Brian De Palma denuncia en 'Redacted' los excesos de la guerra en Irak

El norteamericano George Clooney presentó Michael Clayton, de Tony Gilroy, en concurso en el 64to. Festival de Venecia, y elogió la calidad del guión de la película que protagoniza.

"Uno cree que llegado a un punto de la carrera todo será más fácil, que podrá elegir entre una docena de buenos guiones por año. Pero no, a lo sumo lee dos o tres que valen la pena, y Michael Clayton era uno de éstos", afirmó.

Clooney atribuyó su buen estado físico tras el accidente que sufrió en el rodaje de Syriana a "la aeróbica, el baile y el yoga", para luego desmentirlo. "Era una broma -dijo-. Lo importante es vivir."

Por la noche, el actor fue agasajado, tras la proyección oficial del filme, con una cena para 120 personas en el exclusivo complejo turístico Granai delle Zitelle, cercano al Hotel Cipriani, donde está alojado.

Tony Gilroy -guionista de la saga Bourne, que con Michael Clayton debuta como director-, dice que sin Clooney este filme hubiese sido imposible de financiar. "George fue mi ángel de la guarda -agrega-. Sin él no se hacía la película." Y agregó: "Más que una denuncia de las multinacionales que juegan con la vida de la gente me interesaba examinar la vida de las personas que quedan atrapadas en la corrupción."

Además de Michael Clayton -centrada en un abogado que defiende una multinacional de productos químicos acusada de envenenar a las personas-, el cine estadounidense irrumpió ayer con una película cruda y fuerte sobre los horrores cometidos por las tropas de los Estados Unidos en la guerra en Irak: Redacted, de Brian De Palma.

La película, en competencia, emplea sólo material que circula en Internet y constituye una denuncia de los "daños colaterales" causados por las tropas estadounidenses en ese país.

"La forma y el estilo del filme fueron dictados por el material que encontramos en Internet", declaró De Palma. El realizador de Los intocables hace partir su filme en un hecho verídico: la violación en marzo de 2006 por parte de una patrulla de soldados estadounidenses de una adolescente iraquí de 14 años, que fue luego asesinada e incinerada junto con toda la familia. "De nuevo una guerra insensata ha producido una tragedia insensata", declaró el director, quien hace 18 años denunció en Pecados de guerra los horrores de Vietnam.

Redacted mezcla documental con ficción, escenas tomadas de las páginas árabes de internet así como de youtube, ejecuciones verdaderas con ficticias, imágenes de los noticieros de TV y de los "blogs" de los soldados estadounidenses. "Esta guerra se acabará cuando las fotografías lleguen a un amplio público. Porque están a disposición, pero los medios de comunicación no las emplean", cerró De Palma.

Ang Lee y Kenneth Branagh se lucen en Venecia

La relación humana que nace de la humillación, el vínculo morboso que se crea y la intimidad entre el verdugo y la víctima, ha sido el punto en el que han coincidido las dos películas presentadas a concurso en la Mostra: 'Se, Jie' (Lust, Caution), de Ang Lee, y 'Sleuth', de Kenneth Branagh.

Y con ambos filmes, Venecia bañada por las tormentas, ha sustituido la belleza de Keira Knightley, protagonista de 'Atonement', que el miércoles inauguró el festival, con la de Jude Law, uno de los principales actores de 'Sleuth', y de Tang Wei, actriz principal en 'Se, Jie' (Lust, Caution).

El taiwanés Lee ha vuelto así con su último trabajo a un certamen que hace dos años le entregó el León de Oro a la mejor película con 'Brokeback Montain', cinta con la que también ganó un Oscar.

Ambientada en el Hong Kong y la Shangai de la II Guerra Mundial, la película sirve a Lee para mantenerse en el terreno del "psicodrama", según él mismo ha comentado, e internarse en los vericuetos más desconocidos del alma humana, como la relación nacida de la humillación, en especial de la sexual.

La trama se centra en la relación que establece Wang Chiah-Chih, interpretada por Tang Wei y agente de la resistencia china, con Mr. Yee, representado por Tony Leung Chiu Wai, colaboracionista de los japoneses y torturador.

Ella se infiltra en la vida de él con la misión de facilitar su eliminación por la resistencia.

Con un comienzo lento y un metraje largo, 156 minutos, la película, en chino en su versión original, va ganando en tensión, tanto por la intriga como por el sexo, cuando los dos protagonistas empiezan una relación morbosa, en la que ella para conseguir su confianza se acuesta con él.

Humillación y tensión sexual

La película cuenta con varias escenas de sexo explícito, pero no están de sobra, pues son buena parte de la exploración del alma que Ang Lee emprende en la película.

La relación entre los dos personajes principales, basada en el sexo y en la humillación, crece hasta el punto en que ella duda de si llevar a cabo la misión encomendada

Humillación y tensión sexual tiene también 'Sleuth', aunque del tipo 'homo', ya que en ella un viejo millonario británico encarnado por Michael Caine intenta seducir a un joven, amante de su esposa, e interpretado por Jude Law.

Y es que, como dice uno de los personajes de esta película, "la humillación es el vínculo más potente entre dos seres humanos".

El filme es una nueva versión del 'Sleuth' ('La huella') que en 1972 rodó Joseph L. Mankiewicz con el propio Caine en el papel de Law y Laurence Olivier en el que ahora interpreta Caine.

Pero si aquella era una pieza de relojería perfecta, construida sobre el guión de Anthony Shaffer, en ésta el engranaje funciona, porque la humillación queda perfectamente retratada, aunque se da una hora un tanto equivocada.

Y ello, porque la comparación entre las dos 'Sleuth' es inevitable, por más que al actor británico Michael Caine no le guste y diga que no es una "simple versión nueva" porque él, en ese caso, "no la habría hecho".

Fuerte componente de seducción

Lo que subyace en las dos obras es la búsqueda de la humillación del rival, la lucha del macho por la hembra, los celos y la necesidad de demostrar que se es mejor que el otro.

Pero la versión moderna necesita adaptarse al gusto actual, es decir, la mansión de 'La huella' ha visto su interior renovado por la "alta tecnología", y la excentricidad y el gusto por los juegos de ingenio del millonario aristócrata se sustituyen ahora con un fuerte componente de seducción homosexual.

En 'La huella' de 1972 había una insinuación de esa seducción, como un aspecto más de un amplio espectro psicológico surgido a partir de la rivalidad establecida entre ambos hombres en el que estaba incluido el enfrentamiento entre juventud y vejez e ingenio y experiencia.

"Nunca llegamos tan lejos en ese juego de seducción homosexual" en la primera 'Sleuth', reconoce Michael Caine, mientras Kenneth Branagh sostiene que lo que ha intentado es "concentrar" todos los aspectos humanos dejando a un lado lo accesorio, como los juegos de ingenio.

El resultado es que, al faltar esos juegos, el espectador es más pasivo en la nueva versión y se limita a observar la interpretación de ambos actores.

The Bourne Ultimatum

Si una buena escena de persecución puede ser una clase magistral de cine, una película como Bourne: el ultimátum —que es una larga y extraordinaria persecución casi sin frenos ni pausas— puede considerarse, directamente, una obra maestra.

No se trata aquí, solamente, de alabar las habilidades técnicas del director Paul Greengrass y de su equipo en la construcción del filme. Como en la mejor arquitectura —o el mejor cine, claro— la factura técnica, los materiales y la estructura de la obra están perfectamente relacionados con el mundo que los contiene, con las ideas sobre ese mundo de sus creadores y con la particular situación dramática de los protagonistas.

Bourne es drama, aventura y política a través del movimiento. Los diálogos —pocos, necesarios— son reemplazados por miradas. La confusión del protagonista respecto a su identidad y a lo que sucede a su alrededor está transformada en un montaje abrupto, trepidante, un reencuadre constante, buscados desenfoques, rostros impenetrables y estética casi documental.

Ultimátum marca el cierre de la trilogía de Bourne (un Damon seco, eficiente, pétreo), un hombre que perdió su memoria y se descubre perseguido por agentes de la CIA, agencia de la que fue (¿es?) miembro. Aquí, debe llegar a lo profundo de un misterio existencial y político: ¿por qué lo persiguen? ¿quién lo transformó en la máquina de matar que es? ¿qué hizo él para merecerlo?

La película se construye como una larga persecución dividida en tres grandes partes y una más chica. Ninguna tendrá como objetivo a un "terrorista": son todas luchas internas entre la agencia y los que pretenden sacar a la luz un programa secreto que allí manejan. La primera transcurre en la estación de trenes de Waterloo, en Londres, y es una de esas lecciones que, al terminar, uno debería pararse y aplaudir.

Una segunda, más breve, transcurre en Madrid. La tercera es una combinación de persecución callejera y pelea a mano limpia en Tánger, que pone en escena aquella máxima de Hitchcock sobre lo difícil que es matar a un hombre. La última, cuando Bourne regresa a Nueva York a enfrentarse con su historia, tiene la mejor persecución automovilística de las últimas décadas.

Desde una mirada simple, uno podría ver el relato como la historia de un agente de la CIA con complejo de culpa. Pero si se relaciona la historia (tomada de una serie de novelas de Robert Ludlum sobre la Guerra Fría) con el mundo actual bien se puede advertir que se trata de una crítica más compleja a la forma cada vez más salvaje y menos reglamentada de esa agencia (y de los Estados Unidos) de manejar el planeta sin hacerse cargo de las consecuencias ni asumir responsabilidades.

Bourne remite tanto a películas como El embajador del miedo como a tramas de ciencia ficción propias de Philip K. Dick (Blade Runner) y hace que esa búsqueda de identidad se transforme en una cuestión personal y política. Pero Greengrass no está para discursos y, salvo alguna explicación necesaria, casi no hay tiempo aquí para conversaciones ni debates.

Como Michael Mann —o el mejor Scorsese—, Greengrass toma los códigos del cine de acción para forzar sus límites y hacerlos estallar en una forma casi abstracta de puro éxtasis kinético. Es una película impresionista, montada para transmitir sensaciones, pero jamás es caótica ni desorganizada. No procede por impacto ni atrapa con explosiones o resoluciones imposibles. Todo es creíble, brutal, implosivo.

Como un bebop cinematográfico, Bourne desarma la estructura rítmica del relato, altera sus "acordes", desafía las previsiones del espectador y lo mantiene en un estado de constante expectación. Película tensa, invasiva, furiosa y creativa, Bourne es una celebración del movimiento como una de las formas más bellas del arte

64 Edicion de la Mostra de venecia

La 64 edición de la Mostra de cine de Venecia comenzó su camino discreta en las formas pero llamativa en su contenido, en el que da especial relevancia a su 75 cumpleaños pero mirando hacia el futuro más que hacia el pasado.

"Esta edición merece un especial 'bienvenidos'", subrayó Davide Croff, presidente de la Bienal de Venecia, la institución cultural que acoge en su seno a la Muestra Internacional de Arte Cinematográfico, la Mostra.

La ocasión especial es que "ésta es la edición del aniversario", que llega después de que "la Mostra ha demostrado saber crecer" y ser "capaz de mirar al pasado, al presente y al futuro", recalcó Croff en una rueda de prensa junto al director del festival, Marco Müller.

"El nuevo Palacio del Cine simboliza ese empuje", agregó respecto al proyecto de construcción de un edificio que sustituya al actual en el Lido, la isla veneciana donde se celebra el certamen desde 1932.

La iniciativa renovadora, para la cual se convocó un concurso de proyectos arquitectónicos, está simbolizada en esta edición por un original adorno en la fachada de la actual sede de la Mostra, en la que se ha incrustado una enorme esfera diseñada por el escenógrafo italiano Dante Ferreti, a guisa de bola de demolición a cuyo alrededor se desperdigan cascotes y ladrillos.

La renovación del edificio de cuatro plantas situado frente al lujoso hotel Excelsior, en el que se celebraron las primeras ediciones del certamen, "es un sueño hermosísimo en el que en los próximos tres años se trabajará intensamente", concluyó Croff.

A esas palabras, Müller añadió que pese a combinar "arte, industria, experimentación y comercio", la Mostra no olvida que su base es el cine, y en esta 64 edición "hay filmes que pueden limpiarte los ojos".

Entre ellos el español 'En la ciudad de Sylvia', de José Luis Guerín, único de habla hispana en una sección oficial en competición que se abrió con 'Atonement', de Joe Wright, proyectada en la gala de apertura presentada por la actriz italiana Ambra Angiolini.

Que todos los días se pone el sol y no por ello dejamos de admirar la belleza de los atardeceres debe de ser la idea de cabecera del británico Wright, cuyo último trabajo no aporta nada nuevo a la historia del séptimo arte, pero conmueve y es una invitación a ir al cine.

Basada en la novela del mismo nombre de Ian McEwan, 'Atonement', que en castellano está traducida como 'Expiación', es una película de factura británica, lo que siempre es una garantía, y se desarrolla de acuerdo con las normas de las academias del cine.

Dicho de otra forma, Wright no aporta novedades y mantiene la línea que ya tuvo en 'Pride and Prejudice' ('Orgullo y prejuicio', de 2005), al adaptar a la gran pantalla una obra de la literatura británica; motivo por el que es de suponer que a quien gustó aquella película le agrade 'Atonement'.

Con el trasfondo de la II Guerra Mundial y el marco de la literatura, la película recuerda el cine en blanco y negro y, al igual que entonces, envuelve los amores y las pasiones con el humo de los cigarrillos.

El filme habla de un amor genuino, el de una mujer a la que da vida Keira Knightley y un hombre interpretado por James McAvoy.

"Es el que mejor besa", dijo entre risas Knightley mientras miraba a McAvoy en la rueda de prensa de presentación de la película encargada de inaugurar la Mostra, en la que le preguntaron si este galán era más ducho en los ósculos que Orlando Bloom y Johnny Depp, sus compañeros en la franquicia 'Piratas del Caribe'.

Knightley fue una de las primeras estrellas que se ganaron este año las miradas de los curiosos y los fotógrafos en el Lido, donde hasta la gala de clausura del 8 de septiembre se espera también sobre la alfombra roja a cuerpos celestes como los de Scarlett Johansson y George Clooney.

También pasearán por esta isla situada frente a la archifotografiada plaza de San Marcos directores como los citados Guerín y Wright, Nikita Mijalkov, Brian de Palma, Peter Greenaway, pero independientemente de quién los mire a ellos, estará claro adónde apuntarán sus ojos: hacia el León de Oro, una de las estatuillas más deseadas del séptimo arte

Hoy inicia la Mostra de Venezia

La Mostra de Venecia se inaugura hoy oficialmente con la proyección de la película “Atonement,” de Joe Wright, y con ella también empieza el desfile de estrellas, como la actriz Keira Knightley, protagonista del filme.

Aunque los pases para los periodistas con sus respectivas ruedas de prensa han comenzado hoy a las 08.30 hora local (06.30 GMT), la inauguración oficial se hará a las 19.00 horas.

Así pues, a falta de los retoques finales, Venecia está preparada para la inauguración de su 64 edición de la Mostra, en un año en el que cumple su 75 aniversario, lo que le acredita como el festival de cine más antiguo del mundo.

Para celebrarlo, los responsables de la Mostra han preparado toda una serie de acontecimientos cinematográficos que van desde la proyección de clásicos como “Blade Runner: Final Cut” hasta la reposición de un ciclo del “spaguetti western” que se abre con la película “Per un pugno di dollari” en alta definición.

Con todo, el plato fuerte será, como cada año, la sección de competición, en la que la Mostra sigue acercándose al aspecto más mediático de la industria con la aspiración de convertirse en el escaparate europeo de Hollywood.

George Clooney, Brad Pitt, Michael Cain, Quentin Tarantino, Adrien Brody, Jude Law, Richard Gere, Tommy Lee Jones, Bill Murray, Sidnay Pollack, Charlize Theron, Susan Sarandon, Cate Blanchett, Julianne Moore, Brian de Palma y, quizá, hasta el mismísimo Woody Allen, son algunas de las caras que se verán este año en el Festival.


En total, once días de cine en los que podrán verse 4.585 filmes de los que 3.122 son largometrajes

Owen Wilson y un intento de suicidio

"Con todo respeto les pido a los medios de comunicación que me permitan recibir atención médica y curarme en privado durante este difícil momento." El comunicado emitido por el actor Owen Wilson fue dado a conocer ayer por la tarde a través del sitio TMZ.com, especializado en monitorear la vida de las estrellas de Hollywood. Aunque sin demasiado de ese respeto que reclama el protagonista de films como Starky & Hutch , Zoolander y Tres es multitud , entre otras comedias. Unas horas antes, la noticia de su internación por un supuesto intento de suicidio había dado la vuelta al mundo. Según los informes de varios medios sensacionalistas, el intérprete de la nariz de curvatura imposible y hablar cansado típico de su Texas natal, había sido encontrado por su hermano Andrew en su casa con las muñecas superficialmente cortadas tras haber consumido una cantidad indeterminada de pastillas para dormir. Internado desde el domingo a la tarde en el centro médico Cedars- Sinai, de Los Angeles, el actor de 38 años se encuentra "en buenas condiciones", según indicó una vocera del hospital.

El rubio es uno de los comediantes hollywoodenses más cotizados además de tener una importante actividad en el cine independiente. Compañero de universidad del director Wes Anderson, Wilson comenzó su carrera colaborando con él tanto frente a las cámaras como escribiendo los guiones de los films Botlle Rocket, Tres es multitud (en realidad se llama Rushmore pero aquí se le puso este título que luego se repitió en la comedia del año pasado ya mencionada) y la maravillosa Los excéntricos Tenenbaum por la que Wilson recibió una nominación al Oscar al mejor guión original. En aquella película el actor que protagoniza también Darjeeling Limited , también de Anderson, interpretaba al inseguro, adicto y exitoso autor Eli Cash. Listo para probar cualquier método de autodestrucción que le consiguiera la atención de sus amados Tenenbaum, Cash parece ser la encarnación que más se parece al Wilson de la vida real. Ojalá que allí, como en la ficción, el actor encuentre un final más feliz

'Todo sobre mi madre' sube a las tablas del Old Vic

Con la adrenalina disparada y los nervios a flor de piel arrancó anoche la primera función, todavía en preestreno, de la adaptación teatral de Todo sobre mi madre en el Old Vic, de Londres. "Esto es un caos. Menos mal que Pedro no ha querido venir a los ensayos", exclama el irlandés Tom Cairns, director del montaje, el primero en décadas que Almodóvar ha consentido hacer de una de sus películas. "Su opinión es la única que me interesa. Estoy nervioso y expectante por ver su reacción", dice Samuel Adamson, dramaturgo australiano y adaptador del galardonado filme. "Sí, de los críticos ya nos preocuparemos más tarde. Lo inquietante es saber si Pedro nos da el aprobado en este duro examen", añade el director con buen humor.

La espera será corta. Almodóvar caminará por la alfombra roja del Old Vic el día 4, para asistir al estreno de All about my mother en inglés y en el estrado. "La historia es, esencialmente, la misma, pero contada en claves teatrales. Es una celebración de las mujeres, de las actrices y del teatro", reconoce Cairns. En la aventura se han embarcado reconocidos profesionales del teatro, la televisión y el cine británicos: Diana Rigg es la nueva Huma Rojo que interpretó Marisa Paredes en la película; Lesley Manville se apropia de Manuela (Cecilia Roth); Joanne Froggatt encarna a la hermana Rosa (Penélope Cruz); Mark Gatiss es el travesti Agrado (Antonia San Juan), y Colin Morgan representa a Esteban (Eloy Azorín), el hijo que Manuela pierde en un accidente de tráfico.

El proyecto nació hace tres años con un primer borrador de la adaptación que despertó la curiosidad del cineasta manchego. "Le interesaron los puntos que diferían de su guión y se mostró muy desconfiado de las áreas fieles al filme. Su respuesta supuso una liberación para mí. Supe entonces que podía arriesgarme más y crear una estructura específica para el teatro", recuerda Adamson.

"Pedro siempre dejó claro que el teatro no es la esfera de su trabajo, y que con sentir que éramos respetuosos con el original le era suficiente. Nos dejó hacer sin ejercer de gran hermano", añade el director. "Se ha involucrado en todas las fases del proyecto, aportando sugerencias positivas. Lo maravilloso de su actitud es que siempre está dispuesto a dejarse convencer", puntualiza el adaptador.

Almodóvar quería trasladar la acción a Londres, pero se dejó persuadir de que las dos localizaciones del filme, Madrid y Barcelona, encajaban en la obra de teatro. "Es una pieza tan española que sería perverso trasplantarla al extranjero". Ésta es la historia del viaje de Manuela desde Argentina a Madrid y Barcelona, y de vuelta a Madrid. A lo largo del viaje, toma decisiones que cambiarán su vida.

Los cambios más visibles afectan al personaje de Agrado, cuyo monólogo frente a una audiencia ficticia conduce ahora la acción. También Esteban gana una mayor presencia en el estrado, emergiendo de la sombra de la muerte para impactar en las vidas de todas esas mujeres a las que se dedica tanto el filme como su versión teatral.

All about my mother irrumpe en el teatro gracias a la determinación de un productor primerizo, el australiano Daniel Sparrow, por ganarse la confianza de Almodóvar. Atrajo al proyecto a las productoras de Sam Mendes y Kevin Spacey, quien ha cedido el teatro que él dirige, el legendario Old Vic, al montaje de Cairns. "Spacey nos ha permitido pilotar el proyecto con absoluta libertad. No interfirió en su fase inicial, ni nos presionó pidiendo resultados antes de tiempo. Sólo ha aparecido en el teatro en los últimos días de ensayos técnicos, cuando se agradece su presencia y su apoyo", señala el director.

Acercandose al Final : Los Soprano

Hoy "Los Soprano" llegan a su final. Será el último capítulo de una producción que tuvo a la audiencia a sus pies durante ocho años. Pero si para el público es un tema su fin, para el elenco aún más. El fin de la serie que los puso en el mapa despierta en ellos una sensación de duelo. Pero también de gratitud, especialmente a Dave Chase, el creador de la serie y también hacia James Gandolfini, quien le dio cuerpo al mafioso Tony Soprano. La mayoría del elenco coincide en que nunca más tendrán roles a la altura de éstos. ¿Puede Tony Sirico llegar a hacer de alguien tan inimitable como Paulie Walnuts? ¿Podrá James Gandolfini usar algún vestuario que le encaje tan bien como esa bata blanca que usaba Tony? Ellos lo tienen claro y aquí cuentan por qué.

James Gandolfini (45):

Tony Soprano

La única persona que no expresa lamentos a la hora de alejarse de "Los Soprano" es el hombre más hablador. "Obviamente esto cambió mi vida", dice James Gandolfini. Y agrega: "pero lo he superado. Estoy aliviado". Es que mantener vivo a Tony, incluso hablando figurativamente, tuvo su precio. Steven R. Schirripa, quien hacía de cuñado de Tony, dijo que al final de la serie, Gandolfini "se veía como alguien que se ha sacado el peso de un piano de encima".

Gandolfini tomó en serio su liderazgo en el show, más claramente luego de su problemática negociación de sueldo al principio de la quinta temporada. Un obstáculo no menor que llevó a HBO a detener la producción. Cuando volvió al set, Gandolfini invitó privadamente a una lista de sus colegas a su trailer, y uno por uno, les dio un cheque de diez mil dólares, diciéndoles, en palabras de uno de ellos, "gracias por aguantarme".

De su esposa en la televisión, interpretada por Edie Falco, Gandolfini dice: "Edie es como una fuerza de la naturaleza. Cuando hacíamos una escena, y ella se enojaba, me sentía pequeño".

A pesar de llamarlo "el trabajo más satisfactorio que jamás volveré a tener", Gandolfini no está mirando para atrás. "No, estoy muy listo para el cambio", cuenta.

Edie Falco (43):

Carmela Soprano

Edie Falco aún no puede enfrentar este final. "Hemos tenido muchos altos. Así que todavía me puedo engañar diciéndome que éste es uno más".

Para ella ha sido satisfactorio desde el principio, cuando se identificó con Carmela, la esposa del mafioso, aunque nunca pensó que ganaría el papel. "Yo no encajaba en cómo se veía una esposa italiana según lo que los creadores del show pensaban". Pero una vez que usó el vestuario necesario, lo consiguió. Para Falco hubo un momento especial de la serie, un recuerdo con la actriz Nancy Marchan - su suegra en el show- que estableció el estándar de trabajo en "Los Soprano": "Mi personaje, Carmela, hacía una fiesta con comida por todos lados. Estábamos grabando a las tres de la mañana. Todo el mundo se estaba cayendo de cansancio. Nancy está fuera de cámara y toma un pedazo de salame de una de las bandejas y, tratando de hacerme reír, lo empieza a pegar contra su lengua. No podía parar de reírme. Y pensé: ¿quién en este mundo lo pasa mejor que yo?". Era pura diversión.

Lorraine Bracco (52):

Dr. Jennifer Melfi

El diagnóstico de la psiquiatra Melfi que decía que Tony Soprano era un psicópata, daba justo en el blanco. Eso dice Lorraine Bracco. "Pero mi rol siempre creyó que realmente podía ayudar a Tony", añade. "Pienso que si Hitler hubiera llegado a la consulta de la doctora Melfi, ella hubiera tratado de hacerlo cambiar. Creo que ella ayudó a Tony a ser un mejor marido".

La doctora Melfi tuvo sólo un roce con el lado oscuro de Tony, cuando fue brutalmente violada y tuvo la oportunidad de venganza con sólo decirle a Tony que eliminara a su agresor: "Melfi es la línea moral que cruza la serie", dice Bracco. "¿Dónde podríamos haber ido con eso?". Para Bracco, los mejores momentos de la experiencia Soprano fueron las escenas que compartió a solas con Gandolfini, en la consulta. "Sentí que fue como boxear contra Muhammad Alí. Realmente me tocó un James Gandolfini en su mejor momento".

Jaime-Lynn Sigler (26):

Meadow Soprano

Tenía 17 años en el primer episodio. "Los últimos nueve años se sienten casi como un sueño", dice Sigler. El episodio que más la marcó fue de la primera temporada, cuando Tony lleva a Meadow a comprar cosas para la universidad, sólo para volver y eliminar a un soplón. En la revisión del guión, Gandolfini, quien se sentaba en un sillón de cuero, la recibió como a una igual, cediéndole la silla. "Me dijo 'éste es tu episodio"', recuerda ella.

Robert Iler (22):

A.J. Soprano

Habiendo pasado casi la mitad de su vida interpretando al hijo de Tony Soprano, Iler dice que apenas recuerda un momento en que no fuera un Soprano. Sus ratos más exigentes ocurrieron esta temporada con el intento de suicido de A.J. ¿Piensa él que Tony era un buen padre? "Sí", dice Iler, pero añade: "pienso que a veces quería a su hijo, pero que la mayoría del tiempo lo odiaba".

The New York Times

Esta noche se despiden Los Soprano

En la última escena, la familia en pleno se reúne en un restaurante. Pero lo que prometía ser una cena tranquila tendrá un final inesperado... del que habrá que enterarse mirando el último capítulo de Los Soprano, hoy a las 22 por HBO. La serie ganadora de 18 premios Emmy (hasta ahora), que protagonizan James Gandolfini, Edie Falco y Lorraine Bracco, termina con un episodio escrito y dirigido por su creador, David Chase.

Las aventuras del mafioso Tony Soprano, su esposa, su analista, sus secuaces y sus enemigos deslumbraron a la crítica y a la audiencia a lo largo de sus 86 episodios. El final abierto y abrupto originó, sin embargo, no pocas controversias en los Estados Unidos. Y también tuvo sus repercusiones. Tanto que justamente esas escenas fueron las elegidas por Hillary Clinton para una parodia con la que presentó la canción de su campaña para la presidencia de su país.

Pero antes de esa escena controvertida, el público podrá ver al capo mafioso de Nueva Jersey sacándose de encima a su rival Phil Leotardo, tras lo cual rinde homenaje a sus hombres caídos, visita a su senil tío Junior en su residencia y escucha las arengas políticas de su hijo AJ. Después, la sorpresa, y la eterna pregunta: ¿no volverán nunca más Los Soprano?

Black Book de Paul Verhoeven

El holandés Paul Verhoeven siempre ha sido detrás de cámaras un hombre vehemente al retratar a sus protagonistas. Los personajes están dispuestos a todo, sea la asesina del picahielos de Bajos instintos, el policía de RoboCop o una stripper de ShowGirls. La protagonista de Black Book tiene casi todo perdido, salvo el tesón y un amor propio a prueba de nazis y traiciones.

Uno de los méritos de este regreso de Verhoeven a su tierra se encuentra en cómo aborda el tema de la persecución y, más aún, en cómo enjuicia a la Resistencia holandesa y en darle sentimientos a algún personaje nazi (el que compone Sebastian Koch, el perseguido en La vida de los otros), aunque cueste creer que un tipo tan amable haya escalado tanto en una maquinaria criminal como la que encabezó Hitler.

La película que marca el regreso del director de El vengador del futuro a Holanda comienza en Israel, por 1956. Una visitante se cruza con una mujer en un kibutz, y a partir de allí todo será un extenso racconto.

"Rachel, no debes ser tan confiada; no en tiempos como éstos", le recomendaban a fines de 1944. Rachel (Carice van Houten), una cantante que debió abandonar su vocación con la llegada de los nazis, ha perdido todo, o casi todo. Al profesar la religión judía, está refugiada en la casa de una familia cristiana, pero cuando ésta vuela en pedazos, trata de huir, cruzando la frontera en una embarcación. En verdad ella, sus padres y su hermano son víctimas de una emboscada en la que intervienen nazis y algún infiltrado que negocia y se aprovecha de judíos ricos para quedarse con sus pertenencias.

Salvada por la Resistencia holandesa, Rachel conocerá a Müntze, un oficial de la Gestapo (Koch), del cual increíblemente, o no, se enamorará, y él también. Su contacto con el jerarca nazi, como amante y secretaria que trabaja para el régimen, le sirve a la Resistencia para instalar micrófonos y ayudar a rescatar prisioneros. "¿Cuánto estás dispuesta a dar?", le inquieren, y ella responde con la misma simpleza con la que se desnuda: lo que sea necesario. Pero la pregunta "¿La vida de un judío vale más que la de un buen holandés?" no necesita respuesta.

Por suerte, cuando parecía perdido, y como si respirar el aire de su patria lo devolviera a mejores tiempos, Verhoeven regresa a los climas de El soldado de Orange. Pero también es cierto que Black Book —el título avisa, tal vez, demasiado— es obra de un hombre que ha sabido filmar escenas de acción, suspenso y erotismo, por lo que el relato estará condimentado con suficientes situaciones como para entretener y agarrar al espectador por casi dos horas y media.

El guión está estructurado en tres grandes partes, la tercera de las cuales es tal vez la más rica. La guerra ha terminado y llega el momento en el que los holandeses revisan el pasado inmediato y Verhoeven muestra cómo se castiga a los que ayudaron al régimen. Terrible y espectacular, Black Book no dejará indiferente a nadie

Nicole Kidman volverá a trabajar con director de "Las Horas"

La actriz australiana Nicole Kidman protagonizará junto a Ralph Fiennes en la historia romántica "The Reader", que será su segunda colaboración con el director Stephen Daldry.

Kidman ganó el Oscar por su papel de Virginia Woolf en "Las Horas" ("The Hours", 2002), por lo que volver a trabajar con Daldry le trae buenos recuerdos. La cinta, basada en una novela de la autora alemana Bernhard Schlink, contará con un guión del propio Daldry y David Hare, dupla que también colaboró en "Las Horas".

Según informa Variety, el rodaje de la película se iniciará a partir de septiembre en Berlín, ya que la historia está ambientada en la Alemania actual. La historia se centra en los recuerdos de un hombre (Fiennes) sobre su "despertar erótico" con una mujer mayor en los inicios de la Segunda Guerra Mundial.

Kidman suma así un nuevo proyecto en su copada agenda, con una galería interesante de futuros estrenos: "The Invasion" -con Daniel Craig-, "Margot at the Wedding" y "The Golden Compass".

El cine que viene...

La industria de Hollywood no se contenta con un verano millonario. Tras una cartelera estival que ha superado los ingresos de taquilla del verano 2006, la nueva colección otoño-invierno de estrenos busca tanto el dinero como el prestigio del Oscar. Títulos como Michael Clayton y Leatherheads, con George Clooney como cabeza de cartel, compiten con las dos nuevas películas de Javier Bardem, No country for old men y El amor en los tiempos del cólera, en la lista de los títulos más esperados.

El verano se acerca a su fin y la taquilla estadounidense ha llegado a superar los récords alcanzados hace tan sólo un año. A falta de que Hollywood cierre su contabilidad estival el primer lunes de septiembre, fecha en la que oficialmente se da por concluido el verano en Estados Unidos, la recaudación va tan sólo un 1% por debajo de la obtenida en 2004, año que hasta ahora mantiene el récord histórico. Pero, con los nuevos estrenos, la industria se juega algo más que sus ingresos. Lo que está en liza es su prestigio y, en última instancia, el Oscar. A partir de ahora, y sobre cuando se aproxime el fin del año, Hollywood descargará sobre el público una cartelera en la que se encontrará la película del año, esa que el próximo febrero se alzará con la preciada estatuilla.

El desembarco tendrá lugar en los festivales cinematográficos más conocidos. Allí llegará Clooney con su filme de suspense Michael Clayton, en el que personificará a un abogado neoyorquino especializado en resolver los peores problemas personales de sus clientes. Una cinta dirigida por el novel Tony Gilroy con la que Clooney volverá a repetir el doblete de 2005, al estrenar semanas más tarde Leatherheads, su nueva cinta como director y guionista, una comedia romántica con cierto sabor a pasado que también protagoniza. Es una repetición de la jugada que el pasado año le llevó al Oscar por su trabajo como actor en Syriana, tras lograr un total de cuatro candidaturas, incluida la de productor, por Good Night, and Good Luck.

En los escaparates

Sin Oscar en su haber y entre rumores de su posible adiós al mundo de la interpretación, el otro galán más idolatrado de Hollywood, además de amigo personal de Clooney, Brad Pitt, también presentará en Venecia su estreno antes de que The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford llegue a las pantallas estadounidenses el 21 de septiembre. La cinta dirigida por el neozelandés Andrew Dominik, autor de Chopper, sobre el asesinato del pistolero más rápido del Oeste también pasará por el Festival de Toronto en un intento de ganarse la máxima popularidad posible para sobrevivir la dura competición del otoño.

El Festival Internacional de Cine de Toronto, que se inaugura el próximo 6 de septiembre, se ha convertido en uno de los mejores escaparates de la cartelera para los futuros galardones del público y la crítica. Por allí tiene previsto también su paso No country for old men, con Javier Bardem y Tommy Lee Jones bajo la dirección de Joel y Ethan Cohen. Se trata de una historia de caos y violencia desatados cuando un cazador se topa con unos cadáveres, una bolsa de heroína y más de dos millones de dólares. También será el actor español protagonista de El amor en los tiempos del cólera, basada en la novela homónima de Gabriel García Márquez y que se estrena el 16 de noviembre en EE UU. "Es mi libro preferido, pero también me ha dado la oportunidad de trabajar con mi actor favorito", dijo a la prensa una ilusionada Catalina Sandino Moreno, actriz que, como Bardem conoce los oscar, ella gracias a su candidatura como mejor actriz por María llena eres de gracia, él como mejor actor con Antes que anochezca.

Claro que la joya de la corona en Toronto está en manos de una actriz tres veces candidata al Oscar y condecorada con la estatuilla como mejor actriz secundaria con El aviador. Se trata de la australiana Cate Blanchett y su trabajo en The Golden Age. La continuación de Elizabeth tendrá en Toronto su estreno mundial el próximo 6 de septiembre con la presencia de Geoffrey Rush, de nuevo en el papel del consejero de la reina Elisabeth, y con el añadido de Clive Owen como sir Walter Raleigh, en una cinta que dirige de nuevo su artífice original, Shekhar Kapur. Otro esperado estreno de época previsto para diciembre en Estados Unidos es el de The Other Boleyn Girl, filme de Justin Chadwick donde las dudas sobre su calidad quedan superadas por el morbo de su reparto: Natalie Portman, Scarlett Johansson y Eric Bana, sex symbol para todos los gustos.

Lo que deja clara la cartelera que ahora se vislumbra para lo que queda de año es que no se han olvidado de llos filmes para todos los públicos. El público infantil y juvenil volverá a los cuentos de hadas con Enchanted, la réplica de los estudios Disney al éxito de Shrek pero en imagen real. Jodie Foster se tomará la justicia por su mano en The Brave One, cinta de Neil Jordan que también debutará en Toronto antes de su estreno en septiembre en las pantallas estadounidenses, y Ridley Scott asegura que American Gangsters, con Russell Crowe y Denzel Washington, es la mejor cinta del género de mafiosos desde El Padrino. A Nicole Kidman no le falta trabajo y al estreno hoy de The Invasion, nueva versión de La invasión de los ultracuerpos, suma entre noviembre y diciembre, respectivamente, la llegada del filme independiente Margot at the Wedding y el épico The Golden Compass, en el que junto a Daniel Craig espera sentar las bases de una nueva trilogía que emule el éxito de El señor de los anillos.

Mientras, su ex marido Tom Cruise intentará recuperar una credibilidad mancillada en sus últimos filmes con Lions for Lambs. La nueva cinta de Robert Redford como director rodea a Cruise de un poderoso reparto que incluye al propio Redford y a Meryl Streep. Cruise interpreta a un congresista que, junto a una periodista y a un profesor universitario, se interesa por la investigación de dos soldados estadounidenses heridos en Afganistán.

La moda otoño-invierno también incluye este año grandes dosis de música con Across the Universe, una mezcla de imagen real, animación y canciones de los Beatles de la mano de Julie Taymor (directora de Frida y de la versión teatral de El rey león), y Sweeney Todd, un musical de los pies a la cabeza, con Johnny Depp como "el barbero diabólico de Fleet Street" de la obra de Stephen Sondheim, que el popular pirata del Caribe entonará a las órdenes de Tim Burton.

Y si lo que busca el espectador es el gran espectáculo, lo hallará en Beowulf, el filme de Robert Zemeckis basado en un cómic de Neil Gaiman (el último amor de Hollywood a la hora de buscar ideas en el mundo de la historieta), donde el plato fuerte, más allá de una historia inspirada en una leyenda popular, es el nuevo uso de la animación por ordenador para recrear la interpretación de sus actores, un proceso que el llamado genio de los efectos especiales promete haber llevado más allá de los ya apodados "niños muertos" que poblaban el éxito de su anterior incursión en este terreno con The Polar Express

Una descarnada comedia juvenil se apoderó de la taquilla norteamericana

La descarnada comedia juvenil "Superbad" se apoderó de la taquilla norteamericana y fue la más vista durante el fin de semana, según cifras provisorias divulgadas por la empresa especializada Exhibitor Relations.

"Superbad", que cuenta la historia de dos amigos no muy listos y obsesionados por las mujeres, recolectó 31,2 millones de dólares en entradas, en las cerca de 3.000 salas en las que se proyectó.

La comedia desplazó al segundo lugar a "Rush hour 3", la última entrega de la exitosa franquicia que combina artes marciales con comedia y que protagoniza Jackie Chan, con 21,8 millones de dólares recaudados.

La tercera parte de las aventuras del espía amnésico Jason Bourne, encarnado por Matt Damon, "The Bourne Ultimatum", se quedó con la tercera posición con 19 millones de dólares en entradas, para un total recaudado de 163,8 millones en tres semanas en la pantalla grande norteamericana.

El cuarto lugar del podio fue ocupado por la película de una de las familias más famosas de Estados Unidos, Los Simpson, que lleva a la pantalla grande las cómicas situaciones del popular show televisivo de dibujos animados que se emite desde 1989. Consiguió 6,6 millones de dólares, para un acumulado de 165,1 millones en cuatro semanas.

Por debajo, se ubicaron "Invasion" con Nicole Kidman (6 millones) y "Stardust", un filme fantástico con los actores Robert De Niro, Michelle Pfeiffer, Claire Danes y Peter O'Toole (5,2 millones de dólares).

"Hairspray", comedia musical en la que John Travolta encarna a una señora bastante pasada de kilos, se colocó en la séptima posición, con 4,2 millones en entradas vendidas, en su quinta semana de proyección.

La película de acción "Underdog", con un perro como superhéroe, obtuvo el octavo escaño (3,6 millones de dólares), seguida por "Harry Potter y la orden del Fénix" (3,5 millones). Tras seis semanas en el cine, el quinto filme del joven mago ha reunido 278,6 millones de dólares en Norteamérica.

Y el humor crudo de "Chuck and Larry" cerró la lista de las diez películas más vistas el fin de semana en los cines de Estados Unidos y Canadá, con 3,4 millones de dólares

Madonna se confiesa esta noche via A&E

Sexo, política y religión son los tres ejes sobre los que se cimentó la fama de Madonna, y provocativa y osada, dos de los adjetivos que se han usado hasta el hartazgo para definir sus shows. Pues bien, las presentaciones del Confessions Tour reunieron todos estos elementos en un marco de espectacularidad, coreografías imponentes y una diva que, una vez más, cambió su piel y salió victoriosa. A&E estrena esta noche, a las 22 -sin censura, aclara la señal-, uno de los conciertos que la cantante ofreció en Londres el año pasado, en el que recorrió su extensa trayectoria y, por supuesto, recibió tanto la aprobación de los fans como el repudio de sectores religiosos. ¿Cuál fue el motivo, en esta ocasión? Parada sobre una cruz de espejos y luciendo en su blonda cabellera una corona de espinas, la diva rememora la crucifixión de Cristo

Nicole Kidman revive un clásico del cine de terror

Es un hecho. La australiana Nicole Kidman es una de las actrices más solicitadas y glamorosas de la actualidad. Ganadora del Oscar por "Las horas", es también una de las más ocupadas: desde 2001 nunca ha estrenado menos de dos películas por año. Por lo mismo, la actriz está más expuesta que otras a los vaivenes de la crítica. La han aplaudido por cintas como "Moulin rouge" y "Regreso a Cold Mountain", pero también ha recibido duros comentarios por cintas como "Hechizada". Ayer, Kidman volvió a experimentar otro tropiezo, esta vez con "Invasores", remake de una de las películas de terror más influyentes.

En 1956, Don Siegel dirigió la versión original de "Los usurpadores de cuerpos", sobre una invasión extraterrestre en un tranquilo pueblo de EE.UU. La película generó dos remakes antes del de Kidman, que dirigió el alemán Oliver Hirschbiegel ("La caída"). En esta versión, el pueblo es reemplazado por Washington D.C., donde trabaja la siquiatra Carol Bennell (Kidman). Ella descubre que la explosión que destroza la última misión espacial está detrás de una misteriosa enfermedad que se está propagando por la ciudad. El gobierno parece hacer caso omiso de la amenaza que, luego descubre, es extraterrestre. En la cinta también actúa Daniel Craig (James Bond).

La película, costó US$ 50 millones.

Pese al elenco taquillero y al debut en Hollywood del director de una cinta de culto, no fue bien recibida por la crítica. "Un estilizado pero olvidable thriller, sin personajes", escribió "Variety". Sin embargo, un traspié no parece preocupar a la diva. A fin de año estrena "La brújula dorada", también con Craig, uno de los seguros éxitos de taquilla de la temporada. Y ayer se acaba de anunciar su reunión con el realizador de "Las horas", Stephen Daldry, quien la dirigirá a ella y a Ralph Fiennes en la cinta romántica "The reader".

Otros estrenos

Este fin de semana también debutó en EE.UU. la cinta épica "The last legion", con Thomas Sangster, Colin Firth y la actriz india Aishwarya Rai. Narra la huida del emperador romano Rómulo Augusto luego que su imperio es atacado por los bárbaros.

También se estrenó la comedia "Superbad", escrita y producida por Judd Apatow, el mismo de "Virgen a los 40". Narra las aventuras de dos amigos de infancia en su último año de colegio.

Las confesiones del bebé del disco 'Nevermind' de Nirvana

Una de las imágenes más simbólicas del movimiento grunge, sin duda, es la carátula del disco Nevermind, la segunda placa de la banda Nirvana. La fotografía de un pequeño de tan sólo meses de vida, nadando sin ropa en una piscina y tratando de alcanzar un billete amarrado en un alambre, dio la vuelta al mundo de la mano de la banda de Kurt Cobain. La instantánea quedó estampada en posters, camisetas y todo tipo de souveniers y, de paso, transformó al novel protagonista de la fotografía en el bebé desnudo más famoso del universo musical.

Ya han transcrurrido casi dos decenios desde aquella sesión fotográfica de 1991 y el pequeño, Spencer Elden, ahora es un adolescente de 17 años que reside en California, Estados Unidos. Después de haber pasado toda su vida marcado como el bebé Nirvana, el adolescente ha confesado sentirse como una verdadera estrella pornográfica.

"Es algo espeluznante que tanta gente me haya visto desnudo", ha declarado a la cadena televisiva MTV. "Tengo la sensación de ser la estrella porno más grande del mundo", ha agregado Elden, quien en la actualidad es estudiante de instituto.

La imagen fue tomada por un amigo del padre del chico, el fotógrafo Kirk Weddle. "Me balancearon en la piscina, tomaron todo un rollo de fotos y listo", ha explicado el joven, cuyos padres cobraron 200 dólares por la sesión fotográfica.

El hecho de ser el bebé Nirvana le ha valido a Elven varias invitaciones a programas de radio y, también, cierto éxito con las chicas, según ha confesado él mismo a MTV . "Tengo que utilizar fórmulas realmente estúpidas, como '¿quieres ver mi pene por segunda vez?'", ha explicado Elden entre bromas.

El álbum Nevermind ha vendido más de 10 millones de ejemplares sólo en Estados Unidos y convirtió en millonarios a los miembros de la banda grunge liderada por el emblemático Kurt Cobain, que se suicidó en 1994 a los 27 años de edad.

Nikki Blonsky: La revancha de la gordita

Sueño americano cumplido, Cenicienta moderna, La revancha de la perdedora. Cualquier título trillado le cabría a la historia de Nikki Blonsky (18), una historia que reúne todos los clichés necesarios para encandilar a más de un productor poco

Para los parámetros socialmente correctos, Nicole Margaret Blonsky es más que petisa —mide 1,47 m— y tiene unos cuantos kilos de sobra. Conclusión: nadie le auguraba demasiado porvenir en un mundo tiranizado por la imagen. Y, desde chica, el mundo se encargó de gritárselo en la cara: "En la escuela —contó ella en diversas entrevistas— se burlaban de mí por ser diferente, pero aprendí a una edad muy temprana que las personas se ríen de otros porque se sienten inseguras sobre sí mismas. Decidí que si estas chicas necesitaban mofarse de mí para sentirse mejor, adelante. Que siguieran, porque a mí no me molestaba."

Esa fortaleza la encontraba en su hogar de clase media baja en Great Neck (estado de Nueva York), donde sus padres —un empleado municipal y una ordenanza escolar— no la sometían a tortuosas dietas ni pretendían que se ajustara al modelo televisivo imperante. "Nunca me hicieron sentir diferente por los talles de mi ropa o por ser baja. Yo sabía que era distinta, pero ellos me decían que era hermosa y que podía hacer cualquier cosa que me propusiera. Con padres así, no tenés más opción que tener confianza en quién sos y estar orgullosa de ello."

Poco después de aprender a hablar, empezó a cantar: tenía 3 años. A los 8, fascinada por Mary Poppins y musicales por el estilo, ya sabía que quería dedicarse a eso y tomó sus primeras clases. En la secundaria —la Great Neck South High School, especializada en arte dramático y musical— actuó en varias obras y, pese a las burlas, protagonizó Los Miserables y Carmen. Para festejar su cumpleaños de 15, la llevaron a Broadway a ver Hairspray, el musical basado en la película de 1988 del revulsivo John Waters. Quedó encantada con la obra y, sobre todo, con el personaje principal, Tracy Turnblad. "Fue la primera vez que me sentí verdaderamente conectada con otra persona a nivel espiritual. Dije: Dios mío, esa chica entiende lo que pienso. Estamos cortadas por la misma tijera".

Enseguida se propuso hacer el papel de la rechoncha heroína que, contra todos los prejuicios estéticos, se destaca en un programa televisivo de rock en la racista Baltimore de los '60, y desde allí lucha contra la segregación racial. Pero le dijeron que era demasiado joven. Cuando cumplió 17, descubrió que estaban buscando a alguien sin demasiada experiencia, de entre 17 y 24 años, para que hiciera de Tracy en la película basada en el musical. Mandó un video con algunas de sus canciones; el video casi se pierde en el laberinto burocrático de la productora, pero finalmente lo encontraron y gustó. Nikki estuvo cinco meses sometiéndose a casting tras casting: había mil aspirantes a conseguir el lugar.

Mientras, ella seguía con su trabajo en una heladería de Long Island. Allí cayeron, un día, varios camarógrafos y periodistas. Le dijeron que estaban filmando la vida cotidiana de las cuatro finalistas, pero de repente, bien a lo yanqui, le anunciaron en vivo, por el popular programa Entertainment Tonight, que era la elegida. "Me caí de la silla llorando y gritando, moviendo los brazos frenéticamente." Era un final feliz. O, en realidad, un comienzo: dicen los especialistas que es la gran revelación de la película. "La moraleja de Hairspray, y también la de mi vida, es que tenés que estar seguro de lo que sos para gustar. Tenés que encontrar la pasión en tu interior y seguir tus sueños, no importa cuál sea tu aspecto. Al final, lo que importa es el talento y el amor, no el largo del pelo ni el tamaño de las caderas". Muy lindo, pero ¿qué pasará de cuando el efecto Hairspray se diluya? "Estoy encantada de ser diferente en esta industria. Rezo por que haya más papeles para las grandotas. Me gustaría actuar en otros musicales, pero también en dramas o comedias. Si no, no hay problema: vuelvo a la heladería, me como un cucurucho de crema, y listo." imaginativo de Hollywood: la adolescente gordita, discriminada, empleada en una heladería, que un buen día es elegida para protagonizar un musical y se convierte en estrella.