Hard Candy

Cuando Lensman319 conoció a Thonggrrrrl14, el mito fue pervertido: Caperucita se comió al Lobo. El sentido común les dice a las chicas que no se dejen engañar por el adulto que se esconde en un nickname y por eso la trama de la película Hard Candy es revulsiva: la lolita abusa del mayor.

Si la tradición maternal aconseja "¡nunca aceptes una golosina de un extraño!", los tiempos modernos ponen la cosa bastante más dura para el caramelito: Hard Candy cuenta la historia de Hayley ("Thonggrrrrl14"), una vampiresa de 14 que chatea con Jeff ("Lensman319"), un fotógrafo de 32 que la invita a tomar un café. Y después a su casa, para escuchar el MP3 de un recital de Goldfrapp... ¿Lobo está? El afiche la muestra a ella como una Caperucita Roja en la trampa, pero no llegó hasta ahí por casualidad y, segura de que él violó y mató a otra chica, se convierte en una Buffy, pero sin vampiros.

En la batea "Thriller psicológico" deberá ubicar el dueño del videoclub a Hard Candy cuando aparezca en DVD, si es que todavía no inauguró el rubro "Pedofilia" con semejante aluvión de películas sobre "el tema". Como en todas esas historias donde la psicotortura se convierte en una dulce condena (de El inquilino a El ángel malvado), ella le hace a él mil diabluras en una tarde, pero siempre: con carita de inocencia.

"¡Es tan fácil culpar a una niña!", se lamenta la perversita, dos minutos antes de sacarse el disfraz de cordero. La película empieza en un salón de chat y termina encima de un tejado, y el 90 por ciento de sus 103 minutos transcurren durante la charla en un salón (el de la casa de Jeff): él podría ser un pedófilo, o quizá no; y ella es una adolescente resentida, que podría tener demasiada imaginación. Mientras tanto, el público discute la trama en Internet, donde los foros se acaloran en el debate que cuestiona la "culpabilidad" de la víctima.

Hard Candy es el debut de David Slade, director de Stone Temple Pilots: Thank You, que combina la estética del clip con ambiciones de "autor". Y, aunque nunca fue estrenada en nuestro país, ya son varios los impacientes por descubrir a Ellen Page como Hayley, a la que sindican como "la Natalie Portman del futuro" y la que ante la pregunta impaciente del chatero ("¿cuándo nos vemos, bebé?") responde, tan angelical como le permite su perversión: "NOT a baby!".

Algunos datos

"HARD CANDY"

Participó en el Festival Sundance 2005.

ELLA: ELLEN PAGE

Es canadiense, tiene 19 y le dicen "la futura promesa de Hollywood". Ya la ficharon para X-Men 3.

EL: PATRICK WILSON

Famoso en Broadway, era actor de El fantasma de la Opera

Oscar: Primerizos y reincidentes

Hay formas y formas de entretenerse a la espera del Oscar. Hay quien se pone a examinar cada una de las candidaturas en busca de aquellos indicios que parecen señalar con claridad un forzoso triunfo o una derrota previsible. Hay quien se divierte investigando archivos, revisando antecedentes, haciendo comparaciones y –¡cuándo no!– armando listas: la de los que más veces se llevaron la estatuilla; la de los que ganaron en años consecutivos; la de los que acumularon mayor número de candidaturas; la de los que más veces estuvieron a punto de llevársela y siempre se fueron con las manos vacías; la de los que fueron olvidados crónicos y tuvieron que conformarse con uno de esos tardíos y culposos Oscar honorarios a la trayectoria que suelen llegar justo cuando la trayectoria, por lo menos en términos artísticos, ya está terminada.

Hay quien, por ejemplo, ha examinado cada rubro en particular para extraer conclusiones como ésta: por primera vez en veinticuatro años, los realizadores de las cinco candidatas al Oscar al mejor film son también los cinco candidatos al premio al mejor director. Esta comprobación, para desdicha de esa prensa especializada en vislumbrar una tendencia allí donde sólo hay un par de datos dispersos, no autoriza a detectar procesos incipientes ni elaborar hipótesis sobre mudanzas de comportamiento entre los votantes de la Academia. En todo caso, lo único raro es que esta coincidencia se haya dado sólo otras tres veces (1957, 1964, 1981) en la historia: la última de las cuales se produjo cuando Warren Beatty ("Reds"), Louis Malle ("Atlantic City"), Hugh Hudson ("Carrozas de fuego"), Mark Rydell ("En la laguna dorada") y Steven Spielberg ("Los cazadores del arca perdida") acapararon las nominaciones en las dos categorías. (Cuando llegó la hora del premio, tal coherencia se esfumó: los elegidos fueron Beatty y "Carrozas de fuego".)

Lo que no es tan raro, sabiendo de la debilidad que Hollywood siente por Spielberg, es que él haya sido parte de aquellos dos quintetos y también de los de este año. Con el realizador de "Munich", compiten ahora Ang Lee ("Secreto en la montaña"), George Clooney ("Buenas noches, y buena suerte"), Bennett Miller ("Capote") y Paul Haggis ("Crash").

Al lado de un veterano del Oscar como Spielberg (seis veces nominado, dos veces premiado) y de otro no tan veterano pero con experiencia de candidato como Ang Lee, aparecen tres debutantes en la categoría: Miller, Haggis y Clooney, lo que invita a revisar los otros rubros principales en busca de reincidentes y primerizos. Una forma como cualquier otra de entretener la espera. Ni hablemos de los guionistas: nadie podría hoy competir con Woody Allen, que llegó ahora, con el libro original de "Match Point", a su 14ª candidatura, de las cuales ya ganó dos: "Annie Hall, dos extraños amantes" (1977) y "Hannah y sus hermanas" (1986). Todo eso, sin contar las otras siete candidaturas que mereció como director y actor.

Pero si revisamos las categorías de actuación, se podrá comprobar que este año ganan los primerizos: son catorce entre los veinte nominados, el mayor número en nueve años. Aunque cueste asociar la palabra "primerizo" a gente que como George Clooney (44 años), Matt Dillon (41), Philip Seymour Hoffman (38) o David Strathairn (57) llevan docenas de films en muchos años de trayectoria. Pero, créase o no, nunca antes estuvieron en el umbral del Oscar. También son debutantes Rheese Witherspoon (29), Keira Knightley (20), Felicity Huffman (43), Heath Ledger (26) y Terrence Howard (36, y el único negro) entre los aspirantes a la estatuilla al mejor actor. A los que se suman Paul Giamatti (38), Jake Gyllenhaal (25), Amy Adams (26), Rachel Weisz (34) y Michelle Williams (25), entre los nominados como actores de reparto. No faltan los jóvenes entre los "veteranos" del caso, gente para la que la emoción de ser candidato no es ninguna novedad y que en algunos casos ya pasó por la experiencia única de llevarse el Oscar a su casa. Como Judi Dench (71 años), candidata por quinta vez y ganadora en 1998 por "Shakesperare apasionado"; William Hurt (55), que lo ganó en 1985 por "El beso de la mujer araña"; Frances MacDormand (48), triunfadora con "Fargo" (1996) y Charlize Theron (30), ganadora en 2003 por "Monster". Los otros dos, Catherine Keener (45) y Joaquin Phoenix (31) ya fueron nominados en otra oportunidad (ella, por "¿Conoces a John Malkovich?", 1999; él, por "Gladiador", 2000), pero nunca ganaron.

Un dato más: el promedio de edad entre los actores aspirantes al Oscar es de 38 años, contra los 41 de 2005. Al fin, algo podrán decir los ávidos pescadores de tendencias: Hollywood rejuvenece

Cruise, Cameron, Vaughn

Para elegir. A pocos meses de recibir a su primer hijo biológico y con el rodaje de "Misión imposible III" en el pasado, Tom Cruise ya está eligiendo su próximo proyecto. La revista "Daily Variety" señala que el actor está decidiendo entre tres propuestas. Primero, un remake del western "3:10 to Yuma" que dirigirá James Mangold ("Johnny y June: Pasión y locura"). Segundo, el thriller "Two minutes to midnight", de Adrian Lyne ("Atracción fatal"). Y tercero, la comedia de aventuras "Fools gold".

Ahora sí.

Ya es hora de que James Cameron ("Titanic") decida de una buena vez su próxima película. El director acaba de encargarle a la guionista Laeta Kalogridis (que escribe "Battle angel", también de Cameron) la escritura de un proyecto llamado "The dive". Basado en un hecho real, sobrelas experiencias de una submarinista llamada Audrey Mestre, que murió tratando de romper un récord. No se sabe cuál de los dos proyectos antes mencionados filmará primero.

Comedia.

Desde que se transformó en el novio de Jennifer Aniston, aunque ninguno ha reconocido la relación, todo el mundo está pendiente de los pasos del actor Vince Vaughn. Y en su nueva película vuelve al género que más le acomoda. Vaughn protagonizará la comedia navideña "Fred Claus", que se centra en el rebelde hermano de Papa Noel. El éxito de sus últimas películas y su nuevo estatus de figura farandulera parecen traerle dividendos: Vaughn estaría negociando un sueldo de US$ 20 millones

Las Torres Gemelas no es un filme político, dice Oliver Stone

Las Torres Gemelas no será la primera cinta en abordar directamente el tema de los atentados terroristas del 11 de septiembre de 2001. A Vuelo 93, con fecha de estreno para junio, se suma el filme colectivo 11 de Septiembre, el célebre Fahrenheit 9/11, de Michael Moore, y la poco exitosa The Guys (2002). Sin embargo, es una producción de Hollywood, trata del derrumbe del World Trade Center neoyorquino y tiene tras la cámara a Oliver Stone, destacado cronista de la historia reciente de EE.UU.

Basado en hechos reales ocurridos durante la operación de salvataje, la cinta sigue los pasos de John McLoughlin (Nicolas Cage) y William J. Jimeno (Michael Peña), dos policías portuarios que fueron rescatados de entre las ruinas de las Torres Gemelas luego de quedar atrapados en su intento por evacuar a los sobrevivientes del desastre. Sólo 20 personas fueron rescatadas y los policías fueron los últimos.

Un documento

Reconocido por la teoría de conspiración que expuso en JFK (1991), así como por su particular mirada a los hitos norteamericanos que marcaron a la generación de los '60 -en Pelotón, Nacido el 4 de julio, The Doors y Nixon, entre otras- el controvertido director estadounidense habló por primera vez sobre el filme cuyo rodaje finalizó hace un par de semanas y que se encuentra en la etapa de postproducción. Y lo hizo hace unos días en el Festival Internacional de Cine de Bangkok, donde se le dedicó una retrospectiva integral y un homenaje a su carrera. En la ocasión afirmó que, contra lo que pueda esperarse, en su película sobre el derrumbe de las Torres Gemelas no habrá teorías conspiracionales ni dardos contra la Casa Blanca.

Se trata, a su juicio, del "sincero intento por describir el aspecto humano de la tragedia más grande que vivió Nueva York en el siglo XX". Alejándose de diatribas políticas, Stone declaró que su película es "una especie de documento de 24 horas sobre los esfuerzos más que humanos de los bomberos. Los rescates, lo que vivían sus familias en casa, sus vidas, sus relaciones. Siempre me despertó curiosidad conocer cuál era su estado mental, en qué condiciones hicieron lo que hicieron".

Consultado por lo "intocable" del tema, se preguntó: "¿Están los Estados Unidos preparados para ver este filme? No lo sé ¿Pero están los Estados Unidos preparados para el sexo gay? Tampoco lo sé", aludiendo a Secreto en la Montaña, la cinta favorita de los próximos Oscar. "No estoy en el negocio de saber para qué están listos los Estados Unidos y filmar a la medida. Hago lo mío esperando lo mejor".

El estreno en EE.UU. de Las Torres Gemelas está agendado para agosto, poco antes de que se cumplan cinco años del mayor ataque sufrido por el país en su propio territorio. A Sudamerica, en tanto, el filme llegará a principios de noviembre

Palabra "Brokeback" pasa a formar parte del diccionario de Hollywood

La película Brokeback Mountain cuenta hoy con un nuevo honor en su lista de premios, ahora que el grupo Global Language Monitor incluyó el nombre de esta montaña como el término más popular de este año en Hollywood.

La organización sin fines de lucro encargada de vigilar las novedades en el lenguaje mediático bautizó el término Brokeback como el fenómeno cultural del año.

Aunque su traducción literal es "espalda partida", el término Brokeback se identifica con la historia de amor entre dos vaqueros que cuenta la película.

Como subraya Paul JJ. Payack, al frente de la asociación, la búsqueda en Google de la palabra Brokeback proporciona más de 38 millones de referencias.

Sin embargo, el filme favorito en esta edición de los Oscar tan sólo lo han visto 10 millones de personas en Estados Unidos.

"No hay duda de que la máquina de los sueños de Hollywood tiene un profundo efecto en el uso global del inglés", asegura Payack.

Brokeback se impuso sobre otras populares palabras del año nacidas en Hollywood como el término "brangelina", utilizado para hablar del romance entre Brad Pitt y Angelina Jolie.

En tercer lugar está la palabra "petronia", término de la película Syriana, que significa un miedo irracional al colapso de la industria del petróleo y la consiguiente crisis económica.

"Tuxedo" es el cuarto término más popular del año procedente de Hollywood, palabra que se traduce como esmoquin, pero que en la jerga de esta industria hace referencia al aire formal de los pingüinos protagonistas de La marcha de los pingüinos.

Según esta misma asociación, la pasada edición de los Oscar puso de relevancia en Estados Unidos el término pinot, un tipo de vino que hacía las delicias del protagonista de la película candidata Entre Copas

Reese Whiterspoon se convirtió en la actriz mejor pagada de la historia del cine

La estadounidense Reese Witherspoon se convirtió en la actriz mejor pagada de la historia, al firmar un contrato por 29 millones de dólares para protagonizar su próxima película.

Whiterspoon, de 29 años, superó a Julia Roberts como la actriz mejor pagada de todos los tiempos, al aceptar un contrato por 29 millones de dólares para su nuevo filme, la película de terror Our Family Trouble, informó hoy la cadena británica ITV.

Roberts había recibido 24 millones de dolares por su protagónico en el filme La sonrisa de Mona Lisa.

Reese está nominada para un Oscar como mejor actriz por su papel central en el filme Johnny y June: Pasión y Locura, biografíá de Johnny Cash, por el que ganó un Globo de Oro y un premio Bafta británico.

Nacida en Nashville, Tennessee, en 1976, Whiterspoon cuenta con una importante carrera cinematográfica, que incluye protagónicos en películas como Un Lugar muy Lejano (1993), Pleasantville (1998), Crueles Intenciones (1999), Sweet Home Alabama (2002) y La Feria de las Vanidades (2004).

Philip Seymour Hoffman : La película no es sobre el tema gay

A algunos actores les da por prepararse especialmente para los premios Oscar. Meses antes, cuando ya se los nombra como posibles candidatos, empiezan a acicalarse más que de costumbre, cambiar el peinado, ponerse a dieta, blanquearse los dientes y sonreír de manera simpática y amable cada vez que les hacen las mismas preguntas repetidas.

Philip Seymour Hoffman hizo todo lo contrario. El hombre que se transforma con cada papel —baja y sube de peso, cambia de voz, de contextura, de postura y da bruscos giros a su personalidad—, decidió que para la bendita ceremonia de los premios de la Academia de Hollywood iba a ser él mismo. ¿Qué significa esto? Estar más gordo que nunca, con el pelo largo y bien rubio, la barba despareja, cara de cansado y la postura física de alguien que preferiría estar sentado con una lata de cerveza viendo un partido de béisbol por la tele antes que la del "prestigioso intérprete" al que todos dan por seguro ganador del premio al mejor actor por su personificación del escritor Truman Capote en el filme de Bennett Miller, Capote.

O bien, ¿quién sabe?, acaso esta imagen más parecida a la de Homero Simpson sea una nueva actuación con la que Hoffman se entretiene durante las entrevistas. Una duda podría ser: ¿sabremos alguna vez quién es este tipo que se esconde detrás de personajes sexualmente obsesivos, violentos, moralmente corruptos, tímidos y tramposos?

El Hoffman que está en Berlín podría tranquilamente aplastar, o bien duplicar en peso y tamaño al famoso escritor de A sangre fría, la novela de no-ficción publicada en 1966 —y clave en la historia de la literatura de este siglo— acerca del asesinato de una familia a manos de dos hombres despiadados en un pueblito del sur de los Estados Unidos. Que este tipo de voz grave y gruesa, mirada intensa y estructura maciza haya logrado convencernos por dos horas de que era el frágil y pequeño Capote, con sus ademanes de diva y su voz mezcla de susurro y silbido, es un pequeño milagro. Pero el mayor milagro no es ése, sino que Hoffman logre que Truman nunca sea más caricaturesco de lo que el propio escritor era, haber captado y poder transmitir esa dualidad interior entre su fidelidad, amistad y deber hacia uno de los asesinos que le sirve de principal testimonio para escribir su novela, y la necesidad de que al hombre lo condenen para así poder terminar el libro y lograr el éxito literario que él, y todos alrededor suyo, esperan. De eso trata la película. Y de eso, Capote no se recuperaría jamás.

"Tenía mucho material para inspirarme —cuenta—. Hay un documental que hicieron los Maysles (Albert y David: With Love from Truman, de 1966), que me ayudó mucho. La verdad es que cuando acepté el trabajo no había leído ni sabía mucho sobre Capote. Cuando niño lo veía en talk-shows y cosas así. Sabía qué había escrito y por qué era famoso. Pero era bastante naif respecto a quién era, así es que no tenía ningún tipo de instinto como para interpretarlo ni una intención de desmitificarlo. Eran más bien aspectos de la historia y del guión que me fascinaron y me llevaron a leer la biografía y luego el libro y todo lo demás. Y mientras más leía, más me fascinaba.

"El guión se aleja de los lugares comunes del filme autobiográfico que recorre la vida de un personaje famoso. Aquí se centra sólo en su proceso de escribir "A sangre fría".

¿Te interesó al leer el guión?

Al ver la película, ves que presenta a alguien en una cierta coyuntura de "qué va hacer ahora". Capote es alguien que ya está bien establecido, pero podés ver que en verdad todavía no ha hecho esa gran obra que va a perdurar. Sos testigo de un artista y ves esa gran obra que se transformará en un clásico. Y ves lo que eso le hace a alguien como él. Es la historia de un viaje clave que Truman hace, y lo que pasa durante ese viaje, y cómo sus acciones, así como las reacciones de los otros, crean una situación en la que no hay ganadores. Lo peor que le pasa es conseguir lo que quiere...Es así. Quiere algo con tanta fuerza que finalmente hace cualquier cosa por conseguirlo, y al hacerlo no consigue realmente lo que busca. Es como la idea de "cuidado con lo que deseás", el trato "faustiano". Todo eso está en el guión, y además es una historia verdadera, que realmente sucedió. El hizo realmente estas cosas. Es algo fantástico.

¿Cómo ves la relación de Truman con Perry Smith, el asesino que le cuenta la historia?

Creo que, al conocerlo, ve aparecer su libro. Antes, estaba escribiendo un reportaje. No imaginaba que era algo tan grandioso como lo que terminó escribiendo. Cuando conoce a Smith y a Hickock ve a sus protagonistas y está desbordado de fascinación. Creo que hay algo en Smith con lo que se identifica, que es la orfandad, la marginalidad. La crianza de ambos fue brutal y él logró hacer algo con eso mientras que Perry no, y eso lo fascina en cierta forma. No es algo sexual, pero sí es una relación increíblemente íntima. El comentó que Perry fue uno de los mejores amigos que jamás tuvo.Capote decía que sentía una relación de amor no-sexual con Perry que lo atraía hacia él...Lo que decía es que ambos eran huérfanos, y tuvieron infancias muy similares. Eran marginales, habían sido niños abandonados. Fue una parte importante de sus vidas. Ambos eran bajitos, además. Uno era muy fuerte… Tenían muchas similitudes que los conectaban. Uno tuvo éxito mientras que el otro no. Uno se hizo insider y el otro siguió siendo un outsider. Y lo que a Truman le intrigaba era el por qué de eso...

Habías hecho también un personaje real en "Casi famosos" (el periodista de rock Lester Bangs), pero éste es mucho más conocido...

Claro, el personaje se comporta y suena de una cierta manera, y tenés que apegarte a eso porque la gente lo conoce bastante bien.

¿Y cómo enfrentaste eso de que la gente ya tuviera una imagen muy clara en la cabeza de cómo era Capote?

Tenía que hacer el trabajo, enfrentarlo. Dada la historia, como él dice en la película, "la gente me juzga por mi forma de hablar", entonces no podía simplemente hablar como hablo yo y pretender "soy Truman Capote". No hubiera funcionado.

¿Recurriste a algún tipo de elemento externo, de observación, para inspirarte, o fue más un trabajo interno?

No, para nada. Muchas de las cosas externas fueron obstáculos para meterme en el personaje. Porque hay cosas que tenés que tener para hacer un personaje así, pero realmente hacés un trabajo interno. Pero la lógica del momento es lo que realmente está pasando. Lo externo de hecho se interpone en el camino, por eso hay que practicar tanto.

¿Esta imagen preexistente limita o estimula el trabajo creativo?

Es parte de él, no puede limitar tu creatividad porque no puedo decir "Dios, no quiero que me limite, no voy a poner esa voz".

Además de tu actuación, la película fue muy celebrada como tal, y tiene nominaciones al Oscar. ¿Cuál creés que es el secreto de su funcionamiento?

Creo que es una historia clásica, de esas historias que siempre es pertinente contar. Creo también que es una película importante estilísticamente al ser acerca de una persona pero contada de una manera muy poco tradicional. Es una exploración específica de un momento en la vida de alguien, sin desviarse de eso. Lo que hace es analizar más que contar la vida de alguien, de hecho.

Esta película y "Secreto en la montaña" tocan temas ligados a la homosexualidad, ambas han sido muy celebradas. ¿Es pura casualidad o algún signo de los tiempos?

Hace unos ocho años hice una película sobre un transexual (Nadie es perfecto). Después hice una película sobre un tipo que se masturba en una pared (Happiness, de Todd Solondz). Creo que hacer este tipo de conexiones no tiene sentido, es una tontería. ¿Hace cuánto salió Filadelfia, con Tom Hanks? No creo que se trate de eso. Al menos, no Capote. La película no es sobre el tema gay. Eso es lo que la hace tan especial. Es una persona que es gay. Y punto. Si empiezas a concentrarte en eso significa que no estás entendiendo adónde va la película.

Siendo un cambio tan radical de imagen, ¿te fue fácil deshacerte del personaje?

¡Sí! Fue lo más fácil del mundo.

¿Siempre te resulta fácil?

Sí, sí. No soy de las personas que se quedan enganchadas a los personajes que interpretan. Una vez que se terminó, se terminó

El Juego de Las Lágrimas

El guionista y director Neil Jordan mereció un Premio de la Academia por su guión, que comienza como un thriller tenso y acaba convirtiéndose en una absorbente historia de amor.

Cabe rescatar la interesante interpretación de Stephen Rea, regular en las películas de Jordan, en el papel de Fergus, así como las excelentes interpretaciones secundarias de Miranda Richardson y Forrest Whitaker, y el notable debut de Jaye Davidson en el papel de Dil.

El juego de las lágrimas es mucho más que una mera preparación para la sorpresa final. Al tiempo que Fergus intenta escapar de su pasado, tanto física como emocionalmente, él y Dil profundizan en su extraña relación que deberá sobrevivir a la revelación que cada uno tiene para el otro, una relación que sería intrigante aunque no existiera el "secreto".

Lo cierto es que a pesar de todas las virtudes que El juego de las lágrimas demuestra como thriller, aún es más interesante su estudio de los personajes, sus relaciones y la naturaleza humana.

Historias del Kronen

Carlos es un joven estudiante que apenas ha cumplido los 21 años. Seco cuando quiere, simpático cuando le da la gana, le encanta provocar y transgredir. Al atardecer, como cada día, Carlos sale de su casa para reunirse con sus amigos en el Kronen, el bar que frecuentan. Es verano, Carlos está de vacaciones. Vive de noche. Cualquier situación puede llevarse un poco más lejos. Ningún límite es admitido, ninguna barrera aceptada. Y cada vez más, una aventura se encadena con otra como si se tratara de una noche continuada. En medio, la oscura voluntad de vivir cada instante como si fuera el último. Sin embargo, algo de lo que ocurre sitúa a Carlos y a sus amigos frente a una realidad que han intentado ignorar hasta ese momento.

Guión basado en la obra homónima de José Angel Mañas. Dirigfó Montxo Armendariz.

Tomates Verdes Fritos

La película que hizo célebre la frase «¿El secreto de la vida? El secreto está en la salsa» narra una profunda amistad entre dos mujeres que realmente es una relación enmascarada de amor. En el profundo Alabama de los años 20, Idgie (Marie Stuart Masterson) y Ruth (Marie-Louise Parker) son dos amigas cuyas vidas siguen derroteros distintos. Mientras Ruth se casa, Idgie, más independiente, prefiere seguir soltera. Idgie debe salvar a Ruth de un hombre que le hace daño y al que no duda en matar. Ante el tribunal, la viuda mira a la asesina de su marido y le dice, con los labios, que ella es «su mejor amiga». El juez no puede condenarla porque no se encuentra el cadáver, así que se marchan a vivir juntas y crían al bebé de Ruth. Muchos años después, una anciana (Jessica Tandy) narra esta historia a Evelyn (Kathy Bates), un ama de casa hastiada de su matrimonio, que decide dar un giro a su existencia gracias al ejemplo de Idgie y Ruth

Philadelphia

Jonathan Demme es el autor de la primera gran producción de Hollywood que trató el tema del sida y sus implicaciones laborales, médicas y sociales. Un abogado homosexual es despedido del bufete para el que trabaja cuando los signos de la enfermedad empiezan a ser patentes físicamente. Convencido de que su despido es improcedente en razón de una discriminación homófoba, el letrado —interpretado por Tom Hanks— se empeña en llevar a su poderosa ex compañía a los tribunales, en paralelo a la lucha contra la enfermedad que ha de afrontar. Para ello, contará como únicos aliados con su familia y con su abogado, Denzel Washington, que tendrá que dejar a un lado sus prejuicios homófobos ante la posibilidad de embolsarse una jugosa cantidad. 'Philadelphia' se centra en el proceso judicial y médico, pasando apenas de puntillas por la relación amorosa del protagonista, cuya pareja es interpretada por Antonio Banderas, en uno de sus primeros papeles en Hollywood. La cinta tiene la virtud de poner en evidencia la criminalización social de los enfermos de sida homosexuales, justificada con afirmaciones del tipo «es el precio que los gays han de pagar por sus perversiones». Tom Hanks se llevó su primer Oscar a la mejor interpretación

Gods and Monsters

James Whale (Ian McKellen), director de películas míticas de los años 30 como 'Frankenstein' o 'La novia de Frankenstein', pasa sus últimas semanas de vida en su mansión de Hollywood. Corre el año 1957 y lejos quedan ya su éxitos en la pantalla. Su homosexualidad manifiesta le dejó fuera de los estudios y enclaustrado en una gran casa. Bajo la mirada atenta de su ama de llaves (Lynn Redgrave), que actúa como figura protectora, Whale pasa el tiempo amarrado a un pasado glorioso que le vuelve, una y otra vez, en forma de visiones y sueños. Hasta la llegada de un jardinero musculoso (Brendan Fraser), un ex combatiente de Corea, cuya amistad le permitirá afrontar la muerte. El papel le valió al británico McKellen, un conocido activista por los derechos de los gays, una candidatura al Oscar. El actor 'salió del armario' en 1988, cuando aún pocos se atrevían a hacerlo. Fue en un programa de radio de la BBC, para protestar por una ley que acababa de aprobar Margaret Thatcher y que, según el intérprete, criminalizaba a los homosexuales.

Rebecca

La obsesión de la siniestra ama de llaves de 'Rebeca' (Judith Anderson) por su señora muerta ha sido interpretada como un símbolo del amor que sentía hacia ella. Aunque hay muchas opiniones a este respecto, lo cierto es que la película, la primera de Alfred Hitchcock en Hollywood, fue analizada por el estricto código de la censura de la época (conocido como Hays), que obligó a cambiar ciertos detalles que, a su parecer, denotaban toques lésbicos. Basada en la popular novela de Dafne du Maurier, la cinta muestra la llegada al hogar del viudo señor Maxim de Winter (Laurence Olivier) de su nueva esposa (Joan Fontaine), de la que ni siquiera se menciona el nombre. La señora Danvers se encargará de hacerle la vida imposible y de dejar claro que la verdadera mujer de esa casa es la fallecida Rebeca. Eso sí, la moral de la época cobrará cara la osadía y la sirvienta deberá morir. 'Rebeca' fue el único filme de Hitchcock que ganó el Oscar a la mejor película, lo que no logró nunca el británico como director.

Personal Best

En 1982 no era habitual ver una escena de sexo entre dos mujeres. Así que 'Personal Best', protagonizada por Mariel Hemingway y Patrice Donnelly, supuso un hito. La nieta del escritor interpreta a una jovencísima atleta que vive una historia de amor con otra más veterana durante su preparación para los Juegos Olímpicos. El entrenador se encargará de dinamitar la relación y provocar la competencia entre ambas en la pista. A pesar de los intentos de boicot que tuvo el filme, fue todo un éxito en taquilla. Hemingway posó incluso para 'Playboy' vestida con camiseta sudada y cinta en el pelo. La actriz declaró muchos años después que este papel había sido uno de los más importantes de su carrera y que, en una ocasión, una chica se le acercó para decirle que le había ayudado a sentirse bien siendo mujer y lesbiana. Pero lo cierto es que su director, Robert Towne, afamado guionista, no volvió a ponerse tras la cámara hasta cinco años más tarde. Y eso que la cinta está considerada como una de las que mejor retrata el deporte femenino en pantalla

Maurice

Antes de ser el soltero que se duerme en todas las bodas y de conquistar a Bridget Jones, Hugh Grant se enamoró de su compañero de pupitre en 'Maurice' y ganó la Copa Volpi de Venecia por ello. La película, dirigida por James Ivory, está basada en la novela autobiográfica del escritor E.M. Foster quien, tras guardarla en un cajón durante 35 años, sólo permitió que se publicara tras su muerte, para evitar el escándalo. Foster es autor además de títulos como 'Howard's End' y 'Una habitación con vistas', también llevados al cine por Ivory.

La trama se sitúa en la universidad de Cambridge, en los primeros años del siglo XX. Clive (Hugh Grant) sorprende a su amigo Maurice (James Wilby) con una declaración de amor que termina en un beso apasionado. Pero el estatus y las circunstancias hacen que Clive escoja una vida corriente y puritana: matrimonio, hijos y política. Maurice se refugia en Scudder (Rupert Graves), el guardés de Clive, y decide vivir su sexualidad en público aunque se le considere un enfermo

Segunda Piel

Gerardo Vera rodó para la gran pantalla una historia de lo más habitual en la vida real, con una salvedad: el amante del marido es un hombre. Un matrimonio ve cómo su relación se va a pique por culpa de una tercera persona. Alberto (Jordi Mollà) es consciente de ello, pero el amor que profesa a su esposa (Ariadna Gil) y a su hijo no es suficiente para que se plantee romper con Diego (Javier Bardem). Tampoco tiene el coraje de abandonarlo todo y dejarse llevar por lo que siente. Esto dará lugar a un triángulo amoroso lleno de celos, mentiras y dolor.

Las escenas de sexo explícitas entre Mollà y Bardem dieron mucho que hablar, y ambas interpretaciones recibieron buenas críticas. Y es que los dos dejaban de lado las actitudes de 'macho' y 'tipo duro' que suelen llevar aparejados los papeles que interpretan, para dar vida a dos homosexuales. Bardem ya tenía experiencia en la materia: lo hizo cuando apenas era un veinteañero en 'Las edades de Lulú', y lo repetiría con enorme éxito con 'Antes que anochezca'

KISS OF THE SPIDER WOMAN

Héctor Babenco llevó al cine el aplaudido libro del argentino Manuel Puig, que se encargó también de escribir el guión del filme. El destino coloca en una prisión latinoamericana a dos hombres de personalidades absolutamente dispares. Uno es Valentín Arregui (Raul Juliá), un marxista revolucionaro que lo dejó todo por sus ideales, incluida la mujer a la que amaba. El otro es Luis Molina (William Hurt), un homosexual condenado por seducir a un menor, al que las autoridades carcelarias instan a ejercer de 'soplón' con la información que sonsaque a su compañero de celda. Su pasión por la fantasía y el cine le servirá para evadirse de la dureza de su encierro, rememorando películas que había visto antes de ser encarcelado, y logrará que Valentín también disfrute de este escapismo. Éste, por su parte, ejercerá una vital influencia sobre Luis, al que logrará contagiar su activismo político.

La inicial contraposición entre el romántico y el político, entre el gay y el hombre de rectos valores, entre el héroe frente al pederasta, dejará paso al amor y la pasión. El filme fue aclamado internacionalmente y William Hurt logró el Oscar al mejor actor por su interpretación del preso homosexual

Fresa y Chocolate

El primer filme cubano candidato a un Oscar —a la mejor película de habla no inglesa— fue precisamente una cinta de temática homosexual. Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío llevaron al cine un cuento del escritor Senel Paz sobre la amistad 'sui géneris' que forjan David (Vladimir Cruz), un estudiante de Ciencias Políticas acérrimo defensor del régimen castrista —porque es lo único que le han enseñado— y lleno de prejuicios homófobos, y Diego (Jorge Perugorría), un artista gay capaz de ver más allá de los límites de la isla caribeña. Pese a la reticencia inicial de David, la pasión por la cultura que ambos comparten les permitirá conocerse y abrir los ojos a realidades hasta entonces desconocidas. Los directores lograron eludir la censura castrista situando la historia en la década de los 70, cuando el régimen del comandante era mucho menos permisivo con el colectivo gay, al que incluso perseguía.

In & Out

La plácida vida de un profesor de instituto de Indiana (Kevin Kline), querido y respetado por la comunidad, y a punto de casarse, se ve sacudida por un terremoto en forma de discurso. Un antiguo alumno (Matt Dillon) gana el Oscar al mejor actor y en las palabras de agradecimiento no se olvida de aquel maestro gay que tanto le marcó. Todo el pueblo está siguiendo la ceremonia, porque no todos los días un paisano gana la estatuilla, así que, sin que el propio interesado haya pensado jamás que es homosexual, todos sus vecinos ya están convencidos de ello. Un periodista de lo más amarillo (Tom Selleck) se encarga de que no se olvide.

La secuencia más divertida de esta comedia es en la que el pobre protagonista se pone una cinta de audio de autoafirmación heterosexual que le desvela que tal vez su ex pupilo no se equivoque. El guionista de 'In & Out', expresión inglesa que alude a la 'salida del armario', se inspiró en una anécdota de la vida real. Tom Hanks recordó a un antiguo profesor homosexual cuando recibió el Oscar en 1993 por 'Philadelphia'.

La Ley del Deseo

La homosexualidad es una constante en el cine de Pedro Almodóvar. El director manchego marca la diferencia respecto a la corriente dominante en la postransición, caracterizada por convertir a los homosexuales en objeto de parodia y burla. Almodóvar retrató con naturalidad y sin tapujos la homosexualidad en 'La ley del deseo', su sexto filme y en el que más explícitamente se exponía el mundo gay hasta ese momento, si bien ya antes había quedado reflejado en su filmografía ('Matador', 'Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón', 'Laberinto de pasiones'...) y seguiría haciendo posteriormente con 'La mala educación'.

En 'La ley del deseo', Eusebio Poncela, Miguel Molina y Antonio Banderas protagonizan un ardiente triángulo amoroso. El realizador también fija su mirada en otro tema entonces marginal: la transexualidad –encarnada por Carmen Maura–, y lo hará años después nuevamente en 'Todo sobre mi madre'. Si bien el más conocido, Almodóvar no fue el único cineasta español que se atrevió a tratar este tema en la España que estaba despertando tras casi 40 años de dictadura franquista

Boys Don't Cry

Kimberly Peirce protagonizó uno de los debuts más sonados del cine independiente estadounidense con ‘Boys don’t cry’. La directora contó con toda su crudeza una historia real: la de Brandom Teena, un joven 'encerrado' en un cuerpo de mujer, que fue asesinado de forma brutal en un pequeño pueblo de Nebraska en 1993, cuando apenas tenía 21 años.

Hilary Swank fue la encargada de dar vida en la gran pantalla a Teena Brandom, protagonista de la historia, quien, como Brandom Teena, decide empezar una nueva vida en un pueblo de la América rural haciéndose pasar por lo que siempre sintió ser: un hombre. Todo va bien hasta que un incidente pone de relieve que biológicamente es una mujer, y serán sus propios amigos los que se conviertan en verdugos. El papel le valió el Oscar a la mejor interpretación femenina a la entonces desconocida Hilary Swank, que prácticamente se lo arrebató de las manos a la veterana Annette Bening

BENT

El genocidio nazi no se limitó a gitanos, judíos ni otras religiones que no fueran la oficial del Vaticano. El homosexual fue otro de los colectivos que Hitler quiso eliminar del 'purísimo' Tercer Reich. 'Bent', dirigida por Sean Mathias (pareja en la vida real del actor Ian McKellen, quien también aparece en la película), refleja esta persecución.

La cámara enfoca a Max (Clive Owen), un 'playboy' bisexual que, tras participar en la fiesta de la transformista Greta (que interpreta el 'rolling' Mick Jagger), da con sus huesos en el campo de concentración de Dachau. En el trayecto, traiciona a su amante y convence a sus captores de que le coloquen la estrella amarilla (símbolo de los prisioneros judíos) y no el triángulo rosa (marca de los gays). En Dachau conoce a Horst (Lothaire Blueteau), un homosexual orgulloso de serlo, del que se enamora y que le ayudará a reconocer su verdadera sexualidad.

Longtime Companion

Un artículo de 'The New York Times' dio a conocer en los primeros 80 un 'cáncer' que afectaba sólo a los gays y que llamaba el sarcoma de Kaposi. La 'plaga' homosexual hizo correr demasiados ríos de tinta, contaminados con fabulaciones y leyendas negras que el tiempo ha demostrado que eran totalmente infundadas. Hasta 1990, el cine no hizo un retrato exacto del sida, su descubrimiento por parte de la comunidad homosexual, el miedo a ser el siguiente y el devastador desarrollo de la enfermedad. 'Longtime Companion', del director Norman René, muestra la difícil relación de siete homosexuales con el mal, desde su descubrimiento hasta las primeras muertes. El título original de la película, 'Longtime Companion' (algo así como compañero de mucho tiempo), hace referencia a la única forma en la que el diario neoyorquino permitía aparecer a los gays en las esquelas que publicaba de sus parejas.

My Own Private Idaho

En 'My Own Private Idaho', Gus Van Sant recupera la temática homosexual en uno de los trabajos más recordados del malogrado River Phoenix. El director de Kentucky unió a dos de los talentos juveniles de la época para pintar el retrato de dos prostitutos de procedencia bien diferente. Mike Waters (Phoenix) es un chico introvertido y narcoléptico que, entre sueños y vigilias, busca a la madre que le abandonó de niño. Scott Favor (Keanu Reeves), por su parte, desafía a su poderosa familia y vive como un vagabundo cuando se sabe heredero próximo de una gran fortuna.

Con la sola compañía de una hoguera en el campo, se produce la escena más tierna, según algunos la declaración de amor más sentida de un hombre a otro en el cine. El frágil Mike confiesa a Scott sus sentimientos en unas palabras que River Phoenix improvisó y que finalmente se quedaron en el metraje. Su amigo, sin embargo, prefiere tomar otro rumbo. Una chica se cruza en su camino.

The Times of Harvey Milk

La primera película de temática homosexual que se llevó un Oscar a casa fue el documental 'The Times of Harvey Milk', en 1984. La intención primaria de su director, Rob Epstein, era contar la historia de 26 gays y lesbianas de todo el país, para retratar las trabas con las que éstos se topaban a la hora de acceder a determinados puestos de trabajo. Uno de ellos iba a ser Harvey Milk, concejal de San Francisco y primer cargo público abiertamente homosexual, convertido en adalid de la lucha contra la ley que impedía a los gays trabajar en el sistema educativo público.

Su asesinato en 1978 a manos de un ex policía y los disturbios que se desencadenaron tras la condena –mínima– que le cayó al homicida cambiarían las tornas. El director decidiría entonces centrarse en el controvertido político, y retratar su vida a través de fotografías y entrevistas.

Al recoger el Oscar, tanto Epstein, el director, como Richard Schmiechen, el productor, aprovecharon el tiempo de los agradecimientos para reivindicar su condición de homosexuales y saludar a sus parejas

BEFORE NIGHT FALLS

El pintor y cineasta Julian Schnabel llevó a la gran pantalla ‘Antes que anochezca’, la autobiografía del poeta cubano Reynaldo Arenas, perseguido por el régimen castrista por su doble condición de homosexual e intelectual libertario.

El realizador retrató la vida del escritor, quien en un principio apoyó la revolución, para luego ver cómo sus supuestos libertadores se convertían en verdugos, hostigando e incluso encerrando en campos de concentración a los homosexuales. Tras pasar por la cárcel, donde sobrevivió a base de escribir cartas para otros, logró exiliarse a EEUU.

Como en buena parte de las películas de temática homosexual, el desenlace es trágico, igual que lo fue en la vida real para Reynaldo Arenas. Este personaje fue interpretado por el español Javier Bardem, cuya actuación le reportó el reconocimiento internacional y le convirtió en el primer español candidato a un Oscar al mejor actor, en el año 2001

El banquete de bodas

Ang Lee no era ningún neófito en el cine de temática homosexual cuando afrontó el reto de 'Brokeback Mountain'. El realizador se dio a conocer internacionalmente con 'El banquete de boda', su segunda película, que retrata la presión social y familiar que aún hoy siguen sufriendo muchas personas por su orientación sexual.

Wai-Tung Gao (Winston Chao) es un taiwanés afincado en Nueva York que comparte apartamento y vida con otro hombre, relación que oculta a su familia. Ante la insistencia de sus padres para que se case, y temeroso de disgustar a su recién infartado progenitor, decide contraer un matrimonio de conveniencia con una joven necesitada de dinero y papeles. Por desgracia para él, sus padres no dudarán en viajar a EEUU para acompañar a su hijo en «el día más importante de su vida».

Obtuvo el León de Oro en la Berlinale y fue candidata al Oscar a la mejor película de habla no inglesa

El año de las minorías

El año 2002, Halle Berry y Denzel Washington hicieron historia en los Oscar al ser los primeros actores negros en ganar una estatuilla dorada.El hecho de que lo hayan conseguido el mismo año aumentó los comentarios que apuntaban al tono reivindicatorio del premio, que terminaba con años de postergaciones.

Este año, la situación podría repetirse, pero esta vez sería la población homosexual la que recibiría toda la atención.

El tema siempre había conseguido concitar interés, por sus rasgos polémicos y el aura de tabú que aún tenía, pero la larga lista de películas que lo ha tratado, como "El juego de las lágrimas" o "Los muchachos no lloran", había hecho que fuera normal ver producciones donde se hablara de ello.

Lo que ha marcado la diferencia este año, es que son varias películas juntas con guiones que hablan sobre la homosexualidad las que han conseguido importantes nominaciones.

Entre los candidatos hay dos trabajos que abordan el tema de manera directa: "Secreto en la Montaña", de Ang Lee, que se ha transformado en el centro de atención por mostrar la relación amorosa entre dos vaqueros, interpretados por Heath Ledger y Jake Gyllenhal, y es la gran favorita para ser la gran ganadora de la jornada.

La segunda es "Transamérica". La película protagonizada por Felicity Huffman, más conocida en por su rol en "Desperate Housewives", muestra la historia de un hombre que sólo desea operarse para ser mujer hasta que descubre que por un "desliz" heterosexual es padre... o madre. La actriz ya ganó un Globo de Oro por este rol y no sería raro que repita la experiencia el 5 de marzo.

El caso de "Capote" es distinto, porque en su trama no está presente el tema de la homosexualidad, pero el escritor Truman Capote, protagonista de la historia, si lo era y el asunto es tocado en el largometraje.

Un poco de popularidad

Los actores que han trabajado en estas historias también han conseguido una cuota importante de protagonismo. Los dos rostros de "Secreto en la Montaña", Ledger y Gyllenhal, están entre los candidatos a la estatuilla dorada y Michelle Williams, una de sus compañeras, paleará en las categorías femeninas.

El caso de Williams es el más llamativo, porque los amantes de las series de televisión aún la recuerdan como una de las protagonistas de "Dawson’s Creek" y su carrera en el cine no había tenido la masividad que ha logrado con su papel en la cinta del los vaqueros gay.

Philip Seymour Hoffman, protagonista de "Capote", ha logrado que su trabajo por fin consiga un poco del reconocimiento que venía pidiendo hace rato por sus roles en cintas como "El gran Lebowski", "Magnolia", que le habían permitido ganarse el respeto de la crítica y sus pares, pero aún no había logrado convertir esto en algún premio importante.

El aporte de la pantalla chica

La relación entre el mundo del cine y la televisión ha sido estrecha siempre en Estados Unidos, con constantes préstamos de figuras y realizadores.

Paul Hagáis, por ejemplo, tenía una larga carrera como guionista de televisión antes de asumir el desafío de dirigir "Crash".

Felicity Huffman también era conocida como actriz de televisión antes de dar el gran salto con "Transamérica".

El caso más emblemático, este año, es el de George Clooney, quien logró fama de galán gracias a su rol de médico pediatra en "E.R." y ahora no sólo postula como actor por "Syriana", también se da el lujo de hacerlo como director por "Buenas noches y buena suerte".

Actores de Brokeback Mountain podrían participar de Will & Grace

Los actores Heath Ledger y Jake Gyllenhaal, protagonistas de "Brokeback Mountain", podrían participar de un episodio de "Will & Grace".

La invitación ya fue realizada por los productores de la serie, donde volverían a formar una pareja homosexual con beso en la boca incluido.

Según la revista "In Touch", los dos actores aceptarían la propuesta, pero darían una respuesta después de la entrega de los Oscar, donde el filme esta nominado en ocho categorías.

Spiderman 3

De negro. Nada del rojo y azul estadounidenses. Así viste el Arácnido en El Hombre Araña 3, la película que Sam Raimi comenzó a rodar.

"Usted puede creer que está viendo una foto blanco y negro. Mire mejor, el Hombre Araña viste un traje negro en El Hombre Araña 3. Tobey Maguire regresa en el rol de Peter Parker y el Hombre Araña en El Hombre Araña 3, estreno en mayo de 2007", ya se lee en el site oficial de la película, a 431 días de su estreno.

El rodaje terminará recién el próximo junio, para un estreno internacional y globalizado previsto para el 4 de mayo de 2007.

Estarán de nuevo Tobey Maguire como el protagonista, Kirsten Dunst, como Mary Jane Watson, y James Franco como Harry Osborn. Se suma Thomas Haden Church (el rubio de Entre copas) como Flint Marko, o la otra cara de Sandman, el malvado de turno, y también, Bryce Dallas Howard (la joven ciega de La aldea), como Gwen, la hija del capitán George Stacy (James Cromwell, de Babe).

En el comic, Stacy muere al salvar a un niño durante una tremenda pelea entre el Hombre Araña y el villano. El nuevo interés romántico de Peter Parker —en el comic era el original— es Gwen, la hija de Stacy, y ella termina culpando al héroe por la muerte de su padre. Peter, Mary Jane y Gwen formarían parte de un triángulo amoroso...Siempre basado en historias y personajes creados por Steve Ditko y el gran Stan Lee, el guionista Alvin Sargent —dos veces ganador del Oscar, por sendos dramas intimistas, como Julia y Gente como uno— incluiría a otro villano. Topher Grace (That '70s Show) será, se especula, Eddie Brock/Venom. En el comic de Marvel, Eddie era un amigo de Peter antes de convertirse en malvado.

"El hombre Araña enfrentará un doble problema en nuestra próxima película", dijo escuetamente Raimi, en tanto Dunst abrió de más su bocota al afirmar en una entrevista que "habrá dos y medio villanos", y que uno de ellos podría ser "resucitado", lo cual sugiere que será el Doctor Octopus o el Duende o Gnomo Verde. Los que leyeron el cómic original recordarán que el Gnomo (Willem Dafoe en el primer filme) mataba a Gwen.

Lo que es seguro es que Danny Elfman (músico fetiche de Tim Burton) no compondrá la música de la tercera entrega. Pero como Raimi tiene los derechos del "tema", el leit motiv será adaptado por Christopher Young (Hellraiser). A 431 días, habrás más novedades

Capote .... Espléndido filme

Era caprichoso, amanerado hasta lo paródico y afectivamente dependiente, hasta los límites del patetismo. Era brillante, acerado en la réplica y un tirano con quienes caían bajo su influjo, que no eran pocos, y para empezar, algunas mujeres hermosas y millonarias, a quienes llamaba "mis cisnes". Le hastiaba la política, vivía alquilando casas con vistas al mar donde fuera, desde Palm Beach hasta Palamós, pasando por Sicilia, Capri o la costa de Florida; y por encima de todo, fue un escritor de unas pocas novelas, varias colecciones de cuentos y guiones para cine y televisión, en los que recrea un mundo insobornablemente personal. Truman Capote fue también algo más: un escritor tan adorado en vida como envenenadamente envidiado por su triunfo. Y el hombre que escribió A sangre fría.

Basada en una interesante, aunque a menudo demasiado pormenorizada, biografía, obra de Gerald Clarke, Capote es una espléndida demostración de cómo el genio de un escritor puede ser capturado sólo en un corto e intenso periodo de su vida: desde ese día de 1959 en que lee un suelto en el periódico informando del brutal asesinato de los cuatro miembros de una familia de Kentucky, hasta esa mañana de otro día, en 1965, en que los dos responsables de los asesinatos fueron colgados. Por qué Capote encontró la materia prima para la que sería su obra maestra absoluta, y cómo se embarcó en una aventura que vitalmente lo dejó exhausto, es la inteligente apuesta que el actor y guionista Dan Futterman aisló de entre las más de 600 páginas de la puntillosa biografía de Clarke.

El resultado es una película apasionante, un retrato extremadamente cuidadoso y nada exagerado (Capote luce aquí mucho más sobrio y contenido de lo que en realidad fue en vida, un prodigio de interpretación de un Philip Seymour Hoffman que huele a Oscar) de un escritor con un programa creador, el saber todo de ese atroz asesinato, y de los mecanismos que puso en práctica (entre ellos, hacerse amigo de los asesinos y confidente del más cultivado de ellos, Perry Smith) para poder aprehender la inasible materia prima del horror. Y el coste que tuvo que pagar para poder llevar a cabo su propósito: desde la traición a los condenados (a los que negó ayuda cuando más la necesitaban y a los que mintió sin demasiados escrúpulos) hasta el principio de su propia decadencia creadora. El cartel que ilustra el plano final de la película no admite réplicas: después de A sangre fría, Capote no volvería a terminar una sola obra más, duro peaje que pagó un escritor que conoció en vida desde la ardua ascensión hasta la cumbre social y luego la decadencia, el alcohol y el desprecio de algunos amigos

Transamerica

Cuando se llamaba Stanley, cursó estudios universitarios extraordinariamente variados, que hicieron de él una persona como poco cultivada. Ahora que responde por Bree y está a punto de operarse para que le estirpen el pene y los testículos, intenta pasar lo más inadvertida posible, tanto en su entorno (un barrio pobre e hispano de Los Ángeles) como en su trabajo, un discreto restaurante mexicano: el coste de sentirse normal, en una palabra. Sólo está a la espera de la firma de su psicóloga para acceder al ansiado quirófano. Y en eso, recibe una llamada que le informa: a) que no está tan sola en el mundo como querría, como pretende; b) que es padre de un joven con problemas con la ley y que vive en la otra punta de EE UU, en Nueva York. Y su psicóloga, con toda prudencia y buen tino, le dice que sólo le firmará el permiso para operarse si antes resuelve el entuerto del díscolo crío... y de su postergada paternidad.

Con esta premisa, una actriz superlativa (Felicity Huffman: le ha salido a Reese Witherspoon una seria rival para los Oscar de dentro de unos días) que, como Carmen Maura en La ley del deseo, encarna con extraordinaria perspicacia a un transexual, y una estructura tan querida en el cine americano como es la de la historia itinerante, la de la peripecia personal incardinándose con el paisaje y con gentes desconocidas. Duncan Tucker debuta en la dirección con un filme pequeño y tocado por la gracia de lo honesto, una de esas maravillas del cine independiente americano que escapan por igual a la facilidad de la comedia de diálogos constantes (y a menudo farragosos) y a la peripecia cansinamente generacional.

Pulso seguro

Como Bree descubrirá muy pronto, en la vida resulta siempre conflictivo pasar inadvertida, sobre todo cuando uno (o una, como ella se siente) arrastra lo que arrastra. Y hará también otro descubrimiento: no se puede mentir mucho tiempo y engañar a muchas personas... y mucho menos a una que está llamada a desempeñar un papel fundamental en su vida.

Tucker cuenta esta historia de un doble aprendizaje para la convivencia, el de Bree y el de su no deseado retoño, Toby (el joven Kevin Zegers, muy plausible en su caracterización de muchacho amoral pero con restos de su juvenil inocencia aún intactos), con pulso seguro y sin cargar demasiado las tintas. Lo hace a partir de enfrentar a ambos con situaciones que los forzarán a ser más tolerantes, y sin juzgar jamás sus comportamientos. Y a la postre, el filme es un cuidado retrato de seres perdidos en una existencia que entienden mal, prisioneros de sus deseos tanto como de sus debilidades, y condenados a entenderse. Es tierna y comedida, aunque no rehúye las situaciones fuertes, e incluso la sátira familiar y costumbrista; es un prometedor debut

Se entregaron los Premios César en Francia

La película De battre mon coeur s'est arreté, de Jacques Audiard, ( en la foto) ha sido la gran triunfadora de los premios César del cine francés. El film ha conseguido ocho estatuillas, entre ellas las de mejor película y mejor director. Alejandro Amenábar no ha ganado el premio a la mejor cinta extranjera, que ha recaído en Million dollar baby dirigida por Clint Eastwood.

Excepto el galardón de mejor actor y mejor sonido, la película de Audiard se ha hecho con todos los premios a los que optaba, buena parte de ellos técnicos -música, fotografía o montaje- y otros más prestigiosos como los del guión adaptado, actriz debutante y actor secundario. La película -una versión de "Fingers", dirigida en 1978 por James Toback-, narra la historia del hijo de un agente inmobiliario que, ante los métodos poco ortodoxos que emplea su padre para cobrar el alquiler, decide abandonar el negocio familiar para seguir una carrera como compositor de piano.

La omnipresencia de De battre mon coeur s'est arreté ha apartado totalmente del palmarés a las otras favoritas, especialmente a Joyeux noel, de Christian Carion, que no ha recibido el espaldarazo que esperaba de su Academia para afrontar su candidatura al Oscar como mejor película de habla no inglesa. Más suerte han corrido otras películas que partían con menos candidaturas. La magistral interpretación que del ex presidente francés Francois Mitterrand que ha realizado Michel Bouquet en Le prommeneur du Champ de Mars le ha valido el premio a la mejor interpretación masculina. Por su parte, Nathalie Baye ( foto de abajo) ha logrado el César a la mejor actriz, el cuarto de su carrera, aunque el anterior lo había recibido hace 23 años.

La Academia francesa también ha entregado dos galardones de honor, uno al cómico francés Pierre Richard y otro al actor británico Hugh Grant, quien se mostró particularmente agradecido porque, como ha reconocido, no recibe muchos premios en su país

Gala accidentada

La ceremonia de entrega ha estado marcada por las reivindicaciones de los trabajadores temporales del espectáculo, que aprovecharon la oportunidad de la retransmisión en directo para recordar que su lucha por unas mejores condiciones laborales sigue viva.

Una quincena de ellos tomaron el escenario y retrasaron unos 20 minutos el inicio de la gala, que en varias ocasiones volvió a ser interrumpida por un altavoz utilizado por manifestantes que se encontraban en el parisiense teatro de Chatelet, donde se ha celebrado la ceremonia

Niki Caro La nueva aliada de Charlize Theron

En 2004 la australiana Keisha Castle-Hughes se convirtió en la más joven aspirante al Oscar a Mejor Actriz de la historia. Tenía 13 años y la película con la que competía, "Jinete de ballenas", fue una de las más aclamadas del año. El filme catapultó a la fama no sólo a la niña, también a su directora, la neozelandesa Niki Caro (38), que de inmediato recibió ofertas desde EE.UU. Y la primera de ellas se materializó el año pasado: "Tierra fría" y postula al Oscar a Mejor Actriz (Charlize Theron).

"Hollywood vino a mí de manera bastante agresiva", dice la directora, al teléfono desde Los Angeles. "Me llegaron muchos guiones. Y como casi al tiempo tuve un bebé, trataba de leerlos mientras lo cuidaba. Y recuerdo que el de 'Tierra fría' fue el único que realmente me impactó y me hizo pensar", agrega.

Basada en un hecho real, Theron es una minera y madre soltera que, en una decisión inédita en los años 80, demanda a la empresa para la que trabaja por acoso sexual. Caro sólo tiene palabras elogiosas para su actriz: "Charlize es, sin duda, una de las mejores de su generación. A su edad ella tenía todas las oportunidades para hacer papeles de niña bonita, pero tomó la decisión de hacer 'Monster' y ahí ella demostró de lo que era capaz. No sólo de una transformación física, sino emocional".

Caro sometió a su actriz a una dura preparación: la llevó al desolado estado de Minnesota, donde se desarrolla la historia. La directora explica: "Quería que sintiera ese aislamiento, la soledad y la falta de oportunidades en esa zona, especialmente si eres una madre soltera".

Por su filmografía, pareciera que lo que le interesa a Niki Caro es contar historias de mujeres. Sin embargo, ella dice: "Me interesa más la naturaleza humana que la femenina propiamente tal. Mis dos películas tienen mujeres inusuales, que debido a su género se transforman en dos héroes poco probables. Y eso es lo que me interesó de ellas. Lo que me gusta contar son historias verdaderas. Por ejemplo: cuando le mostré la película a las mujeres que vivieron los hechos en la realidad, ellas no vieron en pantalla sus personalidades, pero sí sus experiencias".

La cinta también postula al Oscar a Mejor Actriz Secundaria (Frances McDormand).

Grey Gardens : Familiares mugrientas

Drew Barrymore y Jessica Lange encarnarán a un par de excéntricas familiares de la ex primera dama de los Estados Unidos, Jacqueline Kennedy, que fueron noticia por la revelación de su vida entre la mugre en una aristocrática mansión de Nueva York.

El filme Grey Gardens (Los jardines grises), basado en hechos reales, será la primera obra que dirigirá el hasta ahora productor Michael Sucsy, guionista también de la película, informó Variety.

Barrymore, quien este miércoles cumple 31 años, interpretará a Edie, la hija de Edith Bouvier Beale, encarnada por Lange (56), a quienes Jackie Kennedy tuvo que salvar del escarnio público en la década del '70 cuando titulares del mundo entero revelaron la suciedad en la que vivían.

En el largometraje se cubrirán 40 años, y aparecerá el personaje de Jackie Kennedy pero no se reveló la actriz que la interpretará.

Grey Gardens es el nombre de la mansión en la que sucedió la insólita historia de Edith Bouvier Beale y su hija Edie, tía y prima hermana de Jacqueline Kennedy Onassis, respectivamente. Ambas vivían en un mundo asqueroso detrás de los hermosos jardines que rodeaban su mansión de 28 habitaciones en East Hampton .