esto, tiene que llevar a cabo su elaborado plan, que incluye el haberse tatuado los planos de su nuevo hogar en su espalda, pecho y brazos y hacerse pasar por diabético para tener acceso diario al lugar más vulnerable de la prisión: la enfermería. No sin antes conseguirse pastillas inhibidoras de insulina con los contrabandistas de remedios. Otra dificultad más.

Por su crudeza la serie recuerda a "Oz": en lo que va de la temporada, Michael estuvo en un motín y le amputaron dos dedos de un pie con una tijera de jardinero por no querer ayudar a un matón de la cárcel. "Nunca seremos tan oscuros como 'Oz', pero los canales de TV abierta (el caso de Fox en Estados Unidos) están acostumbrados a que a sus personajes no les pasa nada realmente malo. Quisimos cambiar eso, para que el público nunca sepa lo que va a ocurrir", asegura Scheuring. Pero tampoco pueden mostrar todo lo que quieran.

"Tenemos censores. Debemos cuidar el lenguaje y las escenas de sexo o violencia. Lo bueno es que el nuevo presidente de Fox (Peter Ligouri) viene del canal de cable FX y nos anima a que tomemos más riesgos", cuenta. Y ciertamente el equipo ha aprovechado las concesiones con la violencia y conflictos al por mayor, con muertes de algunos personajes y todo.

Esto ayuda a tener interesado al público, pero Scheuring tiene claro que la fórmula no puede durar eternamente. Y se larga a revelar secretos del futuro de la serie. Nota para fanáticos que no quieren saber qué pasa la próxima temporada: es hora de dejar de leer.

"Si en cinco años ellos siguieran diciendo: 'En serio, sí nos vamos a escapar', los televidentes se aburrirían. Ya para la segunda temporada el programa se va a ver completamente diferente, porque estarán fuera de la cárcel y escapando a través de Estados Unidos o fuera del país. Así que desde ese punto será una historia más grande acerca del escape. Espero que la audiencia esté interesada en saber qué ocurre con Sucre, Michael, Lincoln y los otros como para seguir viendo la serie".

24 noviembre 2005

COMO FUE EL ULTIMO CAPITULO DE NIP/TUCK

Qué es lo mejor que tiene Nip/Tuck, lo que la distingue de otras muy buenas series de cable? Más allá de unos guiones excelentes, una calidad artística poco frecuente (desde la musicalización hasta los efectos especiales) y una estructura episódica que avanza con la solidez de un organismo vivo —ninguna pieza resulta gratuita— tal vez lo más interesante sea que en la veintena de capítulos que pudieron verse aquí (en Estados Unidos ya se estrenó la tercera temporada) nunca se abandonó, ni siquiera en pos de la profundidad y complejidad de los personajes, el trasfondo de sátira social, cáustica e impiadosa, que sin intención didáctica ilumina los aspectos más oscuros de la cultura de la apariencia y el éxito.

En el último episodio de la segunda temporada (que emitió Fox el martes), la historia dio un giro inesperado que colocó en el centro de la escena al colmo de la cirugía plástica, lo que justifica que sus devotos la consideren un arte más que una rama de la medicina: la práctica de "reasignación" sexual. El cachetazo para los espectadores habrá sido, seguramente, descubrir que la más bella, la más sexy de esta historia, esa mujer fatal, inquietante, casi un exabrupto de "lo femenino", Ava (Famke Janssen), es (fue) un hombre. Lo que explicaría sólo en parte todo lo que ya se sabía de ella: su extraordinaria capacidad de manipulación, la perversión que le permitió seducir a su hijo adolescente, y también su debilidad, su incapacidad para relacionarse con sus pares por miedo a ser descubierta.

El capítulo arrancó con la participación especial de la popular chimentera estadounidense Joan Rivers, que llegó a la clínica de los doctores Troy/McNamara con un desopilante pedido: que "deshagan" las cirugías a las que se sometió a lo largo de su vida, para devolverle la imagen de la dulce viejecita que sería si nunca hubiera pasado por el bisturí. No es una tarea fácil, y los doctores encontrarán, claro, un eficaz modo de persuadirla.

Mientras tanto, Matt (John Hensley) y Ava planean escaparse juntos a París. Christian (Julian McMahon) se entera, y amenaza a Ava con matarla si no sale de la vida de su hijo. Ava lo provoca, y cuando Christian accede a tener sexo con ella, descubre su secreto: es un transexual, un hombre convertido en mujer.

A partir de allí, Christian, Sean (Dylan Walsh) y Julia (Joely Richardson) se proponen alejar a Ava de Matt sin que él descubra la verdad sobre su pasado. Investigan su historia clínica, y llegan hasta el retirado doctor Moore (Alec Baldwin, estrella invitada del episodio): una eminencia que 20 años atrás cambió a Ava (Avery, en realidad) de sexo para poder casarse con él/ella. Pero ni eso, ni el hijo que tuvieron (hijo biológico de él), pudo borrar las huellas del pasado, y terminaron separándose. Ava huyó con el bebé, y Moore le perdió el rastro, sin haber podido dar las "puntadas finales" a su obra, por lo que Ava se vio obligada a relacionarse con adolescentes inexpertos, incapaces de reconocer la peculiaridad de su vagina.

Lo único que desea Ava es dejar atrás esa historia vergonzante, y es Julia, entonces, quien la convence, prometiéndole preservar su secreto a cambio de que desaparezca. Antes, Ava pone una condición: que la operen una vez más, para que ningún hombre pueda volver a desenmascararla.

Paralelamente, Sean sigue perturbado por la presencia del "escultor" (the carver), el criminal que somete y desfigura a sus pacientes. Y le tiende una trampa en su propia casa, con la complicidad de la policía. Ya operada, Ava cumple con el pacto: abandona a Matt y se dispone a irse sola a París, pero cuando está por partir aparece su torturado hijo (que se había fugado). Esa será su última condena: el chico, arruinado por una madre (encima de todo) incestuosa, se suicida en sus brazos.

En la última escena, después de una cena que vuelve a reunir a toda la disfuncional familia, Sean aguarda aterrado un nuevo ataque del "escultor". Pero, esta vez, la víctima será Christian.

Divertida, sorprendente, poética, conmovedoramente moral y política (aunque no correcta), los que se la hayan perdido aún están a tiempo: el sábado a la medianoche (0.30) y el lunes a las 22 repite el último episodio. Y Fox emitirá de nuevo la segunda temporada desde la semana próxima, los martes a las 22

22 noviembre 2005

HOY FINAL DE TEMPORADA DE NIP/TUCK

Los que esperaban que esta noche se resuelvan todos los misterios alrededor de la original serie Nip/Tuck (Fox, martes a las 22), no verán satisfechas sus expectativas: el episodio final de la segunda temporada abrirá nuevos y sorprendentes interrogantes sobre esta historia, que en Estados Unidos estrenó hace dos meses su tercera temporada, con nada menos que 5,3 millones de espectadores.

Después de haber retratado durante la primera temporada con sarcasmo y acidez el peculiar mundo de las cirugías estéticas, la serie —ganadora de dos Emmy y un Globo de Oro— se había orientado en su segundo año a mostrar los conflictos personales y afectivos de los protagonistas, los doctores Sean McNamara (Dylan Walsh) y Christian Troy (Julian McMahon), y el complejo vínculo que los une, no sólo profesional sino también familiar. Por ejemplo: Matt (John Hensley), el hijo de Sean, resultó ser, en realidad, hijo biológico de Christian, fruto de una relación clandestina entre él y Julia (Joely Richardson), la esposa de Sean... elemento suficiente para haber explorado en una docena de capítulos y magistralmente todas las posibilidades del melodrama.

Pero en el episodio de esta noche la trama dará un nuevo giro, que la reposicionará como thriller de suspenso, cuyo eje será la inquietante presencia de "The Carver" ("el escultor"), un criminal en serie obsesionado por la belleza, que desde hace un par de episodios desafía a los protagonistas escogiendo como víctimas a los pacientes de su clínica. Este psicópata —que asalta a sus víctimas ocultando su rostro con una máscara de porcelana, abusa de ellas y luego las desfigura— atacó a Sean en el penúltimo episodio. Hoy, Sean tendrá un nuevo encuentro con él, en el que volverá a arriesgar su vida.

Además, el capítulo contará con la participación especial de la popular chimentera Joan Rivers (conocida por su pasión por el bisturí), que se presentará en la clínica con un insólito pedido que dejará atónitos a los cirujanos.

Otra estrella invitada, clave para desentrañar uno de los nudos de esta historia, será Alec Baldwin. Aparecerá como el doctor Mercer Moore, ex marido de la perversa y bellísima Ava (Famke Janssen), que revelará un dato absolutamente insospechado sobre su pasado. Como si algo le faltara a esta villana que, además de haber seducido a Matt, 20 años menor que ella, admitió haber cometido incesto con su hijo adolescente.

21 noviembre 2005

CONTROVERSIA POR "MEMORIAS DE UNA GEISHA"

El futuro estreno en China de 'Memorias de una Geisha', en la que las dos actrices chinas más internacionales interpretan los principales papeles, ha invadido de indignación los foros de internet por considerarla una humillación histórica.

La publicación en internet de fotogramas de escenas eróticas que no pertenecen a la película, en las que supuestamente la joven promesa del cine chino Zhang Ziyi aparece desnuda bajo el actor japonés Ken Watanabe, ha disparado las críticas en Internet que piden la cabeza de la actriz china con mayor futuro en Hollywood.

"Hago un llamamiento a todo el mundo para que prohíban el estreno de la película en China y que Zhang Ziyi pierda su nacionalidad", dice un airado internauta anónimo en un foro.

"Zhang Ziyi debería escribir sus memorias como geisha", señala otro en tono peyorativo haciendo referencia a la traducción de geisha al chino, 'Yiji', o artista de la prostitución.

Histórico rencor de China hacia Japón

Los que se preguntan por qué el director no escogió a actrices japonesas se han tomado la elección como un intento de "insultar a los chinos y hacerles perder su honor y dignidad", mientras que otros seguidores defienden a las actrices por su fama internacional.

La imagen ha reavivado el rencor histórico que China siente por Japón desde la ocupación nipona entre 1931 y 1945 en la que, entre otras atrocidades, al menos 200.000 mujeres chinas se convirtieron en "esclavas sexuales" de las tropas japonesas, un tema muy candente en 2005, el peor año de las relaciones entre Tokio y Pekín.

'Memorias de una Geisha', basada en la novela del americano Arthur Golden, está dirigida por Rob Marshall ('Chicago'), coproducida por Steven Spielberg e interpretada por Zhang Ziyi y Gong Li, las musas del prestigioso cineasta Zhang Yimou: un conjunto de ingredientes que vaticina varias candidaturas al Oscar.

Está previsto que la película se estrene en EEUU y Canadá el 9 de diciembre, y en enero en diversos países asiáticos, entre ellos China, donde la reacción airada se produce en el delicado momento en que está pasando la censura por parte de las autoridades.

El departamento de mercado del Buró de Administración de Radio, Televisión y Cine se negó a hacer comentarios sobre cuál va a ser su decisión final sobre el estreno de 'Yiji huiyilu', título en chino de la película.

El diario oficial 'China Daily', creyendo a pies juntillas la veracidad del fotograma, se pregunta, citando a otros internautas, por qué las actrices aceptaron interpretar a "dos prostitutas japonesas".

Un casting "pragmático"

Según fuentes del sector cinematográfico, ninguna actriz japonesa tiene en la actualidad la repercusión mediática de Zhang ('Hero', 'La casa de las dagas voladoras', '2046') y Gong ('Sorgo Rojo', 'La linterna roja'), motivo por el que fueron elegidas por los pragmáticos empresarios estadounidenses.

"La acusación contra Zhang me recuerda el caso de los actores chinos que hacían de malos en los cincuenta" y que luego "fueron perseguidos durante la Revolución Cultural (1966-76) por gente manipulada", señala el periodista al defender a Zhang, de 26 años.

La foto falsa que acompañaba al artículo fue retirada de la edición en internet del diario la semana pasada.

La traducción al chino de "geisha" (en japonés muchacha instruida para la danza, la música y la ceremonia del té que se contrata para animar ciertas reuniones masculinas) y el contenido del filme, donde los padres de Sayuri (Zhang) venden la virginidad de la joven a un amante rico, pueden convertirse en la excusa para frenar el estreno.

La joven Zhang, vilipendiada con anterioridad por sus comentarios vanidosos a raíz de su éxito en un país en el que se prima la humildad, puede ver enturbiado así su brillante camino a Hollywood por parte de sus propios y patrióticos conciudadanos.

18 noviembre 2005

EN SUS ZAPATOS DE CURTIS HANSON

Hay algunos elementos desconcertantes en esta extraña comedia dramática que es En sus zapatos. Uno, el más llamativo, es que presenta como protagonista a un personaje ciertamente insólito en el cine comercial americano, una chica analfabeta funcional, por mucho que la naturaleza se haya mostrado con ella más que razonablemente generosa (Cameron Díaz); alguien que dice "anafálico" por "anafiláctico"; alguien, en suma, que es un verdadero desecho del sistema educativo en el que se ha (mal) formado.

Pero más allá de ello, el filme se propone como una más de las narraciones que periódicamente revisan las relaciones entre hermanas. Díaz tiene una, por cierto, abogada y brillante (Toni Collette), que cuando se deprime porque liga poco se compra zapatos, hasta reunir una colección que no le va a la zaga a la de la mismísima Imelda Marcos. O sea, que cada una envidia lo que a la otra le sobra. Y como tantas otras ficciones contemporáneas, también aquí la cosa va de secretos familiares (ah, la familia, la sede de todos los bienes, pero también de todos los horrores) que pocos conocen. Y tantos hay que hasta se le aparecerá a Díaz nada menos que una abuela desconocida (MacLaine), ahí es nada.

Basada en una novela de Jennifer Weiler, con guión de una escritora, Susannah Grant, En sus zapatos viene firmada por un cineasta que, como Curtis Hanson, tenemos más tendencia a identificarlo con otro tipo de productos, digamos más para públicos masculinos (piénsese en L. A. Confidential). No es que se note mucho el cambio, la verdad, entre otras cosas porque Hanson tiene suficiente oficio como para moverse con facilidad dentro de los límites de un guión escrito por manos femeninas.

Si acaso, el interés del filme radica más en aspectos secundarios, como los matices en la relación entre las hermanas o el extraño desprendimiento que emana de todas las relaciones entre los miembros de la familia. Pero el filme resulta a la postre un tanto áspero y desabrido, en ocasiones desconcertante, además de abundar, es casi una norma no escrita en el cine americano de consumo, en el viejo tema del triunfo. Al final, hasta la analfabeta funcional podrá tener su opción de triunfar en la vida... y es que nada hay, es bien sabido, como el viejo paraíso estadounidense para que todos los sueños en él se cumplan.

EL EXORCISMO DE EMILY ROSE


En un momento en el que la educación americana se debate entre el creacionismo y la teoría de la evolución de las especies, el enfrentamiento entre religión y ciencia que propone la trama de El exorcismo de Emily Rose adquiere una gran importancia.

Basada en un hecho real, la película analiza las razones que pudieron llevar a la muerte durante un ritual religioso de bendición a una joven supuestamente demonizada: para unos, la culpa fue del medicamento que los doctores le suministraban, que la mantenía semidrogada y, por tanto, poco alerta para esforzarse en la expulsión del diablo; para otros, la culpa fue del cura que la trató espiritualmente, por dejarla aislada alimentaria y sanitariamente durante demasiado tiempo.

Más allá del dilema entre fe y razón, a El exorcismo de Emily Rose hay que agradecerle la ausencia de truculencia y su elegante dirección. Por otro lado, la estructura a base de flash-backs, con el juicio al sacerdote como elemento de unión, otorga a la historia claridad expositiva a la hora de apoyar el dato de su inspiración en una historia real. Sin embargo, a veces ser demasiado exhaustivo tiene una contrapartida: que se pierde garra e impacto, sobre todo porque desde el primer minuto se sabe que la chica murió durante el conjuro. Así, se espera un clímax final que nunca llega, ya que la postrera explicación de la carta escrita por la chica puede resultar clave en materia jurídica y religiosa, pero resulta nula en materia cinematográfica

OLOR A OSCAR

Hollywood huele a Oscar. En las revistas del gremio empiezan a florecer los anuncios a toda página promocionando películas o actores "para su consideración"; las salas de arte y ensayo dedican sesiones, tras las que se hacen encuestas, a los posibles candidatos, y la llegada del primer DVD con sueños de gloria a los hogares de los miembros de la Academia ha sido recibida como la primera flor en primavera. Se trata de Junebug, y da igual que se trate de un título menor, prácticamente desconocido y que su distribución gratuita entre los académicos llegue con cuatro meses de adelanto sobre la entrega de estatuillas, el 5 de marzo. "Es el momento de darse a conocer y dejar claro lo que hay por ahí para tenerlo en cuenta", declaró a la prensa el presidente de Sony Classics, Michael Barker, el estudio que hizo este primer envío. "Si hay un posible contendiente tienes que aparecer en todos los artículos previos a los Oscar", corrobora un ejecutivo de la Fox.

Siguiendo esta filosofía, son numerosos los títulos mencionados como posibles candidatos, aunque escasas las certezas. El único nombre que parece estar en boca de todos es el de Phillip Seymour Hoffman por su trabajo en Capote, como el escritor de A sangre fría. Pero el actor de 38 años ya escuchó esto antes, con The Incredible Mr. Ripley, Hapiness, Boogie nights o Almost famous y ni tan siquiera consiguió una candidatura. "Lo mejor es no pensar en ello porque las cosas cambian mucho a medida que avanza la temporada. Es agradable, pero ya hemos hecho ese camino antes", afirma socarrón Ralph Fiennes, otro posible aspirante por su trabajo en El jardinero fiel. Joaquin Phoenix se limita a mirar al cielo con ese gesto tan suyo de desidia de chico malo cuando se menciona la gran "O". En su caso también se da por segura la candidatura gracias a otra biografía, en este caso la de Johnny Cash, con la que el filme Walk the line se perfila como el Ray de los próximos Oscar. Pero las segundas partes nunca fueron buenas. "Si piensan que hemos hecho esta película con el Oscar en mente es que en esta ciudad son más cínicos de lo que pensaba", afirma su director James Mangold.

Walk the line es una de las posibles aspirantes, junto con Brokeback mountain, mencionadas en la página de Internet goldderby.com, encargada de elaborar quinielas sobre las estatuillas. Ninguna de las dos ha sido estrenada, pero ambas están en un circuito de proyecciones privadas dedicadas a cautivar a los miembros de la Academia. Brokeback mountain, la última obra de Ang Lee, llega además avalada por su gira triunfal por los festivales de Telluride, Venecia y Toronto. Y la promoción, lejos de ocultar el amor homosexual de sus protagonistas, lo promociona con lemas como "el amor es una fuerza de la naturaleza".

A pesar del año tan malo vivido en la producción cinematográfica en Hollywood, algunos títulos aún resuenan en la industria, quizá más por las campañas promocionales que por el impacto popular. Entre ellos están Crash, la primera película como director de Paul Haggis, guionista de Million Dollar Baby, una historia de vidas que se entrecruzan en Los Ángeles. El DVD promocional ya está en manos de los académicos, y uno de sus protagonistas, Terrence Howard, sigue escuchando su nombre como posible candidato gracias también a Hustle & flow, la historia de un proxeneta transformado por un himno de gospel, una cinta que encantó a la crítica y de la que New Line no deja de organizar proyecciones ahora que ya no está en cartel. Otro filme que se resiste a morir sin gloria es Cinderella man, el último trabajo de Russell Crowe y Renée Zellweger, una historia de boxeo que languideció en la taquilla a pesar de que los estudios Universal quieren encontrar en ella su nuevo Seabiscuit.

En sus zapatos, la última comedia de Curtis Hanson y Elizabethtown, el viaje de juventud de Orlando Bloom y Kirsten Dunst a las órdenes de Cameron Crowe, se han desinflado una vez llegadas a la pantalla, aunque, como dice Fiennes, las cosas pueden cambiar mucho hasta que lleguen los Oscar. Por el contrario, el drama sobre la primera guerra del Golfo, Jarhead, va ganando fuerza con su estreno, lo mismo que le ocurre a North country, la única clara contendiente en el terreno de mejor actriz, donde Charlize Theron podría volver a formar parte del selecto quinteto de mujeres. Y luego están Rent y The producers, que esperan ser los Chicago de esta edición. Pero no son sino hipótesis, fruto de una intensa campaña promocional, porque como dicen en Hollywood: todo filme puede ser el mejor hasta que llega la hora de demostrarlo en la pantalla. Ése será también el momento de la verdad para otro esperado título, King Kong. Nadie duda del atractivo en la taquilla de la nueva película de Peter Jackson, pero ¿les gustará a los académicos como El Señor de los Anillos: el retorno del rey? Habrá que esperar hasta el 5 de marzo. Una espera que se acabó para All the king's men, nueva versión del clásico de 1949 que ganó tres oscars, y que se ha retirado de competición retrasando su estreno hasta el año que viene

17 noviembre 2005

VIRGEN A LOS 40: LA SORPRESA DEL AÑO 2005

Suele ocurrir en Hollywood. No importa cuántos millones inviertan los estudios en sus películas, de vez en cuando aparece un filme de corto presupuesto que echa por la ventana todas las teorías sobre fórmulas.

El ejemplo 2005 de esa tendencia se llama "Virgen a los 40", una comedia disparatada. Con un presupuesto que no superó los US$ 25 millones, la cinta ya ha recaudado US$ 155,7 millones en todo mundo. Su historia gira en torno a un solterón (Steve Carell) que, a los 40 años, sigue siendo virgen. Por eso sus amigos lo motivan a salir y conocer mujeres. Pero su búsqueda de sexo cambia cuando conoce a una madre soltera (Catherine Keener).

"Virgen a los 40" es de esos fenómenos que tienen nombre y apellido. La película está dirigida por Judd Apatow, pero el verdadero cerebro tras el éxito es Steve Carell (42), el protagonista, guionista y productor ejecutivo del proyecto.

Salido de la televisión, tiene experiencia en comedias: siempre han sido lo suyo. Sus comienzos están en programas como "The daily show con John Stewart" y "Saturday night live". En "SNL" conoció al comediante Will Ferrel ("Elf, el duende"), que lo ha sumado a filmes suyos, como "Melinda y Melinda", "Anchorman" y "Hechizada".

El éxito definitivo llegó para él con "Virgen..." y ahora está lleno de proyectos. Será Maxwell Smart en una película sobre "El súper agente 86", y también protagonizará un spin off de "Todopoderoso" centrado en su personaje en ese filme.

EN TV

Steve Carell por estos días también está teniendo éxito en la TV. Su serie "The office", de la cadena NBC, es un éxito de crítica

16 noviembre 2005

UN FILME DE CULTO: GHOST WORLD

"Ghost World" es tal vez la mejor adaptación de un comic a cine que he visto. Desafortunadamente este hecho será ignorado por no contar con superhéroes, villanos, monstruos o amenazas extraterrestres.

Será porque el original comic "Ghost World" no sigue los convencionalismos del "tradicional" comic; es decir, se ha atrevido a usar el medio para impulsar una narrativa distinta a la percepción que el público en general tiene sobre los comics. La sobresaturación de superhéroes insulsos e historias flojas muchas veces oculta el hecho de que "comic" no quiere decir automáticamente "superpoderes y spandex"; se trata sencillamente de un medio más, que puede ser usado para contar todo tipo de historias, usando la estructura narrativa del arte secuencial. Es así como el comic de culto "Ghost World", creado por Daniel Clowes, narraba las aventuras de dos muchachas enemistadas con la falsedad y estupidez de la sociedad, juntas más por compartir el mismo enfoque de la vida que por auténtica amistad.

En la película la trama se ha simplificado un poco: Enid (Thora Birch) y Rebecca (Scarlett Johansson) siguen siendo dos jóvenes desadaptadas y cínicas, burlándose secretamente de los convencionalismos sociales que las rodean y que parecen haber esclavizado a sus compañeros de escuela. Pero entonces llega la graduación y el confiable (aunque detestable) mundo de la escuela se ha acabado y ambas muchachas deben enfrentar la vida real, la vida adulta. Rebecca consigue trabajo y parece más o menos encaminada para lograr sus metas, por vagas que éstas sean. Pero Enid se resiste a incorporarse a la sociedad; no tiene planes ni intención siquiera de elaborarlos. Así su amistad con Rebecca empieza a enfriarse al mismo tiempo que conoce a Seymour (Steve Buscemi), un hombre mayor, tan separado de la sociedad como Enid misma y tan temeroso de la interacción humana que se ha sumergido en su hobby (coleccionismo de discos antiguos), repudiando a sus semejantes y aparentemente condenado a la soledad. Así, Enid y Seymour desarrollan una relación compleja y confusa. Las diferencias de edades contrastan con la similaridad de actitudes, y conforme la relación se vuelve más profunda, las reacciones temerosas de ambos se convierten en una madeja de emociones que ninguno logra descifrar satisfactoriamente.

"Mundo Fantasma" no es una comedia romántica; tampoco es un drama; si tuviera forzosamente que clasificarla diría que se trata de un estudio de caracteres, genuinamente emotivo, que logra contar una historia llena de melancolía, humor y humanidad a pesar de su inherente cinismo y sin comprometer su honestidad al negarse a entregar un típico final hollywoodense.

Con el papel de Enid, Thora Birch se ha consagrado como una gran actriz dramática, a pesar de su corta edad y del fiasco de "Dungeons & Dragons". Con "Mundo Fantasma", "The Hole" y "American Beauty" ha demostrado su talento y su capacidad para compenetrarse totalmente con su personaje. Sin embargo es Steve Buscemi quien más sobresale como el tímido Seymour. Buscemi ha sido muchas veces relegado al papel de "comic relief" o de "amigo del héroe". Aquí lo vemos como siempre debería estar, con un papel complejo, profundo y ambiguo, el cual logra dominar desde el primer momento. Su mezcla de trágico pobre diablo y sensible intelectual va mucho más allá de los clichés noveleros del cine actual y es más parecido al del anti-héroe literario, con todo lo que eso implica.

"Mundo Fantasma" es una de esas joyas ocultas; no tendrá mucha promoción comercial y no será fácil de encontrar, pero es muy recomendable para el cinéfilo interesado en el tipo de cine (honesto, inteligente y relevante) que Hollywood jamás logrará producir. Y para detractores de los comics, recomiendo que vean de lo que es capaz el medio, a pesar del lamentable estado en que lo han dejado los superhéroes.



15 noviembre 2005

MADONNA SALE A CONQUISTAR LAS PISTAS DE BAILE

Convengamos: no siempre Madonna y la crítica musical han tenido un diálogo feliz. Pero desde "Ray of light", de 1997, la conversación pasó a otro nivel. Cada vez más, la expectación de los opinólogos casi supera a la de los fans, y con su nuevo disco, "Confessions in a dance floor", el número 14 de su carrera, lanzado ayer en el mundo, es evidente.

En un rápido vistazo puede decirse que los críticos aún están más a favor que en contra de la diva. La biblia del caso, "Rolling Stone", califica el álbum con tres estrellas y media (de cinco), y repite lo que la mayoría consignaban ayer: que es completamente ochentero, con sintetizadores y baile sin respiro. "Madonna nunca ha perdido su fe en el poder del beat", dice la revista.

"The New York Times", el diario de la ciudad que ella homenajea en "I love New York", también parece estar de su lado: "Es Madonna como ella es ahora: una estrella y una celebridad con aspiraciones espirituales".

El diario inglés "The Independent" es menos amable: "Es una colección de piezas típicas de la música disco, cada pedazo tan tibio como el título (del álbum)"; su crítico añade que está lleno de clichés.

Otro periódico británico, "The Guardian", opta por las cuatro estrellas, y su comentarista aprueba la fórmula que Madonna y su productor, Stuart Price, buscaron para que ella consolide dos propósitos. Uno: volver a acercarse a sus primeros tiempos como musa de las discotecas. Y dos: reencontrarse con su público gay.

Con su estética y colores, el disco no puede ser más obvio en ambos sentidos. Además, como es su costumbre, ella ya sembró "marketeramente" para que todos sus esfuerzos den fruto. La semana pasada hizo la declaración que hacía falta al canal británico ITV1: "Me siento como un gay encerrado en el cuerpo de una mujer".

El origen de todo

¿Cómo tanta afinidad con el mundo homosexual? En otra entrevista Madonna dice que la primera persona que creyó en ella fue su profesor de ballet, que es gay: "Fue la primera persona que me hizo sentir que yo era especial".

Es un hecho que "Confessions..." está lleno de guiños a esta comunidad, que se caracteriza por erigir diosas. Y ella, que se había puesto muy madre, salió a la reconquista del trono con sus bien llevados 47 años. Lanzó el álbum bailando en una disco y abrió los premios MTV Europa con un atrevido short. Madonna otra vez, pura fibra y sensualidad, rodeada de bailarines toqueteándola como en los viejos tiempos. ¿Temperatura? La que vale, la del público: ayer ya se habían vendido 2,2 millones de copias en todo el mundo; en las próximas semanas la gente dirá.

14 noviembre 2005

RENT LLEGA ESTE FIN DE SEMANA A LOS CINES

“Rent” cuya traducción al español es “Alquiler” es una obra del género ópera rock, escrita por el dramaturgo norteamericano, Jonathan Larson, basada en la ópera “La Bohemia”, de Puccinni. Esta comedia musical fue estrenada en enero de 1996, en la capital de los espectáculos Broadway-EEUU, obteniendo el reconocimiento de críticos y productores teatrales de alto nivel además del máximo galardón dentro de este género, el premio Tonys. Luego de su estreno, fue repuesta en varias capitales del mundo como Inglaterra, Alemania, Francia, Japón, México, España, Argentina y muchas otras.

El argumento de esta trama teatral, es un intento por mostrar una parte de la vida de mucha gente que está viviendo con el VIH-SIDA, abordando además el tema de la muerte, la drogadicción, la homosexualidad, y la desigualdad económica desde la óptica de la juventud y los grupos discriminados de las sociedades actuales. La característica fundamental de esta propuesta, es su visión positivista, que no se detiene solamente en la problemática, sino que hace una propuesta de manejo y respeto por la misma.

Su estreno en EEUU está programado para el próximo 11 de noviembre, y se vislumbra como uno de los favoritos en los premios de la Academia. Actúan en el filme: Rosario Dawson, Idina Menzel y gran parte del elenco original de Broadway

ORGULLO Y PREJUICIO

"Es una verdad universalmente reconocida que un hombre soltero en posesión de una buena fortuna, debe estar en busca de una esposa".

Certera y atemporal, la prosa de la inglesa Jane Austen (1775-1817) se define entre otras cosas por golpear desde la partida, como ocurre en este caso con el arranque del primer capítulo de Orgullo y Prejuicio. Escrita en 1813, en una época en que el formato novelístico no era el más apreciado, esta historia romántica y pueblerina sobre amores que se esconden y castas que marcan su territorio, ha sobrevivido notablemente al paso de los años, tal como Emma, Sensatez y Sentimientos y otros títulos de la autora.

Hace una década, para no ir más lejos, se desató una "fiebre Austen", reflejada en masivas reediciones y -lo más notorio- en adaptaciones para cine y TV que congregaron a los actores más reputados de la escena británica. Y si bien, como toda moda, ésta quedó atrás, no ha reculado del todo. Mientras el galardonado novelista Ian McEwan cita en Expiación un pasaje de La Abadía de Northanger, el celuloide irrumpe con dos lecturas de Orgullo...: Bride and Prejudice (2004), del cine indio de Bollywood, y Pride and Prejudice (2005), que arrasó en la taquilla de Gran Bretaña, acaba de estrenarse en Estados Unidos y promete llegar a la cartelera en febrero.

La crítica a sus pies

Las tramas de la autora, que describe en detalle complejos tinglados sociales, pone el amor bajo las narices de sus protagonistas, quienes muchas veces no lo advierten. Una premisa sencilla que recoge la más reciente adaptación austeniana, ópera prima del británico Joe Wright.

La intriga no difiere de la del libro. En el pueblo de Hertfordshire vive la nerviosa y algo ridícula señora Bennet (Brenda Blethyn), cuyo único objetivo en la vida es casar a sus cinco hijas. Sus mayores esperanzas están centradas en Jane (Rosamund Pike), su hija mayor y la más bonita. Pero Elizabeth (Kiera Knightley), quien le sigue en edad, es la más inteligente y rebelde del grupo, y no será fácil domarla. Menos aún tras la irrupción del aristócrata Fitzwilliam Darcy (Matthew MacFadyen).

"Una de las más encantadoras y placenteras adaptaciones de Austen o de cualquier otro", escribió el crítico Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, en una crónica que marcó pautas respecto de la aceptación casi absoluta del filme entre los comentaristas de EE.UU., que como sus pares del Reino Unido destacaron lo impecable de la puesta en escena y la química a fuego lento entre los protagonistas. Y entre ellos destacaron a Knihyley, una belleza prometedora que ya se ha lucido en Piratas del Caribe y El Rey Arturo.

Pero no todos estuvieron felices. En la muy compuesta Jane Austen Society se quejaron de que "el filme está lleno de imaginería sexual, lo que es totalmente inapropiado frente a la novela". Aparentemente, son los únicos que han presentado quejas.

A la espera de la llegada del largometraje a Perú, se suceden las novedades respecto de Austen. A las nuevas miniseries anunciadas por las principales cadenas inglesas, se agrega un anuncio inquietante: con el protagonismo de la joven Anne Hathaway (Diario de la Princesa) comenzará pronto el rodaje de Becoming Jane. No es una biografía, sino el reporte del tórrido affaire entre la escritora y un irlandés desconocido

Quién es... Jane Austen

Nace en Steventon, Hamphire (1775) en una familia que sin ser acaudalada le prodigó una sólida educación.

Hacia 1793 escribe su primera novela -Lady Susan-, publicada póstumamente , a la que siguieron obras teatrales y poemas.

En 1811 inicia su celebrada serie de novelas: Sensatez y Sentimientos, Orgullo y Prejuicio (1813), Mansfield Park (1814), Emma (1815-16), La Abadía de Northanger y Persuasión. Las dos últimas son de 1817, año de la muerte de Austen en la ciudad de Winchester.

Aunque no conoció la popularidad en vida, su obra ha sido objeto de continuos rescates, viniendo los más recientes de la TV y del cine, con la adaptación -en 1995- de Persuasión y Sensatez y Sentimientos, de Roger Michell y Ang Lee, respectivamente.

CONFESIONES DESDE LA PISTA DE BAILE

Es muy consciente de la reacción que provoca en muchos cada vez que habla de política, de la guerra, de sus deberes como madre o, por sobre todas las cosas, de su búsqueda espiritual a través de la Cábala. Sin embargo, insiste en abordar esos temas con tal frecuencia —tanto en entrevistas como en su música—, que los medios llegaron a considerar que Madonna es tan "sermoneadora" en la actualidad como "peligrosa" años antes.

"¿A qué se refieren con 'sermoneadora'? pregunta Madonna, en conversación con el periodista Jim Farber, de Knight Ridder Tribune, de Nueva York. "¿A tener una opinión?" "¡Soy culpable!", anuncia entonces con orgullo.

Mientras Madonna habla en su habitación de hotel de Manhattan, es evidente que no está dispuesta a volver a interpretar a la chica fiestera de antaño. Podrá estar aquí para promocionar su nuevo álbum, Confessions on a Dance Floor, que la devuelve a la exuberancia de éxitos anteriores como Holiday, pero dice que los motivos por los que grabó el disco no fueron sólo las ganas de volver a hacer música divertida, ni siquiera la intención de dar nuevo impulso a su vacilante carrera discográfica.

Por lo que parece, quería ayudar a la humanidad.

"Es un viejo cliché", explica. "Cuando el mundo nos deprime, necesitamos que nos levanten el ánimo. Dada la situación del mundo, la gente necesita inspiración y felicidad."

No es la única ocasión en el curso de la entrevista en que Madonna brinda una elevada teoría sociopolítica para algo que muchos podrían considerar un simple tema musical. A la pregunta de por qué su disco anterior, American Life, fue el primer fracaso de ventas de su carrera (apenas si llegó al oro), ella no cree que se deba a ningún déficit musical. En lugar de ello, afirma que la fría recepción se debió a que "yo criticaba a los Estados Unidos. Acababa de comenzar la guerra en Irak y yo criticaba la decisión de George Bush. La gente decía: 'No apoyás a las tropas. No te importa.' Eso es mentira. Me importa, y mucho. Por eso no quería que pasara. Dije lo que dije en un momento poco oportuno."

En aquel momento, la cantante tomó una decisión muy poco madonnesca y retiró el polémico video de American Life, en el que se comparaba a Bush con Saddam Hussein. Ahora afirma que la única razón por la que lo sacó de circulación fue que "estaba preocupada por mis hijos. No quería que la gente les lanzara piedras camino a la escuela."

La reclusión de Madonna no duró mucho. Volvió a abordar temas políticos en su nuevo documental, I'm Going to Tell You a Secret, que se emitió la semana pasada en MTV y VH1. Si bien la película cubre algunos de los momentos más animados de la gira de Re-Invention, de 2004, Madonna también pontifica sobre la importancia de "oponerse al sistema" y de ser "responsables del mundo que nos rodea". Y llega a reprocharle a su maquillador que no esté empadronado para votar.

En un primer momento, la idea era que el documental Secret se estrenara en cines. Si bien Madonna lo presentó en el festival de cine de Cannes, dice que la desalentó el hecho de que "a menos que se trate de Steven Spielberg, las distribuidoras se quedan con los derechos para DVD. Cuando le vendí Truth or Dare (su documental de 1991) a Miramax, gané muy poco. Para usar una parte mínima del documental en mi nueva película, tuve que pagarles siete mil dólares", se queja.

El nuevo documental supone un gran contraste con el anterior. En Truth or Dare, Madonna aparece como una fiestera provocadora y frívola. Ahora dice cosas como: "A veces se sobrestima la diversión".

Si en Truth... aparecía como una extravagante Lady Madonna, en Secret se revela como una combinación de Joan Baez y de una suerte de Madre Teresa que canta y baila.

Los medios se hicieron un festín con la transformación. Hablar del contraste entre la insolencia de la Madonna joven y la severidad de la autora de libros infantiles se convirtió en un cliché.

Madonna, que tiene cuarenta y siete años, no cree que haya ninguna contradicción. "Sin dudas, mis gustos y prioridades cambiaron —dice —. Pero sigo preguntando '¿Por qué?' El hecho de que sea madre no significa que no siga siendo rebelde, que no desafíe las convenciones y al sistema. Nunca pensé como un robot, y no quiero que mis hijos lo hagan. Creo que los padres deberían cuestionar permanentemente a la sociedad".

Algunos críticos, sin embargo, afirman que Madonna adopta una actitud reaccionaria, o hasta conservadora, cuando se niega a permitir que sus hijos (Lourdes y Rocco, de nueve y cinco años respectivamente) vean televisión.

"No es algo conservador", contesta. "De hecho, no ver televisión es muy punk-rock", cree.

Como reacción, la cantante dedica cada vez más tiempo a la exploración de la vida interior a través de su fe. El cambio inspiró más hostilidad que nunca hacia ella. "Sería menos polémica si me incorporara al Partido Nazi", dice Madonna cuando se refiere a la Cábala.

"¿Por qué estudiás la Torá si no sos judía?" cuenta que le preguntan. O "¿Cómo se puede rezarle a Dios y al mismo tiempo usar ropa atrevida? No lo entendemos." Eso asusta a la gente —declara la diva—, de modo que trata de denigrarlo o trivializarlo".

"Me resulta muy extraño que sea algo tan inquietante para tanta gente", agrega. "No le hago daño a nadie".

En ese sentido, se identifica con Tom Cruise, que también es blanco de críticas por ser miembro de la Cienciología. "Si eso lo hace feliz, a mí no me importa si le reza a tortugas", dice Madonna. "Y no veo por qué debería importarle a nadie."

La acusación de que su participación en la Cábala la convierte en integrante de un culto le produce indignación. "Todos formamos parte de un culto", afirma Madonna. "En este culto no se nos alienta a hacer preguntas. Y si las hacemos, no recibimos respuestas directas. El mundo venera la fama. Es una gran ironía".

Sin dudas, Madonna debe saber unas cuantas cosas respecto de ese culto en particular. La diferencia, dice, es que "yo espero utilizar (la fama) para contribuir a mejorar las cosas, para ayudar a la gente a recuperar la sensatez".

Uno de los temas del nuevo disco, Isaac, que utiliza motivos musicales judíos, irritó a algunos rabinos cabalísticos. Afirman que el tema se refiere a Isaac Luria, un místico judío del siglo XVI. "La ley judía prohíbe el uso del nombre del rabino sagrado con fines de lucro", declara el rabino Rafael Cohen, que dirige un seminario que lleva el nombre de Luria.

Madonna insiste en que el tema no es sobre Luria, sino sobre Isaac Sinwani, que canta: "Dicen que cometí una blasfemia, pero el tema no tiene nada que ver con eso", señala. "¿Por qué hablan sobre los temas? ¿Acaso no tienen sinagogas para orar?"

El disco puede provocar algunas críticas más por otro de los temas, I Love New York, en el que Madonna celebra la ciudad y canta: "Los Angeles es para los que duermen /En cuanto a Londres y París, te las podés quedar". "Es la sensación de estar enamorada de Nueva York", explica Madonna. "Siempre tendré un cariño especial por este lugar, porque fue aquí donde aprendí a sobrevivir, donde me encontré a mí misma. En serio. Me encantan Londres y París, pero no en ese tema".

Madonna hace hincapié en el rechazo a la fama en el tema Let It Will Be. En un momento, canta que en los primeros tiempos de su carrera hizo cualquier cosa para ser famosa. Al siguiente, rechaza la cultura de la fama. "Es una pregunta que les planteo a todos: ¿Hasta dónde están dispuestos a llegar?" cuestiona.

En lo que respecta a la actuación, Madonna siente que ya hizo lo que quería. A los que la vieron en películas como El cuerpo del delito y Swept Away les interesará saber que Madonna ya no quiere actuar en películas. "Quiero dirigir", anuncia. Eso, por supuesto, puede provocar escalofríos a los muchos enemigos de Madonna. La cantante admite que los tiene, por lo que cierra el álbum con la contagiosa canción Les guste o no les guste.

El tema es un ejemplo del estilo desafiante de Madonna, una actitud que parece imponerse a todas las contradicciones de su carrera. Si bien Madonna puede presentar un nuevo tema como How High, en el que se pregunta si debe seguir con su trabajo, al final se hace evidente que no es una pregun ta que se tome muy en serio. "No pienso en abandonar todo —dice riéndose—. "No me voy a ir a ningún lado".

Traducción de Joaquín Ibarburu

12 noviembre 2005

EL BESO QUE NUNCA FUE

La historia de amor entre Junior, el hijo del estanciero, y Zeca, el peón de la estancia, tuvo un final feliz y, para que no quedaran dudas, los muchachos iban a demostrarlo con un buen beso. Así, al menos, lo creían los televidentes que habían seguido todas las alternativas de América, la telenovela "de las ocho" (el horario central) de la Globo, y mucho más sus fans homosexuales, que esperaban ese beso casi como una reivindicación. Iba a ser el primero entre gays varones en la TV brasileña, habitualmente osada a la hora de mostrar el sexo en parejas heterosexuales. Pero el beso no llegó. Y no llegó pese a que el anuncio había hecho trepar las cifras de rating hasta picos de 70 puntos.

Ante las primeras protestas por lo que llamaron "censura", la emisora dijo que el beso nunca había existido. Pero la autora, Gloria Pérez (El clon) y el director, Marcos Schechtman, aseguraron enseguida a la prensa que el beso efectivamente se había grabado. Horas después también lo confirmó el actor Bruno Gagliasso, que había literalmente puesto el cuerpo en su papel de Junior. Las organizaciones gay le dieron, entonces, una segunda oportunidad a la Globo: la repetición del capítulo del viernes que se vería el sábado, ¿incluiría la escena que inicialmente no estaba? Las autoridades de la cadena explicaron entonces que se habían grabado distintas variantes de esa situación (Junior y Zeca se quedan juntos) y que se había elegido "la versión más apropiada para un programa que se emite a las 20."

"Mostrémosle al país cómo se besan los brasileños", fue una de las consignas de la marcha de protesta —que se detenía cada dos cuadras para que sus participantes se besaran— realizada por las organizaciones gay, y apoyada por muchos heterosexuales, acusando a la Globo de homofobia. "Ellos usaron a los homosexuales para aumentar su audiencia y luego no mostraron algo completamente natural para nosotros", dijo uno de los líderes. "Valió la pena jugarse. Yo cumplí con mi papel", se consoló Pérez