Una habitacion con vistas

Alejandro González Iñárritu competirá por la Palma de Oro de Cannes

2010-04-15T10:34:00.002-05:00

El cineasta y escritor mexicano Alejandro González Iñárritu competirá por la Palma de Oro en el próximo Festival de Cannes con su filme "Biutiful", anunció hoy la organización de este evento.

El filme, protagonizado por el actor español Javier Bardem, forma parte de la selección oficial del festival, que se celebrará entre el 12 y el 23 de mayo próximos.

La edición número 63 se abrirá con el filme de Ridley Scott "Robin Hood" y la lista de la selección oficial incluye además "Copie conforme", de Abbas Kiarostami, "Another year", de Mike Leigh, y "Utomlyonnye Solntsem 2", de Nikita Mikhalkov.

Los otros filmes en competición son "Des hommes et des dieux", de Xavier Beauvois, "Hors la loi", de Rachid Bouchareb, "Un homme qui crie", de Mahmat-Saleh Haorun, "Housemaid", de IM Sangsoo, "Outrage", de Takeshi Kitano, y "Poetry", de Lee Chang-Dong.

Completan la lista "Fair Game", de Doug Liman, "You. My joy", dirigido por Sergei Loznitsa, "La nostra vita", de Daniele Luchetti, "La princesse de Montpensier", de Bertrand Tavernier, y "Loong Boonemee Raleuk Chaat", realizado por Apichatpong Weerasethakul.

El jurado de la próxima edición del Festival de Cannes estará presidido por el cineasta Tim Burton y formarán parte además de él el actor puertorriqueño Benicio del Toro y el director español Víctor Erice.

Además, el jurado estará integrado por la actriz británica Kate Beckinsale, la actriz italiana Giovanna Mezzogiorno, Alberto Barbera (director del Museo Nacional del Cine italiano), el guionista y escritor francés Emmanuel Carrere y el director y actor indio Shekhar Kapur.
Fuera de la competición el Festival exhibirá los filmes de Woody Allen "You will meet a tall dark stranger", "Tamara Drewe", de Stephen Frears, y la película del estadounidense Oliver Stone "Wall Street-Money never sleeps", protagonizada por Michael Douglas

Ultimo capítulo de Lost tendrá una escena oculta

2010-04-14T08:44:00.000-05:00

El último episodio de Lost, programado para el 23 de mayo en EEUU, ha sido especialmente cuidado por los productores de la serie que en Perú emite el canal de cable AXN.

Porque para evitar la filtración del desenlace de la trama, los creadores del programa -que actualmente emite su sexta temporada y final- han decidido ocultar una escena clave de la historia que aún no ha sido grabada. Tanto así, que ni siquiera los actores conocen su contenido.

Así lo confirma una de las estrellas del reparto, Henry Ian Cusick, quien interpreta a Desmond en la ficción. Según el actor, todos los protagonistas de Lost tienen en sus manos los guiones de los capítulos que faltan hasta el final de la serie.

De este modo pueden ir viendo qué ocurre y saber cómo interpretar a sus personajes y trabajar con sus frases. Sin embargo, comenta que "ningún actor tiene la escena undécima del último episodio".

"Así que no sabemos qué pasa en el acto final, que creo que vamos a rodar pronto", concluyó durante una entrevista a The ODI.

Por su parte, Jorge García (Hugo en la serie), aseguró a Los Angeles Times que habrá un giro inesperado antes del fin de la ficción y, en concreto, se producirá después del capítulo que él mismo protagoniza.

Películas de Woody Allen y Oliver Stone son "seguras" para Cannes

2010-04-12T12:40:00.003-05:00

Pese a que la programación oficial del Festival de Cannes de este año se dará a conocer recién este jueves en París, ya existe la certeza de que los nuevos filmes de los estadounidenses Woody Allen y Oliver Stone estarán presentes en la cita francesa.

De acuerdo a "Variety", también están confirmadas las nuevas películas del francés Jean-Luc Godard y el iraní Abbas Kiarostami, dos reputados cineastas de distintas generaciones del cine mundial.

La organización del festival se ha visto en apuros para afinar la lista de películas, ya que además de que algunos proyectos simplemente no estarán listos a tiempo para la cita (como las películas de Clint Eastwood, Darren Aronofsky y Gus van Sant), existen dudas sobre si incluir títulos como "Tree of Life", de Terrence Malick, que tiene como protagonistas a Sean Penn y Brad Pitt. Las dudas pasan por si Malick, que tiene fama de demorar la etapa de montaje, podría alargar la post-producción al punto de poner en aprietos a Cannes.

Una película que sí está segura es "Robin Hood", del británico Ridley Scott y con Russell Crowe como el legendario arquero, que ha sido designado como el film que abrirá el festival, aunque fuera de competencia.

Entre las películas que estarán en el programa que se anunciará el jueves, están la comedia londinense "You Will Meet a Tall Dark Stranger", de Woody Allen; y la secuela de "Wall Street", dirigida nuevamente por Oliver Stone.

Otros títulos que "suenan" son "Fair Game", de Doug Liman y con Naomi Watts y Sean Penn en el reparto; "Another Year", de Mike Leigh; y "Tamara Drewe", de Stephen Frears.

En la sección "Un Certain Regard", uno seguro es el francés Godard con "Socialism", en el que también participan otros seis realizadores. Kiarostami, en tanto, presentaría su primera película rodada fuera de Irán, "The Certified Copy", en la que participa Juliette Binoche.

Desde Asia aparecería otra vez el japonés Takeshi Kitano con "Outrage", mientras que el coreano Lee Chang-dong llevaría "Poetry" a las salas francesas

Habitual guionista de Alejandro Amenábar comienza a filmar western

2010-04-12T12:36:00.002-05:00

El actor español Eduardo Noriega ("Abre los ojos"), el estadounidense Sam Shepard ("Diario de una pasión") , el irlandés Stephen Rea ("V de Venganza") y la actriz peruana Magaly Solier, acaban de iniciar en Bolivia el rodaje de "Blackthorn", un western dirigido por Mateo Gil, quien recupera a los legendarios bandidos Butch Cassidy y Sundance Kid.

Según un comunicado de Arcadia Motion Pictures y Aiete Ariane Films, el cineasta español Mateo Gil, que ha colaborado en guiones de películas como "Tesis" o "Mar adentro", de Alejandro Amenábar, ya se encuentra en la primera semana de un rodaje que durará nueve semanas en Bolivia y que tiene un presupuesto de más de 6,7 millones de dólares.

Gil se sumerge en la leyenda de Blackthorn, seudónimo de Butch Cassidy, encarnado en la ficción por Shepard, quien ya ha trabajado en este género en filmes como "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford".

En su viaje de regreso a Estados Unidos, Blackthorn se cruzará en el camino del español Eduardo Apocada (Eduardo Noriega), un ingeniero de minas perseguido por robo. Una enemistad inicial entre los dos hombres se convertirá en una relación de camaradería.

Mateo Gil, galardonado con dos premios Goya (guión de "Ágora" y dirección del corto "Dime que yo"), apuesta en "Blackthorn" por una historia sobre la amistad y los valores.

"Es un género profundamente moral. En él, los personajes se enfrentan a la vida y sus grandes temas en condiciones muy puras y simples, por lo que las decisiones a las que deben enfrentarse los personajes resultan no sólo dramáticas, sino ejemplarizantes", escribe Gil, que debutó en largometrajes con "Nadie conoce a nadie" (1999).

Mare Winningham se une a Kate Winslet en Mildred Pierce

2010-04-12T12:30:00.002-05:00

La actriz Mare Winningham, quien aparece en la octava temporada de 24, es la última incorporación al reparto de Mildred Pierce, miniserie escrita y dirigida por Todd Haynes que adapta la novela homónima de James M. Cain.

Esta nueva versión de la historia está protagonizado por Kate Winslet en el papel de una madre que se separa de su marido desempleado (Brian F. O’Byrne) y empieza a trabajar de camarera en Los Angeles durante la Gran Depresión mientras intenta ganarse el cariño de su caprichosa hija Veda (Evan Rachel Wood).

Winningham interpretará el papel de Ida Corwin, una amiga de la protagonista.

La novela de James M. Cain ya fue adaptada al cine en 1945 en una película dirigida por Michael Curtiz con Joan Crawford en el papel principal, interpretación que le valió un Oscar.

Murió la actriz Dixie Carter, protagonista de la serie "Designing Women"

2010-04-12T02:48:00.001-05:00

La actriz Dixie Carter, protagonista de la serie televisiva "Designing Women" y destacada por su papel secundario en "Desperate Housewives", murió en un hospital de Houston a los 70 años, informaron hoy fuentes allegadas a la familia.

La actriz, quien soñaba de joven ser cantante de ópera, había comenzado su carrera en la comedia musical en Broadway convirtiéndose luego en cantante de cabaret.

Pero el éxito le llegó gracias a la televisión en las décadas de 1980 y 1990, gracias a la serie "Designing Women", donde interpretaba el papel de la directora de un grupo de decoradoras de Atlanta devota de las causas liberales.

Carter se alzó con una candidatura al Emmy (los Oscar de la televisión) con la participación en algunos capítulos de otra serie televisiva exitosa, "Desperate Housewives", en el rol de la suegra de Bree Hodge (interpretada por Marcia Cross).

Sex and the City 2, de visita por el mundo árabe

2010-04-11T17:41:00.003-05:00

Sarah Jessica Parker y sus amigas de Manhattan llevarán sus poses sexy a una nueva ciudad: Abu Dhabi. Para la segunda entrega cinematográfica de la exitosa serie de HBO Sex and the City, el cuarteto de mujeres glamorosas se trasladará a la ciudad de Medio Oriente. Aunque, según contó su protagonista, Sarah Jessica Parker, en la convención de Las Vegas que reúne a los dueños de cines de los Estados Unidos; aunque la mayor parte del film transcurre en Nueva York, el viaje de las amigas a la ciudad árabe presentó un inusual desafío para la producción: "¿Cómo puedes sostener la idea de que la moda es un componente esencial de esta historia y, al mismo tiempo, llevarla a una cultura que te obliga a cubrirte?".

La respuesta llegará a los cines del mundo el próximo 27 de mayo, pero ya se filtraron algunos detalles argumentales. Por ejemplo, que el cuarteto viaja a Medio Oriente con la excusa de la filmación de una película protagonizada por el ex novio de Samantha (Kim Catrall). Por su parte, Carrie (Parker) se encontrará con su ex novio Aidan (John Corbett), casualidad que hará tambalear su matrimonio con Big (Chris Noth). Además, el ama de casa y madre perfecta Charlotte (Kristin Davis) comenzará a cuestionar su lugar en el mundo y lo mismo hará Miranda (Cynthia Nixon). Según Michael Patrick King, director y guionista del film, esta segunda entrega contestará, a su manera, la pregunta del millón: ¿habrá bebe para la independiente Carrie?.

En Lost, la inmortalidad sólo es una maldición

2010-04-11T16:23:00.003-05:00

En Lost , toda revelación trae aparejado un nuevo misterio. Incluso ahora, que a la serie que bien puede considerarse la más famosa e influyente del mundo (al menos si uno tiene Internet) le queda sólo media docena de capítulos para desentrañar un universo que se resiste a todos nuestros intentos de explicarlo como a otro ciclo de TV (y quizás a la larga se revele como otra cosa).

No hay mejor botón de muestra de la capacidad de Lost de englobar registros y géneros disímiles en sus redes misteriosas que el capítulo de anoche de la ficción, "Ab Aeterno" (algo así como "desde siempre"), en el que se reveló la historia de uno de sus personajes más enigmáticos, el inmortal Richard Alpert.

Para quienes no lo hayan visto aún y vayan a hacerlo en su repetición (el domingo, a las 11 y 21, por AXN), mejor dejar de leer en este punto. Porque la forma en la que Alpert se convirtió en el consejero de los Otros y mano derecha de Jacob, el "guardián" de la isla, estaba muy lejos de las teorías que pretendían explicar su lugar de preeminencia. Incluso las del propio Néstor Carbonell, quien interpreta al personaje en el programa. "Ni yo sabía quién era en realidad, porque no nos cuentan esas cosas -explica, vía telefónica-. Y estoy muy feliz, porque no podía estar más equivocado. Yo pensé que había nacido en la isla, hasta que era una especie de emanación corpórea de ella, hasta creí que su inmortalidad venía del hecho de que los habitantes del lugar envejecían más lento allí. ¿Puedes creerlo? Es imposible descubrir qué piensan los libretistas acá".

Saltando de la épica romántica a la disquisición metafísica, Lost mostró cómo Alpert fue en su vida previa un pobre campesino de Tenerife a mediados del siglo XIX, encarcelado por matar accidentalmente al médico que se había negado a salvar a su esposa, que es vendido como esclavo y naufraga en la isla a bordo del Black Rock, el barco encallado en el que hace pocos episodios quiso suicidarse -y no pudo- tras convencerse de que Jacob le había mentido acerca de su misterioso "plan".

"Me encantó descubrir que no era quien estaba a cargo de todo. Los autores tomaron un personaje mítico y lo hicieron humano: es alguien que siente que debe expiar sus pecados por toda la eternidad y que, a la vez, no se resigna a haber perdido a su mujer", explica el actor nacido en Nueva York, que con este capítulo se dio el gusto de actuar por primera vez en español.

El episodio también sirvió para conocer la primera explicación acerca de la naturaleza de la isla y para descubrir algo más de las reglas que rigen la dinámica entre el justo Jacob (Mark Pellegrino) y el tramposo Hombre de Negro (Titus Welliver). Pero, como decíamos antes, la revelación sólo trae otras preguntas. Interrogantes que Lost se está tomando todo el tiempo del mundo en responder.

¿Es la isla verdaderamente el corcho metafísico que evita que el mal se derrame por el mundo, como le explica Jacob a Richard? Si es así, ¿cuál es la botella que lo contiene? ¿Por qué el rubio guardián es capaz de conceder el deseo de Richard de no morir, pero no el de perdonarle sus pecados o devolverle a su esposa? ¿Ha habido antes otro Jacob, otro Richard y otro Hombre de Negro? Carbonell promete que éstas y otras preguntas -las centrales, como ¿qué es Lost ?- serán respondidas de forma "alucinante". Aunque ni él sabe exactamente cómo: "Estamos filmando el último capítulo, pero no me dieron el guión completo, sólo la parte de mi personaje. Nadie, ni siquiera el director, vio aún las últimas siete páginas, donde está el verdadero final".

Mientras cada fanático piensa en lo que significaría hacerse de esas carillas, Carbonell aquieta las aguas -o no- con otra revelación. "Voy a ser muy honesto: a mí me encantó quién eligieron para reemplazar a Jacob. No puedo estar seguro de que ésa sea la decisión final, dado que no están esas benditas páginas, pero sí me encantó cómo lo resolvieron, tanto como actor como fanático. Es más: puedo garantizarles que en todos los capítulos, a partir de éste, y especialmente en el número 15, habrá respuestas para todo y para todos." Habrá que creerle. O reventar

The Pacific : El frente menos filmado de la guerra

2010-04-11T15:27:00.003-05:00

Olvídense de Europa, de Hitler, de Mussolini y los nazis. La guerra de ustedes será en el Pacífico, contra el Imperio del Japón". Las palabras que reciben los Marines, alistados para combatir durante la Segunda Guerra Mundial son la clave de The Pacific, la miniserie de diez capítulos que estrena hoy HBO y que irá todos los domingos a las 21.

Nombres como Guadalcanal, Iwo Jima y Okinawa son referencias al horror que experimentaron los soldados norteamericanos destinados a combatir en el Pacífico, frente a un enemigo implacable. "Cuando ustedes usaban pañales, los japoneses ya estaban peleando", dice un alto mando frente a la mirada atónita de muchos jóvenes inexpertos que corrieron a alistarse en las fuerzas armadas movidos por un heroísmo romántico y sin imaginar lo que les esperaba en esas lejanas islas.

Filmada en Australia y producida por Tom Hanks, Steven Spielberg y Gary Goetzman (el mismo equipo de Band of Brothers), la trama se centra en las historias de tres infantes de Marina, Robert Leckie (James Badge Dale), Eugene Sledge (Joe Mazzello) y John Basilone (Jon Seda), quienes escribieron sus propias vivencias de la guerra.

El soldado Leckie se crió en Nueva Jersey, con siete hermanos, escribía sobre deportes y formó parte del Segundo Batallón como ametrallador. El sargento John Basilone fue uno de diez hijos de padres inmigrantes italianos y campeón de boxeo. Y Eugene B. Sledge, de familia acomodada de Alabama, hijo de un médico y con un problema cardíaco, que a pesar de la negativa de su familia se enroló como soldado. Sus historias, entreladazas con las de sus compañeros, sirven como hilo conductor para mostrar el miedo, el tedio y las condiciones extremas bajo las cuales combatieron poniendo a prueba su condición humana.

The Pacific muestra las batallas físicas, mentales y emocionales que forman parte de todas las guerras."Es una visión de la guerra completamente diferente; conocemos lo que sucedió en Europa pero la guerra en el Pacífico fue salvaje y brutal, y se peleó en un territorio desconocido", dice Tom Hanks, en su rol de productor. "Ir al Pacífico era un misterio, a un lugar al que nunca habían ido ni habían imaginado.La mentalidad de los soldados era otra: iban a vengarse contra las japoneses por el ataque a Pearl Harbour. La experiencia física fue ardua, en selvas y atolones, sin infraestructura. Era un paisaje extraño. Queríamos mostrar los efectos, a su regreso. La pregunta es ¿cómo hicieron para pasar por todo esto y volver recién en 1946 y seguir con sus vidas?", describe Hanks. "Fue difícil para todos ellos. Yo no puedo parar de preguntarme cómo volvieron a una vida normal después del Pacífico"

Cameron anuncia que la secuela de 'Avatar' tendrá imágenes de la Amazonía

2010-04-11T12:53:00.000-05:00

El director de cine James Cameron anunció este domingo que en la secuela de "Avatar", la película más taquillera de la historia, habrá imágenes tomadas en la Amazonía brasileña.

"Vamos a tener tomas de la Amazonía brasileña, pero no desplazaremos un equipo grande grabación", comentó Cameron en unas breves declaraciones a periodistas tras iniciar en São Paulo una siembra mundial de árboles.

Cameron plantó un pié de Pau-Brasil, el árbol que da el nombre al país suramericano y que se encuentra en vía de extinción en el Parque de Ibirapuera de Sao Paulo.

El cineasta ya había descartado grabar la secuela de su taquillera película de ficción en alguna selva real, por el impacto ambiental que tendrían las grabaciones.

Por ello, y al igual que en la primera parte de la saga, 'Avatar 2' se grabará en una "selva vacía", creada con efectos de animación digital en una sala de grabación, combinada con unas pocas tomas reales del verde amazónico.

Cameron, quien se encuentra en Brasil desde hace dos semanas y participó en la ciudad amazónica de Manaos del Foro Internacional de Sostenibilidad de la Amazonía, junto al ex vicepresidente estadounidense Al Gore, dio comienzo este domingo en Sao Paulo a una campaña mundial de siembra de árboles promovida por el equipo de 'Avatar'.

La campaña ecologista liderada por Cameron es una iniciativa de Twentieth Century Fox Home Entertainment, productora de la película, y del movimiento Earth Day Network (Red del Día de la Tierra), y tiene como meta sembrar un millón de árboles en quince países hasta el final de este año.

El cineasta estuvo acompañado por su esposa, la actriz estadounidense Suzy Amis, y por Sigourney Weaver, una de las protagonistas de la película nominada al premio Óscar 2010 y que ha recaudado hasta ahora 2.700 millones de dólares en taquilla, cifra que ha superado el récord que ostentaba otra de sus películas, 'Titanic'.

Arrastrame al Infierno : El precio de la ambición

2010-04-10T17:22:00.003-05:00

Debe ser más difícil de lo que parece. Uno ve Arrástrame al infierno, que parece una simple y efectiva película de terror de mediano presupuesto, y se pregunta por qué ya no se hacen más filmes así. No hay nada revolucionario en ella: una historia clásica de una mujer amenazada por fuerzas sobrenaturales, unos buenos sustos, algunos toques de comedia y listo. Efectivísima fórmula para una buena salida al cine.

Sin embargo, casi no existen. Las películas de terror o de superhéroes están tan anabolizadas que un filme de género donde los efectos especiales son relativamente pocos y lo que más llama la atención son los dientes podridos de una vieja gitana o ese vómito verde que larga en la cara de la protagonista se ve como un objeto extraño. Eso es este regreso de Sam Raimi a sus orígenes: un ejercicio para tomar aire y después retomar la carrera del Hombre Araña.

O tal vez sea un mea culpa de su parte. La historia de una empleada que, buscando ascender un puesto en el banco en el que trabaja, decide negarle una prórroga en el pago de una deuda a una anciana enferma y así la obliga a perder su casa, podría leerse como una crítica a los años de Bush , una mirada sobre la crisis, la búrbuja inmobiliaria y el egoísmo y codicia de esos años infames. Pero también pueden verse como un reconocimiento, de parte de Raimi, de haber hecho demasiadas concesiones en su carrera reciente (la tercera parte de El Hombre Araña no está ni por asomo a la altura de las anteriores) y haber abandonado "su humanidad", sus orígenes.

A Christine (Alison Lohman, de Los tramposos y El gran pez), tras "humillar" a la anciana, el mundo se le vuelve inmanejable. Víctima de una maldición llamada Lamia (o tal vez sólo sea culpa), empieza a ser atacada en sueños (y no tanto) por la anciana, que la tortura de distintas maneras. Christine acudirá a un vidente -pese a los consejos de su novio, profesor universitario- e intentará seguir una serie de pasos para escapar de la persecución de la temida Lamia. ¿Podrá?

Raimi dosifica escenas de susto (más asquito que susto, a decir verdad) con otras viradas hacia la comedia. Y la película siempre se mantiene en ese territorio de pequeñas torturas, escapes y confusiones mientras que, paralelamente, la más "realista" historia de la pelea con un colega del banco por el bendito ascenso va complicándose con las cada vez más raras actitudes de la desesperada Christine. Arrástrame..., en un punto, no es más que una cara y muy entretenida película de Clase B. Pero una que cumple todo lo que promete. Literalmente

El Secreto de sus ojos

2010-04-09T17:33:00.000-05:00

Juan José Campanella, junto a Marcelo Piñeyro y el fallecido Fabián Bielinsky, deben ser los realizadores argentinos que más y mejor se nutrieron del cine clásico estadounidense (Capra, Ford, Wilder). Y no sólo demostraron ser eruditos: supieron adaptarlo a la idiosincrasia local.

Con El secreto de sus ojos el director de El hijo de la novia va a sorprender a más de un espectador. Se alejó del costumbrismo de Luna de Avellaneda y, como embebido del suspenso de los trabajos que suele ejercer en la TV estadounidense (House, La ley y el orden) alumbró un filme que combina a la perfección film noir, drama romántico, thriller, su acostumbrado humor y hasta el costado histórico, político y social.

El director adaptó junto al autor Eduardo Sacheri la novela La pregunta de sus ojos, pero la cambió: el personaje femenino (Irene) tiene más peso y afectó resoluciones de algunas situaciones

Espósito (cuarta colaboración de Ricardo Darín con Campanella) trabaja en un Juzgado en lo correccional de instrucción en la Capital, cuando por 1974 debe investigar la violación y asesinato de una joven. El marido, Morales (Pablo Rago) está hundido en la desesperación -tiene sus "ojos en estado de amor puro"-, espera que atrapen al criminal y le den cadena perpetua. Espósito trabaja con Sandoval (Guillermo Francella) y su superior es la doctora Irene (Soledad Villamil), de novia y comprometida, y de otra clase social, de quien está perdidamente enamorado. Cualquier parecido con lo que siente Morales no es pura coincidencia.

La acción va y viene de los '70 a 25 años más adelante, cuando Espósito, ya jubilado, desee escribir una novela sobre "la causa de Morales" y renueve la investigación. La pasión está en el fondo de todo.

Campanella es uno de los mejores dialoguistas del cine argentino, y sabe resumir el sentimiento de sus personajes. Que si conmueven y logran identificación es porque son gente común. Gente como uno. "Era una chica divina, qué culpa tenía ella si no la pude querer", "Y sí, qué quiere que le diga, esta gente la Justicia se la pasa por el culo" (en pleno lopezrreguismo), o "No piense más... (Para) no tener mil pasados y ningún futuro" son frases grabadas a fuego en la película.

Campanella también es de los pocos que sabe dialogar fluido con el público. Haga comedia, cine costumbrista o drama. A los remates de sus líneas, El secreto de sus ojos le agrega momentos de auténtico placer: prepárense cuando vean el estadio de Huracán desde el aire para disfrutar un plano secuencia de 5 minutos exactos, que entra y sale del campo de juego y se mete por los rincones del Ducó; y, esencialmente, la escena del final.

Gran director de actores -hasta los secundarios se lucen-, a las habituales excelencias de Darín y Villamil, que son el corazón del filme, se suman un Francella convincente en un papel diferente y un Rago que aquí es una revelación.

"¿Cómo se hace para vivir una vida llena de nada?", se pregunta Espósito. La respuesta correcta, en El secreto de sus ojos

Una noche de solteros : ¿Que pasó ayer?

2010-04-08T18:04:00.000-05:00

Hay que admitir un prejuicio. Uno va a una función privada de una comedia norteamericana (por más que se trate de Nueva Comedia Americana) sobre cuatro tipos que viajan a una despedida de soltero en Las Vegas y siente que está por ver algo que ya vio. Y no. No del todo. En ¿Qué pasó... hay, desde luego, gags basados en el descontrol y el desenfado. Pero también una estructura narrativa que funciona y trasciende el género; un humor -coherente con cada personaje- que por momentos descoloca, como debe hacerlo el humor; y treintañeros multidimensionales: patética, graciosamente humanos.

La historia se dispara por la desaparición de uno de ellos -el que está por casarse- y tiene una construcción elíptica: ambas características le otorgan al filme una conveniente intriga estilo thriller. Los cuatro amigos -en realidad, tres y el hermano de la novia, interpretado por Zach Galifianakis, un talento inescrutable- llegan a un hotel cinco estrellas, suben eufóricos a la terraza y se aprestan -con mayor o menor convicción- a lanzarse a una noche de piratas. Corte. Todd Phillips muestra la habitación a la mañana siguiente. Vemos el plano de las piernas de una mujer que sale del cuarto.

El panorama de la resaca es por lo menos extraño. Stu (Ed Helms), odontólogo sometido por su esposa, está tirado de cara al piso: alguien le extrajo un canino. Phil (Bradley Cooper), maestro y galán, tiene una pulserita de hospital en su muñeca. Alan, el hermano de la novia, un tipo de reacciones anómalas, informalmente hierático, entra en el baño y se encuentra con un tigre. Ah, además una gallina corre entre los muebles; en el ropero gimotea un bebé; y nadie encuentra a Doug (Justin Bartha). Apenas el comienzo de una serie de situaciones absurdas y misteriosas que se irán develando con el foco puesto en un humor ingenioso; y, también, en la parodia; y en el cálido antiheroísmo de los personajes.

La película tiene ráfagas sumamente irreverentes, políticamente incorrectas: Galifianakis, el que supuestamente debe llevar esta "carga", se muestra tan sólido en su papel -de tipo insondable, excéntrico sin conciencia de serlo- que logra que ese humor no sea chocante sino meramente eficaz. El resto del elenco abunda en otros aciertos. Sumemos, ya que lo suyo no se trata de un simple cameo, al mismísimo Mike Tyson, con una panza irreconocible. El panorama suena más que tentador, ¿no es cierto? El final incluye una acertada y graciosa resolución reconstructiva de la historia.

Entre personajes que no se adaptan a la vida adulta ni matrimonial (y que Phillips muestra sin juzgarlos) desentona que se resalte que la esposa de Stu le fue infiel. Alcanzaba con que fuera autoritaria para justificar la conflictividad de él. Es, tal vez, un detalle, pero de los que ponen a un filme en el filo del machismo

Winona Ryder prepara su retorno protagónico junto a Ron Howard

2010-04-07T23:00:00.002-05:00

Tras varios años de papeles insustanciales en películas de poco éxito, la actriz estadounidense Winona Ryder, regresa a la primera plana de Hollywood con su presencia en el próximo film de Ron Howard.

Según la publicación de espectáculos "Entertainment Weekly", la intérprete de 38 años y originaria de Minnesota ha conseguido el papel de Geneva en la cinta de Howard, llamada inicialmente "Cheaters" ("Tramposos"), una comedia que coprotagonizará con Vince Vaughn y Kevin James, y que comenzará a rodarse en mayo próximo en la ciudad de Chicago.

Fuentes de la publicación sostienen que Ryder se impuso en las audiciones sobre actrices de renombre como Kate Beckinsale, Carla Gugino o Uma Thurman.

La cinta cuenta con guión de Allan Loeb, autor de los textos de largometrajes como "21" o "Wall Street: Money Never Sleeps".

Según explicó la revista, no se trata de una clásica comedia romántica. La historia se centra en dos íntimos amigos (Vaughn y James) y cómo cambia su relación cuando descubren la infidelidad de la esposa de uno de ellos.

En EE.UU. se habla de la trayectoria ascendente de Ryder tras haber participado en películas como "Star Trek" (2009) y "Black Swan", el último trabajo de Darren Aronofsky.

Ryder, popular por sus papeles en "Beetlejuice" (1988), "El joven manos de tijera" (1990) o "Reality Bites" (1994), fue candidata al Oscar por "Le edad de la inocencia" (1993), rol por el que obtuvo un Globo de Oro, y por "Mujercitas" (1994).

Su próximo proyecto es la miniserie de la CBS "When Love is Not Enough: The Lois Wilson Story", sobre la historia de la cofundadora de Al-Anon (alcohólicos anónimos).

Elizabeth Mitchell y sus sentimientos encontrados

2010-04-07T17:26:00.000-05:00

Elizabeth Mitchell tiene sentimientos encontrados ante el inminente final de Lost , una serie que la tuvo como una de sus grandes protagonistas a partir de la tercera temporada. "En verdad, me siento feliz y triste al mismo tiempo, ahora que se aproxima la despedida. Feliz porque me considero una lectora voraz, y realmente disfruto cada vez que uno de los libros que estoy leyendo se aproxima al desenlace. Y también triste por el grupo con el que me tocó compartir tantas experiencias, porque se termina un tiempo compartido y cada uno de ellos afronta a partir de ahora caminos separados. Pero sigo muy cerca de muchos de ellos y eso es muy agradable", confiesa la actriz con un indisimulable dejo melancólico.

Antes de llegar a Lost y ponerse allí en la piel de Juliet Burke, la carrera de Mitchell estuvo siempre más cerca del drama y, en menor medida, de la comedia. Ahora, la identidad televisiva de la actriz está claramente asociada a la ciencia ficción, sobre todo desde que figura al frente del elenco de V. "La ciencia ficción siempre fue una de mis obsesiones. Cuando tenía siete años soñaba con trabajar en una serie o una película de este género. Por suerte me tocó interpretar a toda clase de personas en mi carrera, desde las más repudiables a las más angelicales. Y espero seguir así. Me atraen todas las manifestaciones de la psiquis humana", reconoce.

-¿Fuiste invitada a hacer algún cameo en este tramo decisivo de Lost ? ¿Vas a aparecer en el capítulo final?

-Sí, por supuesto

Comienza el rodaje de la aventura boliviana de Butch Cassidy

2010-04-07T16:10:00.000-05:00

'Blackthorn', el filme que narra la aventura boliviana del célebre bandolero estadounidense Butch Cassidy, comenzó a rodarse en escenarios naturales que van desde paradisíacos valles hasta la agreste puna de Bolivia, informó el martes el coproductor de la película, Paolo Agazzi.

El filme recrea la vida de Cassidy en Bolivia y su retorno a Estados Unidos, mientras su compañero de fechorías, Sundance Kid, es mortalmente herido, tras un enfrentamiento con el Ejército en el poblado andino de San Vicente en 1908.

Agazzi, un director italiano de cine que vive en Bolivia desde 1975, dijo al diario La Prensa que en la película habrá "muchos caballos, mucho galope, mucha persecución (y) tiroteos, al clásico estilo de las películas del Oeste".

El protagonista del filme es el actor estadounidense Sam Shepard ('Black Hawk Derribado' y 'El diario de Noah'), como Cassidy, que compartirá escenario con la actriz peruana Magaly Solier, estrella de 'La Teta Asustada' y el irlandés Stephen Rea ('Ciudadano X' y 'Entrevista con el Vampiro').

V, Encuentros Cercanos

2010-04-06T14:18:00.000-05:00

La ciencia ficción que vale la pena nunca se juega en la superficie. Porque detrás de la parafernalia, las naves espaciales, los extraterrestres y los hechos inexplicables, se esconde un comentario respecto de la actualidad, que puede ser todo lo provocador que los creadores quieran, gracias a su disfraz de entretención pura.

Y, aunque su aporte exacto al género está por verse, es por ahí donde se pueden explorar las lecturas más interesantes en V, la nueva serie sobre una invasión extraterrestre que estrena hoy Warner Channel y que emitirá los martes, a las 21 horas.

A su llegada, los "visitantes", como se autodenominan los extraterrestres, se presentan como una panacea. Ofrecen "dejarnos mejor de como nos encontraron", como define su líder. Pero incluso sin contar las intenciones destructivas secretas de los alienígenas, el costo, que muchos se muestran dispuestos a pagar, queda claro: la obediencia total y el sacrificio de muchas de las libertades y derechos democráticos. En el primer capítulo, de hecho, la primera víctima es la libertad de prensa. Vistas a la luz de la paranoia del terrorismo o de la delincuencia, que tiene a partes de la población dispuestas a sacrificar las libertades y derechos más básicos con tal de evitarse esos males, la metáfora no resulta para nada ajena.

El primer capítulo de V administra bien el clima de tensión y la sensación de que el peligro acecha, alimentando los paralelos con la cultura del miedo y usando un referente común a la serie ochentera en la que está basada esta producción: el aparato fascista pre Segunda Guerra Mundial. Además, contó con una producción envidiable para la TV.

El principal problema es que, entre alegorías, efectos especiales y la cantidad de información que incluyeron, se dejó de lado el desarrollo de los personajes, más allá de unas cuantas líneas que los dibujan a trazos gruesos. Y si eso no mejora con el correr de los capítulos, podría convertirse en el pecado inperdonable de V

Caso 39 : Horror en familia

2010-04-05T23:35:00.000-05:00

Caso 39 podría haber sido original, revulsiva, y al menos en su elección argumental lo es: la violencia de padres sobre hijos suele tener menos prensa que la de género y víctimas aun más indefensas. En la apertura del filme, el alemán Christian Alvart despliega esta problemática y, a mitad de partida, practica un enroque imprevisto entre atormentados y atormentadores. Desde allí, intenta combinar el terror "familiar" -lo cotidiano cuando se vuelve extraño- con el sobrenatural, menos eficaz. Logra, sobre todo al principio, pasajes de suspenso y de horror psicológico. Después, abusa del cine de fórmula: hasta que todo atisbo de originalidad se desvanece.

Renée Zellweger interpreta a una asistente social -agotada, escéptica, un tanto anestesiada por la rutina- que de pronto siente una empatía especial con una nena de diez años (gran trabajo de Jodelle Ferland) a la que intuye maltratada por sus padres. Los niños, en esas situaciones (que corren el riesgo de repetir de adultos), no suelen tener el beneficio de la palabra ni la opción de la ruptura de lazos: el personaje de Zellweger intenta suplir esas imposibilidades ajenas. Pero su propia historia de vida, no muy feliz, hace que todo sea más complejo.

Un giro posterior, que dará vuelta la trama, ubicará a los adultos en situaciones de horror ante niños: en algún momento veremos a Bradley Cooper, en el papel de un psicólogo, y a la propia Zellweger jaqueados -aterrados- por pequeños. En el caso de ella, al punto de una transformación violenta. Es una pena que la inclusión de elementos diabólicos, y la utilización de recursos muy transitados en el género, vayan haciendo cada vez más previsible al filme. Y que terminen por adueñarse de él.

Un caso de posesión, pero cinematográfico. Es evidente que la incursión norteamericana le quitó espíritu innovador a Alvart. Y que su decisión -¿temerosa, obligada?- de mezclar clichés de distintas ramas del cine de terror le anuló las chances de ir a fondo con la violencia familiar ejercida sobre niños, una cadena más temible que el demonio. La (oscura) idea de que sólo pueden causarnos un mal extremo aquellos que amamos

Una noche fuera de serie : Steve Carell y Tina Fey están desaprovechados en el filme.

2010-04-05T17:45:00.000-05:00

El proyecto sonaba atractivo. Porque tanto Steve Carell como Tina Fey son dos muy buenos comediantes. Surgidos en la televisión estadounidense, él aún en The Office, ella en 30 Rock, o ambos en distintos momentos en Saturday Night Live, cuna de talentos humorísticos. E inclusive ellos se han destacado al escribir sus propios libretos -en particular Fey en SNL.

Pero no. En Una noche fuera de serie el humor, cuando hay situaciones que rondan la sonrisa, no es original ni inteligente, sino tirando al doble sentido más básico y ramplón. Ni siquiera en los créditos, con los outtakes, las tomas que quedaron afuera por distintos errores, motivan una mueca.

Los Foster, Phil y Claire, son un matrimonio aburrido de New Jersey que van a cenar a un restaurante top en Manhattan, sin reservaciones. Y aprovechan que los Tripplehorn no aparecen al llamado de la maitre, se hacen pasar por ellos y se sientan a degustar el menú.

Comedia de situaciones entre absurdas y equívocas, los Tripplehorn estaban chantajeando a un fiscal de distrito, por lo que unos policías que trabajan para un mafioso están tras ellos para que les den la prueba que incrimina al funcionario. Y así a los Foster les pasa más o menos de todo, y más o menos todo lo que usted ya vio en infinidad de comedias de este estilo, o algo parecido.

La película del director Shawn Levy se asemeja más a su Recién casados que a Una noche en el museo o Más barato por docena. Lo que tuvo en cuenta, y termina a su favor, fue la selección para cubrir papeles secundarios a unos cuantos famosos, que no vamos a revelar aquí, porque el espectador se perdería el efecto sorpresa.

Una noche fuera de serie pudo ser un nuevo vehículo para potenciar aún más a Carell y dar a conocer a Fey al gran público fuera de los Estados Unidos. Pero el resultado es tan poco afortunado que como consuelo queda verlos en la tele, donde sí exponen sus mejores recursos

Woody Allen vuelve a París, junto a Carla Bruni

2010-04-04T23:51:00.000-05:00

Como suele ocurrir con sus films, aún no hay un título, pero los rumores vuelan en Francia sobre el papel que tendrá la primera dama de ese país, Carla Bruni, en el nuevo largometraje de Woody Allen, que se rodará en París en los próximos meses. Se sabe que será una comedia romántica y que entre los protagonistas estarán Marion Cotillard, ganadora del Oscar por La vida en rosa, Owen Wilson y la ascendente Rachel McAdams, protagonista junto a Robert Downey Jr. de Sherlock Holmes (Wilson y McAdams ya habían trabajado juntos en Los rompebodas).

Según informó el periódico New York Daily News, la ex modelo y cantante espera "lo peor" de su esperado debut cinematográfico. Aparentemente, Bruni fue felicitada por los asistentes a una fiesta en Manhattan por decidirse finalmente a hacer una película. La primera dama los corrigió diciendo que, en realidad, era Woody Allen quien estaba haciendo una película. Y ella sólo participaría en ella, pero no como Bruni Sarkozy. "Es un personaje muy bueno, no sólo una aparición. Pero si actúo mal, seguramente me cortará de la película", dijo a las fuentes del periódico.

Allen aún tiene pendiente de estreno You Will Meet a Tall Dark Stranger, con Antonio Banderas, Josh Brolin, Anthony Hopkins y Naomi Watts, que podría verse por primera vez en el Festival de Cannes, el mes próximo. Este proyecto parisino había sido postergado por falta de financiamiento, pero incentivos fiscales en la capital francesa permitieron ponerlo en marcha nuevamente.

El cineasta volverá a ponerse al frente de una producción de capitales españoles, como fue el caso de Vicky Cristina Barcelona, que le ganó el Oscar a Penélope Cruz

"Recuérdame" : El galán de "Crepúsculo" se prueba en un rol dramático.

2010-04-03T19:57:00.000-05:00

A todo actor al que el éxito le llegó de la mano de una superproducción hiperpopular también le llega el momento de probarse a sí mismo y demostrar realmente qué es aquéllo para lo que es capaz. El londinense Robert Pattinson (23), que es conocido por Edward en la saga Crepúsculo, decidió seguir en la línea romántica, pero mucho más dramática. Y no sólo se atrevió a protagonizar al hermano de un joven suicida en Recuérdame, sino que también puso su nombre detrás de la producción.

Lo que se dice doblar la apuesta.

Pero Pattinson no es el único. La australiana Emilie de Ravin (Claire Littleton en Lost) también se la juega con un personaje sufriente: de niña, en un andén del subte, ve cómo asesinan a balazos a su mamá.

Pero Recuérdame es más que el encuentro de dos almas en continua pena que se conocen en un encuentro más o menos forzado. Es que si Tyler se lleva horrible con su padre divorciado (Pierce Brosnan) desde la muerte del hermano, Ally tiene una relación peor con su padre policía (Chris Cooper, más que habituado a papeles agrios desde Belleza americana).

En síntesis, Tyler y Ally pertenecen a familias destrozadas por la muerte trágica de alguno de sus miembros, que los marcará de por vida... hasta un final igualmente trágico.

Recuérdame es de las películas en las que las redenciones están a a la vuelta de cada esquina o página del guión. Con personajes que rondan los veinte años y aún tienen arranques de adolescentes -el público al que está destinada en primer término-, lo llamativo es que Pattinson optara por un drama romántico, con más drama que amor.

Allen Coulter, que hace su primera película tras un vasto background en la TV, supo orientar a Pattinson, quien esta vez no muestra su rostro atribulado con los ojitos entrecerrados. Con algunos papeles totalmente desdibujados -el de Lena Olin, como la madre de Tykler, y el de su nueva pareja son ceros a la izquierda, o el del compañero de departamento de Tyler, todo un clisé del gracioso-, salva lo suyo Ruby Jerins como la hermanita de Tyler, sufrida y maltratada por sus compañeritas de colegio.

Las fans de Pattinson, de parabienes, se encontrarán con un drama como Hollywood no suele atreverse a hacer

The Private Lives of Pippa Lee

2010-04-02T10:07:00.000-05:00

Rebecca Miller -hija del mítico Arthur Miller- ha construido una más que interesante carrera como escritora, actriz, guionista y realizadora. Tras dirigir Angela, Intimidades La balada de Jack y Rose , esta mujer de 47 años casada desde 1996 con y Daniel Day-Lewis filmó The Private Lives of Pippa Lee , película que tuvo su estreno mundial en la sección oficial del Festival de Berlín de 2009 .

Miller contó con un impresionante elenco (Robin Wright Penn, Keanu Reeves, Alan Arkin, Maria Bello, Winona Ryder, Julianne Moore, Mike Binder, Zoe Kazan y Monica Bellucci) para esta tragicomedia que describe con gran sensibilidad, humor y negrura las múltiples facetas de la dura vida de la Pippa Lee del título original (notable interpretación de Wright Penn), esposa de un exitoso editor literario mucho mayor que ella (Arkin), desde su juventud llena de excesos hasta su romance en la adultez con un hombre más joven (Reeves).

Basada en una novela escrita por la propia directora, Vidas privadas de gente famosa tuvo un amplio recorrido por el circuito de festivales y de salas de arte de todo el mundo. Ahora, es el turno de que los cinéfilos disfruten de las diversas facetas de una artista que desde hace ya bastante tiempo ha trascendido el estigma ser "la hija de" una figura de las dimensiones de Arthur Miller.

The Bounty Hunter: Otra historia de perros y gatos

2010-04-02T00:38:00.000-05:00

De parejas que se aman y se odian al mismo tiempo está colmada la historia de Hollywood. Desde clásicos como Ayuno de amor ( His Girl Friday ) hasta títulos más recientes como Dos pájaros a tiro, El amor cuesta caro o Sr. y Sra Smith , ha habido decenas de variaciones en el cine. El caza recompensas es una más, aunque tiene poco de variación (no es la primera vez que se intenta aderezarla con algo de intriga policial) y confía excesivamente (como ya sucedió en otros casos) en el atractivo de su pareja protagónica. Aquí la responsabilidad corre por cuenta de Jennifer Aniston y Gerard Butler, que ponen su oficio y su buena presencia pero raramente establecen entre ellos la química indispensable para que la receta funcione.

Porque aquí, a falta de inventiva, todo es receta. Aniston es Nicole, una periodista del Daily News especializada en investigaciones, trabajo que suele tomar tan a pecho que ha sido una de las causas de su fracasado matrimonio con Milo. Este (Gerald Butler, claro), ha perdido su lugar en la policía de Nueva York y ahora emplea sus malgastadas dotes de detective en pescar fugitivos y cobrar recompensas. Cualquiera puede sospechar que, para que haya encuentro entre los dos y muchos rounds más de la vieja pelea que parecía terminada, es necesario que ella sea buscada por la Justicia (la causa es poco más que una infracción de tránsito) y que por ese motivo se convierta para él en una presa que le rendirá dólares. Se viene, claro, una persecución. La primera; habrá muchas otras, implacables, derivadas de la pasión periodística de la chica: en lugar de presentarse ante la Corte el día en que había sido citada, se entusiasma con un caso de suicidio que le huele mal y sólo consigue echarse encima a una banda de narcotraficantes que quizá tiene conexión con policías corruptos.

A falta de ingenio (apenas hay esporádicos momentos humorísticos), el director Andy Tennant aplica el recurso del vértigo, si bien -ya se sabe- el ritmo no tiene nada que ver con la velocidad. Y entre tanta corrida, desatiende el núcleo romántico de la historia y desaprovecha la gracia de algún personaje secundario como la madre que encarna Christine Baranski. En cambio no se olvida de mostrar lo bien que se la ve desde atrás a Aniston cuando camina con faldas ajustadas y tacos altos. Total: un entretenimiento muy menor.

El proyecto que une a Madonna y Wallis Simpson toma forma

2010-04-01T11:29:00.000-05:00

Desde que se separó del director británico Guy Ritchie, en octubre de 2008, Madonna dejó su casa en Londres para reubicarse en Nueva York, pero al parecer la reina del pop está lista para volver a pasar una temporada en Gran Bretaña. No será para reunirse con su ex, sino que para realizar su próximo proyecto: la película "W.E.", que revive la polémica historia del rey Eduardo VIII, que en 1936 renunció al trono de Gran Bretaña para poder casarse con la socialité estadounidense Wallis Simpson.

El próximo mes empezaría en la capital inglesa el rodaje de la cinta de la que ya se saben algunos detalles: la reina del pop no sólo estará a cargo de la dirección, sino que también es la coautora del guión, junto a Alek Keshishian, director del documental "Madonna: truth or dare", que siguió la gira "Blond ambition" de la cantante.

Tres de los roles principales también están definidos: la revista Variety anunció en febrero que interpretando a Simpson estará Vera Farmiga, nominada al Oscar por su actuación en "Amor sin escalas", y la semana pasada se reveló que en el rol de Eduardo VIII estaría Ewan McGregor. La australiana Abbie Cornish interpretará a una chica que en estos días se obsesiona con la historia de la pareja. "(Madonna) Ha estudiado cada uno de los aspectos de lo que sucedió con Wallis Simpson y Eduardo VIII. Es una mirada fascinante del romance", comentó Cornish en una entrevista.

Este es el segundo proyecto de la "Chica material" en la dirección: en el Festival de Berlín de 2008 estrenó "Filth and wisdom", una comedia que no logró mayor resonancia. Esa cinta también había sido filmada en Londres.

La abdicación de Eduardo VIII en 1936 -el único rey inglés en ejercicio que ha renunciado a su cargo- se convirtió en uno de los grandes escándalos de la corona británica. "He tomado esta decisión, la más seria de mi vida, sólo con el pensamiento de que, al final, va a ser lo mejor para todos", dijo Eduardo en la declaración pública en que confirmaba su salida del trono, dejando a su hermano menor en el cargo.

El rey y Simpson -que era dos veces divorciada- se conocieron en 1931, y cuando comunicó a sus cercanos su intención de casarse con ella, se generó una grave crisis. Incluso se le dijo que de seguir con el plan el Primer Ministro renunciaría. Por eso él optó por la abdicación.

La pareja se casó el 3 de junio de 1937 y ese mismo año visitaron Alemania por una invitación de Adolf Hitler. Eduardo VIII falleció en 1972 y ella en 1986.

Su ópera prima

Protagonizada por el vocalista de la banda de punk Gogol Bordello, "Filth and wisdom", narraba las vivencias de un inmigrante ucraniano en Londres con sueños de convertirse en una estrella de rock.

Fama : Un mediocre remake de un famoso musical

2010-04-01T09:16:00.000-05:00

Casi tres décadas después de la versión original dirigida por Alan Parker (y que luego derivó en una también popular serie de televisión), llega esta mediocre remake, que no alcanza jamás la intensidad de aquella primera entrega ni tampoco sintoniza con la sensibilidad de la generación High School Musical . No funciona, por lo tanto, ni como experiencia nostálgica para los adultos ni como espejo o forma de identificación para los adolescentes. El joven coreógrafo y director de videoclips Kevin Tancharoen debuta en el largometraje con este producto que reitera a grandes rasgos la estructura (dividida en los cuatro años de formación en la High School of Performing Arts de Nueva York) y hasta algunos pasajes centrales del film de 1980.

Si bien hay un cuidado tan propio de la corrección política (y también del marketing) a la hora de repartir los personajes entre exponentes de diversas clases sociales y orígenes, esta Fama versión 2009 -más allá de retratar las inseguridades de todo aspirante a artista o de describir a grandes rasgos algunos choques de los muchachos con padres que no los comprenden- no aborda ninguno de los problemas reales que hoy afectan a la escuela secundaria en todas partes del mundo: problemas de aprendizaje, falta de oportunidades, explosiones de violencia, rivalidades, consumo de drogas y un largo etcétera.

Como en la original, hay un intento de suicidio, algún enfrentamiento de clase (una rubia de clase alta que abandona a su novio latino cuando consigue un contrato para una compañía de danza profesional), cierta historia con elementos sórdidos que tiene como protagonista a un agobiado rapero afroamericano de vida traumática, pero queda muy claro que esta nueva Fama es algo así como una versión "pasteurizada", desprovista de todo conflicto más o menos inquietante, cuya prioridad pasa por mostrar el talento para la música, el baile, la actuación y el cine de los jóvenes artistas.

Y aquí tampoco la cosa funciona del todo bien: más allá de la energía desbordante, del colorido y del vértigo de los números musicales, el resultado es demasiado grandilocuente y artificial, con un montaje taquicárdico propio del (viejo) videoclip que no ayuda al disfrute en toda su dimensión.

La edición final deja la sensación de que hubo muchas escenas filmadas y que luego fueron cortadas, ya que por momentos la narración no fluye y varias subtramas quedan desdibujadas o se resuelven de manera apurada o parcial.

Anuncio en el final de Lost bordea el millón de dólares

2010-03-31T09:39:00.001-05:00

La expectación creada ante el adiós de la popular serie de televisión Lost, fijado para el 23 de mayo en EEUU y que en en Perú emite el canal de cable AXN, disparó el valor de los anuncios publicitarios asociados a su emisión hasta casi 1 millón de dólares por cada 30 segundos, informó ayer la prensa local.

Tras seis temporadas en antena, el programa de ciencia ficción sobre los pasajeros del vuelo Oceanic 815, cuyo avión se estrelló en una misteriosa isla en el Pacífico, entró en su recta final rodeado de un gran interés por parte de la audiencia, que la cadena ABC quiere rentabilizar al máximo.

Según datos ofrecidos por la revista Advertising Age, el canal estadounidense fijó entre 850.000 y 950.000 dólares cada 30 segundos de anuncio en los cortes publicitarios previstos para el último capítulo del ciclo, 4 veces más que lo solicitado para el episodio final de la quinta temporada del programa.

La cantidad es inferior en alrededor de 400 mil dólares a la que se pide cada año en EEUU a los anunciantes que quieren ver su producto en las pausas comerciales de la ceremonia de los Oscar.

Julia Roberts vuelve al cine como una mujer que busca el amor

2010-03-30T12:08:00.002-05:00

Julia Roberts partió el año con un gran éxito de taquilla. US$ 210, 8 millones recaudados en todo el mundo por la comedia romántica "Día de los enamorados". Pero en aquella cinta -que la reencontraba con el director de "Mujer bonita", Garry Marshall-, la actriz era sólo un miembro más de un abultado filme coral. El próximo 14 de octubre, Roberts volverá a las salas locales como reina absoluta en el drama "Comer, rezar, amar", dirigido por Ryan Murphy, más conocido como creador de series de TV como "Nip/Tuck" y "Glee".

Basada en las exitosas memorias de Elizabeth Gilbert, la cinta narra el viaje que esta mujer realiza por todo el mundo en busca de dar sentido a su vida luego de que fracasan sus intentos por quedar embarazada. En la travesía, Elizabeth se encontrará con un hombre que la hará replantear sus prioridades y, también, redescubrir el amor.

Roberts encabeza un elenco que incluye al español Javier Bardem, James Franco, Billy Crudup, Richard Jenkins y Viola Davis. La cinta se filmó el segundo semestre de 2009 en ciudades como Nueva York, Nápoles (Italia), Pataudi (India) y Bali (Indonesia).

La película ya ha comenzado a generar rumores de una posible nueva nominación al Oscar para Roberts. Ella ha sido nominada tres veces y lo ganó en 2001 por "Erin Brokovich".

Por estos días, la actriz comenzará a trabajar en su nuevo filme. Se trata de "Larry Crowne", donde será dirigida por Tom Hanks, quien además integra el elenco.

Ryan Murphy, que debutó en cine con el drama "Recortes de mi vida", pretende seguir aprovechando su nueva sociedad con Roberts. El nombre de la actriz suena como posible invitada para actuar en un próximo episodio de "Glee".

Woody Allen ya tiene elenco

2010-03-30T09:53:00.000-05:00

Marion Cotillard (ganadora del Oscar por La vie en rose) y Rachel McAdams (Sherlock Holmes) están en las negociaciones finales para ser las protagonistas del filme que Woody Allen comenzará a rodar en París este verano boreal, según informó la revista Variety.

El filme -que será el primero que el director de Manhattan filmará en la capital francesa- ya tiene asegurada la participación protagónica de Owen Wilson (Starsky & Hutch) y se viene hablando hace meses de una participación especial de Carla Bruni, la modelo, actriz, cantante y esposa del presidente francés Nicolas Sarkozy, pero sigue sin confirmarse.

Como siempre sucede en los filmes de Allen, poco se sabe de su trama de antemano. Lo único que se anunció es que parte de la película transcurrirá en la actualidad y que otra parte será "de época".

Allen estuvo a punto de filmar en París en 2006, pero el proyecto se cayó por falta de presupuesto. Pero tras el gran éxito que fue en Francia Vicky Cristina Barcelona (15 millones de dólares), los productores españoles (que tienen un acuerdo con Woody para tres películas) se decidieron a gastar extra para filmar en Francia, aprovechando una nueva ley que reduce 20% los gastos de los rodajes allí por devolución de impuestos.

Allen ya tiene lista una película que, se rumorea, podría presentar en mayo, en el Festival de Cannes. Se titula You Will Meet a Tall Dark Stranger (Conocerás a un extraño alto y oscuro) y tiene como protagonistas a Anthony Hopkins, Naomi Watts, Antonio Banderas, Freida Pinto y Josh Brolin

Juliette Binoche será el rostro oficial de Cannes 2010

2010-03-29T10:11:00.000-05:00

Hace dos años atrás los organizadores del Festival de Cannes decidieron escoger la imagen de una musa para promover el prestigioso certamen. Este año la elegida es la actriz francesa Juliette Binoche.

La fotografía fue tomada por la retratista Brigitte Lacombe y muestra a Binoche descalza, con camisa y pantalón negro escribiendo con unas brochas y mediante un amplio gesto la palabra "Cannes", con unas letras luminosas, bajo un fondo azul.

En un comunicado de prensa, los organizadores dicen que "la gracia de su gesto es una invitación a seguirla", y agrega que los organizadores quedaron "seducidos" por "la figura alegórica" que representa Binoche, ganadora de un Óscar por su papel en "El paciente inglés".

Asimismo, destacaron la silueta de la actriz, que "ilumina la escena con su presencia", y la "simplicidad" de la imagen, que desprende "magia" por la "mirada enigmática" de Binoche.

El cartel de este año prosigue con la serie de heroínas que inició el festival hace dos años "como representación del misterio de la pantalla".

En la pasada edición el cartel fue un fotograma de "L'Aventura", película rodada en 1960 por Michelangelo Antonioni, en el que una misteriosa silueta femenina se asoma a un balcón.

En 2008 fue Pierre Collier, artista de carteles cinematográficos, quien preparó una imagen inspirada en una fotografía del cineasta David Lynch, en la que se mostraba a una mujer rubia con los ojos tapados para guardar su anonimato

"Robin Hood" se encargará de inaugurar el Festival de Cannes

2010-03-26T11:45:00.002-05:00

El nuevo trabajo del cineasta británico Ridley Scott, "Robin Hood", será la cinta encargada de inaugurar el 12 de mayo el Festival Internacional de Cine de Cannes, según anunciaron hoy sus organizadores.

Protagonizada por Russell Crowe y Cate Blanchett, el film ahonda en el mito del hombre que luchó por los pobres y la justicia. Completan el reparto de esta producción Max von Sydow, Lea Seydoux y William Hurt.

El guión de "Robin Hood" lo firma Brian Helgeland, quien se ha labrado un nombre en Hollywood con cintas como "Los Angeles al desnudo" ("L.A. Confidential") y "Río místico" ("Mystic River").

Scott, de 72 años, ya pasó por Cannes en 1977 con "The Duellists", que fue premiada como mejor ópera prima, y la road-movie "Thelma y Louise", presentada fuera de concurso en 1991. Aquella cinta supuso también su primera nominación al Oscar como mejor director, seguida de "Gladiador" (2000) y "La caída del halcón negro" ("Black Hawk Down", 2001). Sus filmes de ciencia-ficción "Alien" (1979) y "Blade Runner" (1982) se consideran clásicos del género.

La edición 63 del Festival de Cannes se celebrará del 12 al 23 de mayo. El presidente del jurado es el cineasta Tim Burton.

El destino según una serie

2010-03-21T09:51:00.003-05:00

FlashForward , la serie de AXN que medita acerca de la naturaleza del destino, espera que el propio le sonría con el correr del tiempo.

En esta ambiciosa ficción -que hoy emitirá sus cuatro primeros capítulos, por AXN, en continuado, a partir de las 15- miles de millones de personas en el planeta se desmayan al mismo tiempo, durante dos minutos y 17 segundos, y tienen una visión de sí mismos el 29 de abril de 2010, seis meses en el futuro. Las repetidas referencias a esa fecha específica -un jueves, el día que se emite la serie en su país- son un compromiso con sus espectadores de que el enigma a resolver tendrá una solución clara, de que no lo están inventando a medida de que avanzan sus capítulos.

"Es un pacto que tenemos con la audiencia: los vamos a tratar con respeto. Si se compenetran con la suerte de los personajes, verán que sus historias tendrán una recompensa", dice David S. Goyer, uno de los creadores del ciclo, basado en la novela homónima de Robert J. Sawyer, bautizado desde sus inicios como "La sucesora de Lost ".

En su oficina de Burbank, California, el productor afirma que Lost demostró que el público televisivo está dispuesto a seguir historias épicas, casi cinematográficas. Y FlashForward es épica. En el piloto, un alcohólico recuperado se ve bebiendo; una mujer soltera se vislumbra en un control prenatal y un tercer personaje, a punto de suicidarse, se ve vivo dentro de seis meses, lo que lo impulsa a dejar de lado su revólver. Pero algunas personas no ven nada en el "apagón", como lo llaman en el ciclo. ¿Es porque no estarán vivos?

En una paradoja digna de la propuesta, el protagonista, un detective del FBI interpretado por Joseph Fiennes, es puesto a cargo de la investigación del fenómeno porque en su visión se veía investigando los desmayos. El programa se pregunta: "¿Nuestros caminos están escritos desde nuestro nacimiento, o tenemos libertad de elegir?", explica Goyer.

Las similitudes entre Lost y FlashForward (que se emiten los martes, por AXN, una detrás de la otra en nuestro país) son muchas. Dos integrantes del elenco de Lost , Dominic Monaghan y Sonya Walger , aparecen en FlashForward . Pero sus responsables hacen un importante distingo. Así como Lost es famosa por no revelar la explicación de buena parte de sus enigmas, FlashForward promete responder "virtualmente todas" las preguntas.

Para el final de esta temporada, sus seguidores descubrirán si la gente que no tuvo visiones morirá o vivirá, quién es el sospechoso cero (la única persona que, hasta el momento, se ha comprobado que estaba despierto en el momento de los desmayos), pero seguramente no sabrán la razón del "apagón" global. "Ese es el misterio que reservamos para el final de la historia", confesó Goyer.

Como Lost , la serie esconde en sus escenas incontables "huevos de Pascua" o pequeñas revelaciones, para que los espectadores los descubran. Por ejemplo, la secuencia de títulos de cada episodio incluye una imagen que sólo se ve durante un segundo, que es en sí misma un flashforward a algo que se verá en esa entrega o en alguna posterior. "Nunca se nos van a acabar las historias", confía Goyer.

Futuro turbulento

Los 12 millones de espectadores que sintonizaron el debut del programa en los Estados Unidos parecían confirmar que ABC había encontrado al sucesor de Lost . Pero con el correr de los capítulos, su audiencia se estabilizó en niveles sólo respetables. Por estos días, se verán en EEUU los últimos capítulos de su temporada mientras se espera su renovación por un año más con un estado de ánimo similar al de sus personajes, que el futuro les sonría a pesar de las turbulencias

Una isla donde nada es lo que parece

2010-03-14T15:47:00.004-05:00

La isla siniestra no plantea, como tantos thrillers , un rompecabezas de esos que invitan al espectador a poner en juego sus habilidades de detective y tratar de descubrir por vía racional, mientras la acción transcurre, el enigma que sólo se descifrará al final. Se trata más bien de otro tipo de trama intrigante: aquella que zigzaguea constantemente, aconseja no confiar demasiado en nada de lo que se ve y pide paciencia para aguardar el sorpresivo giro que traerá el desenlace revelador. El problema, en estos casos, está en determinar si el impacto de la sorpresa justifica o no tanta espera. Habrá opiniones divergentes. Entre la aventura actual que vive el protagonista -un alguacil que ha sido enviado en misión oficial para investigar la desaparición de una paciente en una isla-colonia psiquiátrica de Nueva Inglaterra- y las afiebradas alucinaciones que lo aquejan y que tienen que ver con trágicos acontecimientos de su pasado, es difícil establecer dónde empieza lo real y dónde el delirio. Tal ambigüedad, que -puede sospecharse- Scorsese habrá querido utilizar también para interrogarse sobre las borrosas fronteras de la realidad, es la que alimenta el suspenso de su film, concebido como homenaje al cine negro de los cincuenta (la historia transcurre en esos años), pero también al viejo terror de clase B con sus personajes tenebrosos, su horror psicológico y sus fundamentos vagamente psicoanalíticos.

La novela de Dennis Lehane le proporcionaba todos los elementos necesarios: una isla escarpada, muy poco accesible y azotada por todos los vientos; en ella, un viejo fuerte de la Guerra Civil reciclado como hospital para enfermos mentales con antecedentes criminales; un misterioso faro; pacientes que vagan por parques y corredores como zombies rigurosamente custodiados por una multitud de enfermeros; científicos que ensayan nuevas terapias, y por todas partes la memoria fresca del horror nazi y sus experimentos médicos y la paranoia creciente de los años de la Guerra Fría. De la historia que se desarrolla a partir de la llegada del alguacil (DiCaprio) y su colega (Mark Ruffalo) poco puede decirse sin correr el riesgo de revelar lo que debe ignorarse.

Scorsese saca buen partido del material, pone al servicio de la historia su talento para traducir en imágenes y sonidos el clima de perturbadora incerteza que la gobierna y vigila la solidez de la construcción, que admite unos cuantos flashbacks -quizá demasiados- en los que cabe algún toque surrealista. Por cierto, hay más grandilocuencia que sutileza: no podría esperársela teniendo en cuenta el cine que toma como referencia, pero el relato, aun con su frialdad, se sigue con interés, al menos hasta el desenlace. El énfasis en la banda sonora y la intensidad que se busca en la interpretación resultan más de una vez excesivos. En cambio, son admirables los aportes de Dante Ferretti en el diseño de producción y de Robert Richardson en la fotografía.

¿...Y dónde están los Morgan?

2010-03-13T16:05:00.000-05:00

Es prácticamente una regla de género para la comedia romántica que la historia se termine cuando la pareja protagónica se junte. Usualmente, luego del "fueron felices y comieron perdices", los títulos empiezan a pasar por la pantalla. ¿...Y dónde están los Morgan? es una excepción. Porque el relato escrito y dirigido por Marc Lawrence ( Letra y música ) comienza más o menos por la mitad del matrimonio de Meryl y Paul Morgan, interpretados por Sarah Jessica Parker y Hugh Grant. Lamentablemente, hasta allí llega su intento de originalidad. Casi desde los primeros minutos del cuento, situado entre las calles de Nueva York y las praderas de Wyoming, es posible ver cómo se desarrollará la película casi escena por escena. Claro que, a diferencia de otras películas de su tipo, en este caso la previsibilidad no empaña lo entretenido de los diálogos. Bien escritos y bien actuados, especialmente por Grant, que hace años -desde El diario de Bridget Jones- que está perfeccionando diferentes versiones de este mismo personaje. Un hombre sofisticado, gracioso e irónico que esconde una gran vulnerabilidad. Por el lado de Parker, a la que le toca interpretar a Meryl, una mujer fuerte pero herida por la infidelidad de su marido, el síndrome Sex and The City hace las cosas un poco más complicadas de creer. Su personaje aquí es una versión desglamourizada de Carrie Bradshaw, y sin embargo está lo suficientemente cerca de ella para que el espectador no pueda distinguirlas demasiado. Es cierto que, lejos del desenfado de la serie televisiva y luego la película, la esposa engañada de ¿...Y dónde están los Morgan? tiene más nervios que zapatos, pero ese detalle no la hace más querible

Del amor al crimen

Cuando la pareja sea testigo de un asesinato y deba refugiarse con nuevas identidades en un pueblito de Wyoming, la cercanía y el aislamiento ayudarán al romance, y el absurdo de poner a dos bichos de ciudad en el campo aportará algunas risas, más a expensas de ellos que de los pintorescos lugareños. Sin caer en ridículos, pero utilizando estereotipos bastante marcados, la película podría haber derrapado si no fuera por Sam Elliott y Mary Steenburgen, la pareja de alguaciles que refugiará a los Morgan y de paso funcionarán como improvisados consejeros matrimoniales. El interpreta, como ya lo hizo antes, al cowboy americano por excelencia, estoico y tan imponente como las armas que maneja el personaje de Steenburgen, una actriz versátil y bellísima en su madurez. Con un desenlace más de fórmula que atrapante, ¿...Y dónde están los Morgan? consigue sin embargo entretener contando una historia del amor después del amor.

Estrella de Felicity protagonizaría nueva serie de Fox

2010-03-13T09:21:00.002-05:00

A ocho años del final de la serie Felicity, la actriz Keri Russell podría regresar a la televisión si acepta finalmente la oferta de Fox para unirse al elenco de su comedia Wilde Kingdom.

La cadena estaría en negociaciones con Russell para que ésta sea la protagonista de la próxima apuesta de la televisora.

Producida por Lionsgate y Tantamount, el programa presenta a Will Arnett como un millonario de Beverly Hills egocéntrico que se enamora de una mujer totalmente opuesta (Russell) que no soporta su estilo de vida y sus valores.

Mitch Hurwitz, el mismo tras Arrested Development, es el encargado de dirigir el piloto, que escribió junto a sus compañeros de AD Arnett y Jim Vallely.

Después de disfrutar el exito de las cuatro temporadas de Felicity, Russell decidió enfocarse en el mundo del cine. Durante 2007, en tanto, la actriz apareció en dos episodios de Scrubs

Lost: Michelle Rodríguez reaparecerá en la última temporada

2010-03-11T10:26:00.000-05:00

Cuando el fin de Lost está cada día más cerca, se anunció que la actriz Michelle Rodríguez reaparecerá en uno de los capítulos de la sexta temporada y final de la serie que en Perú emite el canal por cable AXN.

Rodríguez interpretó en el programa a una oficial de policía latina llamada Ana Lucía, pero su personaje murió al final del segundo ciclo, tras algunos problemas con la justicia de Hawai que la obligaron a desaparecer del guión.

Desde entonces, sólo ha tenido una intervención en la trama, en la quinta temporada cuando apareció en una de las visiones de Hurley.

El regreso de la actriz a la historia de los sobrevivientes a un accidente aéreo en una isla del Pacífico fue confirmado por los propios productores de la serie, quienes no dieron más detalles del rol de la estrella de Avatar.

La reincorporación de la actriz se une a otros actores que regresan a Lost, entre los cuales se encuentran Dominic Monahan, Maggie Grace, Harold Perrineau y Cynthia Watros

Muere Corey Haim, ícono de las películas juveniles de los '80

2010-03-10T17:36:00.003-05:00

Esta mañana la policía de Los Angeles confirmó la muerte del popular actor "ochentero" Corey Haim, recordado por sus papeles en las películas "Sin licencia para conducir" y "La generación perdida", según informa el sitio TMZ.com

El actor habría fallecido por una sobredosis accidental de drogas, a los 38 años. La policía recibió un llamado esta madrugada desde el hospital Saint Joseph, ubicado en California, para iniciar la investigación del deceso.

Haim estuvo involucrado con las drogas durante su juventud, e incluso llegó a internarse catorce veces en centros de rehabilitación. Recién en el 2004 logró desligarse totalmente del consumo de ellas.

El actor canadiense comenzó su carrera en 1984 con la exitosa cinta "Firstborn", en la que interpretaba a un joven en medio de una guerra familiar. Al año siguiente apareció en la cinta para la televisión "A Time to Live".

Haim saltó a la fama con la película "Lucas", en la que interpretaba a un tímido estudiante secundario. Posteriormente grabó "Generación perdida", cinta que lo consolidó como uno de los actores jóvenes más populares de la década, junto a otra estrella que cayó en el consumo de drogas, Corey Feldman.

Su éxito se incrementó aún más en 1988, cuando se estrenó la comedia "Sin licencia para conducir", película que con los años llegó a ser considerada un clásico adolescente de aquella década. Otro de sus éxitos en aquel decenio fue "Sueña un pequeño sueño", en la que en 1989 volvió a compartir pantalla con Feldman.

El 2007, produjo y estelarizó un reality show precisamente con Feldman, titulado "The Two Coreys", que alcanzó a durar 19 episodios.

Durante los últimos años, Haim participó en proyectos televisivos y cintas de bajo presupuesto, pero también se desempeñó como productor. Este 2010 pretendía expandir su carrera convirtiéndose en director de dos películas, "The Throwaways" y "A Detour in Life".

Haim intentó revivir su éxito de los ochenta con sendas secuelas de "Sueña un pequeño sueño 2" (1995) y "Generación perdida: La tribu" (2008), pero ambas fueron lanzadas directamente en video. El último proyecto estrenado en el que participó fue "Shark City", una comedia que pasó sin pena ni gloria por la cartelera norteamericana

Una ceremonia sin brillos y sin sorpresas

2010-03-08T16:12:00.000-05:00

"Este show es tan largo que ahora Avatar sucede en el pasado", bromeó Steve Martin en el final de la 82a. ceremonia de entrega de los premios Oscar. Tres horas y media se tomó la Academia de Artes y Ciencias de Hollywood para reconocer lo mejor de la producción cinematográfica de 2009. Tres horas y media que parecieron más. Tal vez por la ansiedad local por la categoría de mejor película extranjera, tal vez porque el intento de los productores Bill Mechanic y Adam Shankman de revitalizar la transmisión no resultó del todo exitoso. Después de una temporada de premios que comenzó en enero, la noche más glamorosa de Hollywood careció del brillo y el interés de otros años. Salvo para los aperuanos y argentinos, claro.

Los galardones actorales estaban casi cantados, y aunque diez films compitieron por el premio de mejor película, lo cierto es que la pelea se resumía en Vivir al límite (el film que casi no consigue salas para ser estrenado) versus Avatar, la película más taquillera de la historia del cine. Con nueve nominaciones cada uno, Kathryn Bigelow y James Cameron fueron representados como dos maneras diferentes de hacer cine. Los casi seis mil votantes del Oscar eligieron esta vez la independencia por sobre el sistema de los estudios que reinan en Hollywood, otorgándole seis premios a Vivir al límite contra los tres de Avatar.

Pero lejos de moldear su noche según el modelo de austeridad de Bigelow, los Oscar parecieron tomar nota de las extravagancias del estilo Cameron. Así, en lugar de un conductor tuvieron dos, Martin y Alec Baldwin, ambos apenas graciosos. En vez de un comienzo tuvieron dos, primero con los nominados a mejor actor y actriz parados sobre el escenario y luego con un número musical protagonizado por Neil Patrick Harris, un popular intérprete televisivo cuyo talento no logró superar lo añejo de la propuesta. Y, en lugar de un homenaje a los fallecidos en el año que pasó, los organizadores decidieron incluir dos. El primero recordó al guionista y director John Hughes y el segundo, musicalizado por James Taylor (interpretando el tema "In My Life" de The Beatles), fue un montaje general, que no incluyó a Farrah Fawcett. Un error que en una producción del nivel de los Oscar no debería ocurrir.

Sandra, la mejor y la peor -

Está claro que Hollywood no quiere que Sandra Bullock haga comedias. ¿Cómo se explica si no que por su papel en la fallida All About Steve la actriz haya recibido y aceptado el sábado el premio Razzie a la peor actriz del año y que veinticuatro horas después por su papel en el drama Un sueño posible se haya ganado el Oscar a la mejor actriz? Según ella, se quedó con la estatuilla por cansancio de la Academia.

En uno de los mejores discursos de la noche, Bullock saludó a sus compañeras de rubro Gabourey Sidibe ( Preciosa ), Carey Mulligan ( Enseñanza de vida ), Helen Mirren ( The Last Station ) y Meryl Streep ( Julie & Julia ), con la que compartió un beso en los premios del público norteamericano hace unos meses y a la que mencionó al final de sus agradecimientos -emocionantes pero sin los molestos desbordes de otros años- como "mi amante, Meryl Streep". Igual de efectivo aunque extremadamente frío y ensayado fue el discurso del mejor actor de reparto, Christoph Waltz. El intérprete austríaco, que se lució en Bastardos sin gloria, le otorgó el único triunfo de la ceremonia al film de Quentin Tarantino, que competía por ocho premios. Para sorpresa de nadie, la comediante Mo´Nique se quedó con la categoría de actriz de reparto por su interpretación en Preciosa.

La primera nominación de Jeff Bridges fue en 1972, por su papel secundario en La última película, de Peter Bogdanovich, ambientada en un pueblo de Texas. Treinta y ocho años y muchísimos films después, otro personaje texano hasta la médula le consiguió su primer Oscar. Gracias a su desgarradora, inteligente y divertida interpretación del cantante de música country Bad Blake en Loco corazón ,Bridges se subió al escenario mientras la platea lo aplaudía de pie. Con la cadencia y los modismos de Dude Lebowski -el personaje de culto que interpretó en El gran Lebowski de los hermanos Coen-, Bridges agradeció y agradeció, superando bastante los 45 segundos reglamentarios. Una de las nuevas disposiciones de los productores que buscaron ganar tiempo para poder organizar un absurdo número de baile que representó a las cinco nominadas en la categoría de musica original. La mezcla de danza moderna y hip hop buscó atraer el público joven, lo mismo que la presencia de los protagonistas de Crepúsculo , Kirsten Stewart y Taylor Lautner, para presentar un innecesario montaje dedicado al cine de terror.

"La mejor película es Vivir al límite", anunció Tom Hanks, al que sólo le faltó salir corriendo del escenario para demostrar que la aburrida, larga y desilusionante 82a. entrega de los Oscar había terminado.

Un prophete gana los principales premios César del cine francés

2010-02-28T17:51:00.000-05:00

El poderoso drama sobre la prisión de Jacques Audiard Un Prophete arrasó anoche en los premios Cesar, llevándose los galardones a mejor película, mejor actor y mejor director en la que es llamada la versión francesa del Oscar.

Un Prophete, uno de los filmes destacados del festival de cine de Cannes del año pasado, fue elegida mejor película extranjera en los premios BAFTA la semana pasada y compite en la misma categoría en los Premios Oscar del 7 de marzo.

Una oscura historia de un joven delincuente analfabeto de poca monta que gradualmente asciende en la brutal jerarquía de la prisión, Un Prophete recibió un total de nueve premios en la noche, dejando poco para los demás competidores.

Audiard, cuyas películas anteriores incluyen De battre mon coeur s'est arrete (El latido que mi corazón se saltó), se llevó el galardón al mejor director, mientras que el protagonista del filme, Tahar Rahim, ganó los premios a mejor actor y mejor debutante.

Niels Arestrup ganó el premio a mejor actor de reparto por su retrato de un clásico jefe de la mafia de Córcega quien ofrece protección al humilde y sumiso joven aprendiz que termina volviéndose en su contra.

Audiard rindió tributo a varios ex prisioneros que figuraron como extras en la película y ayudaron a crear su oscura atmósfera realista.

"Tuvimos un elenco de extras realmente excepcional. Ellos nos obligaron a hacer algo excepcional", afirmó.

El premio a mejor actriz recayó en Isabelle Adjani, una de las mayores estrellas de Francia, quien recibió su quinto Cesar al ir contra su glamorosa imagen para interpretar a una desaliñada profesora que enfrenta un colapso en La journee de la jupe (El día de la falda).

Los premios Cesar dan al cine francés una de sus más importantes noches, llenas de estrellas y efusivos tributos, pero de los que frecuentemente se burlan como el amor de una industria local por filmes artísticos que nadie ve.

Un Prophete, un gran éxito de taquilla en Francia, es una excepción a la norma y el filme también ha logrado triunfar entre la crítica de su país y del exterior.

Con más de 200 millones de boletos, la taquilla del cine en Francia el año pasado alcanzó su mayor nivel desde 1982 y las producciones locales correspondieron al 37 por ciento de total de las películas exhibidas.

Sigourney Weaver y Harrison Ford, quien recibió un premio a logros de una vida, agregaron un toque internacional al evento

Los Coen, maestros de la irreverencia

2010-02-23T10:12:00.006-05:00

Durante la ceremonia del sabbath, un rabino, en un súbito ataque de culpa, se arrodilla gritando: "¡Dios, ante ti no soy nada!". El cantor, conmovido por tal demostración de fe, también se tira al piso al lado del rabí exclamando: "¡Dios, ante tií no soy nada!". Viendo esta escena desde su asiento en primera fila, el administrador de la sinagoga también se arroja al pasillo gritando: "¡Dios, ante tí no soy nada!". El rabino, codeéandolo al cantor, susurra: "Mira quién piensa que no es nada".

Esta vieja historia -conocida por los estudiosos del Talmud como Chiste Judío N° 73- resume, de alguna manera, Un hombre serio , la nueva película de Joel y Ethan Coen. "El chiste juega con lo terrenal de la humildad -dijo Dan Sklar, el rabino consultado para el film-, la vanidad de Un hombre serio, y lo digo en el sentido más literal, es que Dios no tiene nada que ver con el sinsentido de la existencia humana", concluye.

El film, que no cuenta con actores conocidos, podría leerse como una parábola de la angustia judía, en un suburbio del Medio Oeste norteamericano, en los años 60; pero también es una sombría meditación sobre el propósito divino, la certeza de la incertidumbre y los misterios de las letras del grupo Jefferson Airplane (cuyo tema "Somebody to Love" suena insistentemente) . El film comienza con la cita "Acepta con sencillez todo lo que te suceda" y termina con "Ningún judío fue lastimado durante la realización de esta película".

Esta es la película número catorce de los hermanos Coen, ganadores de varios Oscar - dos por Fargo, en 1997, y cuatro por Sin lugar para los débiles , en 2008-, y su trabajo más personal. La película comienza con un prólogo. En un poblado polaco, en el siglo XIX, se escucha un cuento en idish. El cuento no parece tener mucho que ver con lo que sigue a continuación.

"Pensamos que un cuento de fantasmas en idish podía ser un buen presentador de lo que venía", dice Joel. Y Ethan agrega: "Sí, pensamos que quedaba bien".

Un hombre serio trata de las tribulaciones personales y profesionales de Larry Gopnik (interpretado por Michael Stuhlbarg), un profesor de física que necesita desesperadamente algo de metafísica. Su hermano es un vago que lo vive, su hijo fuma marihuana, su hija se pasa el día mirándose al espejo, su esposa está a punto de abandonarlo, un alumno lo trata de sobornar y alguien le envía cartas amenazantes que ponen en peligro su futuro profesional. En medio de ese caos, Gopnik decide buscar guía espiritual en tres rabinos que, piensa, lo convertirán en un hombre serio.

"Larry cree que es una buena persona pero que de una u otra manera siempre lo persigue la mala suerte", dice Fred Melamed, el actor que interpreta a Sy Ableman, el conocido de la familia que le "roba" a su esposa. "No es un bebedor, no es infiel, no saca a su hijo de la escuela para irse a cazar, como su vecino goy (gentil)"

Claro que las verdaderas deidades de Un hombres serio son los Coen, y ya han dado muestras de ser dioses crueles. "Para nosotros -dice Ethan- la diversión pasaba por encontrar nuevas formas de atormentar a Larry."

Ethan, de 52 años, y Joel, de 54, se han metido con temas judíos desde su tercer trabajo, De paseo a la muerte (1990), en el que aparecía John Turturro como Bernie the Shmatte. En Barton Fink (1991) y El gran Lebowski (1998) crearon suficientes personajes judíos como para formar un minyan (término que designa para la fe judía la cantidad mínima de fieles necesarios para poder realizar las oraciones rituales conjuntas).

En la introducción al guión de El gran Lebowski You With the Schnozz . dice que éste ganó en 1998 el premio Bar Kochba Award, "que reconoce los logros en el campo de las artes para desafiar los estereotipos raciales y religiosos y promover la multiplicidad del hombre". El premio fue supuestamente otorgado por el rabino Emmanuel Lev-Tov, autor de las memorias

"Las referencias judías en Lebowski las tomamos de cosas que escuchamos en las sinagogas cuando éramos chicos", dice Ethan. Claro que los Coen han sido acusados de caer en estereotipos étnicos grotescos e incluso de antijudíos. Un crítico de Nueva York les llamó la atención sobre la escena en que Bernie the Shmatte se arrastra y gimotea a los pies de un gángster armado "en un lugar que parece un bosque de abedules en Polonia". Cuando se les consultó si habían intentado evocar el Holocausto, los Coen se mostraron entre divertidos y perplejos. "Eso fue más absurdo que algunas de las cosas que dijeron los críticos franceses", dice Joel.

La historia de Un hombre serio también se relaciona con la infancia de los Coen en St. Louis Park, un pueblo con bastante población judía en el borde sur de Minneapolis. Su madre, Rena, venía de una familia ortodoxa y la casa era kosher. "Ella acataba esa disciplina -dice Joel-, y nuestro padre, Ed, simplemente le seguía la corriente. Cuando nos enteramos de que alguna vez en el club universitario había comido un plato con panceta, fue una gran desilusión. Pero para ser justos con Ed y poner las cosas en su lugar, Joel y yo íbamos a escondidas a la casa de un vecino para comer jamón. Así que cuando nos enteramos la sensación fue que en definitiva él no era mejor que nosotros", dice Ethan. Y, aunque Ed estudió economía en la Universidad de Minnesota, ellos aseguran que él no fue el modelo para crear a Larry Gopnik.

No pueden decir lo mismo de Debbie, su hermana mayor, y Sarah, la hija de Gopnik. "Debbie se pasó toda la adolescencia en el baño, lavándose el pelo", recuerda Ethan. También como el hijo de Gopnik, Danny, los Coen fueron a una escuela judía, cuatro días a la semana luego de la escuela común, y los domingos. También como Danny, tuvieron un tutor centroeuropeo que, para tomar una frase de P. G. Wodehouse, parecía tener 150 años bien llevados o 110 mal llevados. "Hace años pensamos en hacer algo corto sobre un chico que para el tiempo del bar mitzvah iba a ver a un rabino anciano", dice Joel. "El rabino estaba parcialmente basado en la figura de un sabio que vimos de niños, un Mago de Oz semítico. Nunca hablaba pero tenía mucho carisma", agrega Ethan.

Como estudiantes de hebreo, los Coen no eran para nada jóvenes serios. "Estábamos toda la clase esperando que termine", dice Ethan. En el film, Danny memoriza el texto de su bar mitzvah escuchando el disco Rabbi Youssele Rosenblatt Chants Your Haftorah Portion , Volume 12. Para Joel y Ethan no fue muy distinto. "El bar mitzvah significaba que te den regalos -dice Joel-. A nuestros ojos, el judaísmo era más ético que religioso."

Y siguen así. Ninguno de los dos es practicante. Joel incluso bromea que con su mujer, la actriz Frances McDormand, han criado a su hijo adoptivo, Pedro, como un pagano.

De todas maneras, el rabino Sklar dice que los Coen son profetas judíos modernos. "El rol del profeta es decir la verdad a la gente. Los Coen ven a través de nuestras debilidades. Enfocan la normalidad y muestran lo mundano a la vez como anormal, hermoso y aterrador."

Christopher Plummer mira al Oscar gracias a León Tolstoi

2010-02-23T08:58:00.003-05:00

Christopher Plummer apenas ha tenido un momento libre desde la publicación de su autobiografía en 2008. El actor canadiense -que ya tiene 80 años y una impresionante carrera que incluye cintas como "La novicia rebelde" y "El hombre que quería ser rey"- estuvo el año pasado en cuatro películas. Y tres recibieron la atención de la Academia.

En 2009 protagonizó la fantasía surrealista de Terry Gilliam "El imaginario mundo del Dr. Parnassus" -nominada a Mejor Dirección Artística y Mejor Diseño de Vestuario-; fue la voz de Charles Muntz, el malvado explorador de "Up" (nominada a Mejor Película y Mejor Película Animada, entre otras); y también fue el octogenario autor ruso León Tolstoi en "The last station", rol por el que compite a Mejor Actor Secundario. Es la primera nominación de su carrera y, aunque no es el favorito, es un respaldo que la industria le debía.

"The last station" -sin fecha de estreno en Perú- fue escrita y dirigida por Michael Hoffman. Se ambienta en 1910, el traumático último año en la vida del escritor de "La guerra y la paz". Helen Mirren interpreta a su fuerte esposa, Sofya, quien desesperadamente trata de impedir que su esposo ceda los derechos de sus libros al pueblo ruso.

-Pese a ser un aristócrata y el más famoso novelista de Rusia, en vida Tolstoi renegó de su vida de riqueza.

"Él vivió una vida modesta a propósito. Era un precursor del socialismo en su época. Tenía más de 70 sirvientes y él insistía en comer con ellos en la mesa. Rehusaba a pensar en él como un conde. Él creía que todo el mundo era su igual, era un personaje maravilloso y un revolucionario. Tan humano".

-Usted ha interpretado a varios personajes reales, como a John Barrymore en teatro, Mike Wallace en "El informante" y ahora Tolstoi. ¿Cómo se acerca a ellos?

"Leí cuanto pude sobre Tolstoi y había leído sus libros, aunque no todos. Uno se demora mucho en leerlos. ¡Recién los estoy terminando! También he visto documentales, pero nunca lo hemos escuchado hablar, así que le di una voz muy natural, con un tono bajo. Una vez que has establecido a la persona real, entonces puedes convertirte en el personaje. Una vez que lo haces, como lo hice con Mike Wallace, eres libre de hacer lo que quieras".

La competencia

Matt Damon ("Invictus")

Su papel: Francois Pinnear, capitán de la selección sudafricana de rugby de 1995, que jugó un papel clave en la unión entre blancos y negros.

Por qué sí: La historia humana y verdadera del filme es del gusto de la Academia, que podría consagrar a un actor querido en Hollywood.

Por qué no: La película ha perdido fuerza durante la temporada de premios.

Woody Harrelson ("The messenger")

Su papel: El capitán de ejército Tony Stone, cuya misión es informar a familiares sobre las muertes de soldados en la guerra.

Por qué sí: Luego de una década perdido en roles olvidables, el actor tuvo en 2009 uno de sus mejores años y la Academia podría respaldar su regreso.

Por qué no: Es un favorito de la crítica, pero los premios más mediáticos no le han dado el triunfo.

Stanley Tuccu ("Desde mi cielo")

Su papel: George Harvey, un asesino en serie que intenta escapar de la familia que busca al culpable de su último crimen.

Por qué sí: Es un actor admirado por la industria y un Oscar sería su mayor espaldarazo.

Por qué no: La película fue recibida con tibieza por la crítica y sólo su actuación ha sido alabada.

Christoph Waltz ("Bastardos sin gloria")

Su papel: El carismático y letal coronel Hans Landa, que persigue judíos en la II Guerra Mundial.

Por qué sí: El austríaco es el gran favorito a ganar. Ha cosechado premios desde el Festival de Cannes hasta la presente temporada de premios.

Por qué no: Los votantes podrían optar por premiar a actores estadounidenses con roles más humanos

El impredecible futuro de "FlashForward"

2010-02-23T08:06:00.000-05:00

"FlashForward" -que se estrena hoy a la medianoche en AXN- tuvo su estreno en Estados Unidos el 24 de septiembre pasado, alcanzando 12,5 millones de espectadores. Pero la serie no pudo mantener una historia que se presentaba tan promisoria como "Lost". A los tres meses, los seguidores bajaron hasta los siete millones y la cadena ABC la mandó a reescribir.

Inspirada en una novela de Robert J. Sawyer, "FlashForward" se desencadena a partir de un "desmayo mundial" que dura dos minutos y 17 segundos. Durante ese lapso, cada persona ve -como si lo viviera-lo que estará haciendo en seis meses más. Al despertar, el caos está en todas partes. Hay quienes tienen visiones de su muerte, de sus amores y rupturas.

El agente del FBI Mark Benford, interpretado por Joseph Fiennes ("Shakespeare apasionado"), se encargará de descubrir quién es el culpable del extraño suceso que muchos interpretarán como acto terrorista. Sus pesquisas las basará en su propio "flashforward", donde ya se vio a cargo de la investigación.

La etiqueta de sucesora de "Lost" no sólo se debe al juego que hay con el tiempo y el espacio, además de estar llena de misterio, suspenso y acción. También hay rostros de la isla que se repiten: Sonya Walger ("Penny"), quien interpreta a la esposa del protagonista, y Dominic Monaghan ("Charlie"), quien encarna al villano.

La cadena ABC espera que "FlashForward" sea una digna sucesora de la historia de los náufragos que, por estos días, emite su temporada final. Pero eso no se sabrá hasta el 18 de marzo, cuando con su regreso a las pantallas de EE.UU. defina su futuro.

Reducción de capítulos

La serie tenía presupuestado hacer 25 capítulos para esta primera temporada, pero debido a su baja sintonía, el primer ciclo de "FlashFoward" se redujo a 22 episodios

La isla siniestra: la mejor partida de un filme de Scorsese en EEUU

2010-02-22T21:16:00.000-05:00

Pese a sus logros y reconocimiento, nunca Martin Scorsese había disfrutado de un real éxito de taquilla. Por eso lo conseguido el fin de semana por La isla siniestra es meritorio: alcanzó el primer lugar del boxoffice con U$40 millones en EEUU y Canadá.

El thriller que examina la locura criminal y una investigación d euna desaparición, dejó exactamente 40,2 millones de dólares por venta de entradas, dijo ayer su distribuidor, Paramount Pictures.

Este estreno silenció a los pesimistas que vieron como una señal ominosa que Paramount dijera en agosto pasado que retrasaría cuatro meses el estreno del filme.

El vicepresidente de Paramount, Rob Moore, dijo que aunque hubo "algunos problemas de percepción con la prensa", los asistentes a las salas se entusiasmaron por la sinopsis del filme y los anuncios publicitarios emitidos durante la transmisión de los Globos de Oro y el Super Bowl.

Paramount modificó la fecha planeada de estreno del 3 de octubre porque no tenía suficiente dinero para publicidad en su presupuesto 2009. En lugar de eso decidió concentrarse en Desde mi cielo y Amor sin escalas, lo que supuso un duro golpe para el director de Taxi driver.

Dado que La isla siniestra ha recaudado en tres días tanto como Desde mi cielo (43 millones de dólares) durante un mes en las salas, ¿el estudio habrá apostado al caballo equivocado, especialmente cuando los filmes estrenados a principios de año pocas veces reciben la atención de los Oscar?

Moore dijo que confía en que las buenas cifras en la taquilla y las sólidas reseñas serán una poderosa combinación cuando comience la temporada de premiaciones en el otoño boreal.

CUARTA COLABORACION

En la producción de 75 millones de dólares, DiCaprio interpreta a un alguacil federal retenido en un hospital cárcel para criminales dementes frente a la costa de Massachusetts en 1954. Los expertos habían vaticinado una ganancia inicial en el rango de los 25 a 30 millones de dólares.

El anterior récord de ganancia inicial del actor fue Atrápame si puedes en 2002 (30 millones de dólares), mientras que el de Scorsese fue Los infiltrados en el 2007 (cerca de 27 millones de dólares).

La isla siniestra es la cuarta colaboración del dúo, tras Los infiltrados, El aviador y Pandillas de Nueva York.

Paramount dijo que el público estuvo dividido equitativamente por género, una señal de que DiCaprio ha ido más allá de su sólida base de público femenino. En la película también actúan Mark Ruffalo y sir Ben Kingsley.

El ganador del fin de semana pasado, la comedia romántica del director Garry Marshall Día de los enamorados, cayó al segundo lugar con 17,6 millones de dólares. El filme de Warner Bros. ha recolectado 87,4 millones de dólares tras 10 días de exhibición.

El filme más taquillero de todos los tiempos, Avatar, subió un puesto y quedó tercero con 16,1 millones de dólares, totalizando 687,6 millones de dólares desde su estreno.

El éxito de ciencia ficción de James Cameron debería llegar a los 700 millones de dólares el próximo fin de semana, dijo su distribuidora, 20th Century Fox.

Mientras, The Ghost Writer, el filme de Roman Polansk recientemente premiado en el Festival de Cine de Berlín, disfrutó de un sólido comienzo en exhibición limitada.

La película de suspenso ganó 179.000 dólares en dos salas en Nueva York y Los Angeles, dijo su distribuidor Summit Entertainment. El filme sumará 10 mercados el próximo fin de semana.

Polanski está bajo arresto domiciliario en Suiza, mientras autoridades estadounidenses buscan su extradición para que enfrente la sentencia por haber tenido relaciones sexuales con una chica de 13 años en 1977

Vivir al límite aplasta a Avatar en los premios Bafta

2010-02-22T10:27:00.000-05:00

Pese a sus 8 nominaciones, resultó sorpresivo que Vivir al límite, la cinta de Kathryn Bigelow ambientada en Irak haya sido la gran triunfadora en la ceremonia con que la Academia de Cine británico (Bafta) premia a lo mejor del año.

Y eso no solo porque obtuvo seis galardones, sino porque Avatar, que llegaba a la ceremonia también con 8 nominaciones, debió conformarse solo con dos premios técnicos.

La cinta de Bigelow ganó en mejor sonido, edición, dirección de fotografía, guión original, dirección y filme del año. Esta abultada diferencia la deja en inmejorable pie para los premios Oscar del 7 de marzo, aunque sabemos que la Academia de Hollywood siempre ha sido más proclive a premiar a los filmes que funcionan mejor en taquilla, como es el caso de la cinta de James Cameron.

El primero en subir al escenario del Royal Opera House para recibir su premio fue el director Duncan Jones, por su trabajo en la cinta de ciencia ficción Moon. El cineasta, hijo de David Bowie, fue elegido el mejor debut del año.

Otros premios incluyeron al actor inglés Colin Firth, mejor actor protagónico por su trabajo en A single man, debut del disñador de modas Tom Ford. También Casey Mulligan, por su aplaudido rol en Enseñanza de vida (An education), el nazi asesino de Bastardos sin gloria, el alemán Christoph Waltz, como mejor actor secundario, y a Mo'nique, por su trabajo en la misma categoría en Preciosa.

También recogieron premios Up, una aventura de altura, por su música y como mejor filme animado del año, y Avatar por su diseño de producción, efectos especiales y efectos visuales. También Kristen Stewart fue reconocida como mejor figura emergente.

Finalmente, el premio al mejor filme en lengua no inglesa, fue a dar a Un prophete, de Francia

Mo'nique : La deslenguada comediante que está en la mira del Oscar

2010-02-22T08:31:00.000-05:00

Toronto, septiembre de 2009. Pleno festival de cine. O, en otras palabras, la primera gran plataforma de lucimiento para las películas y los actores que aspiran a tener presencia en la temporada de premios, con miras al más importante de todos, el Oscar. Y Mo'Nique, que en ese certamen recibía las mejores críticas de su carrera, no mostró ni la nariz. Esta comediante de 42 años, principalmente conocida como una deslenguada figura televisiva, decidió no jugar el juego de la promoción. Tampoco se le vio en el Festival de Cine de Nueva York y en la larga lista de eventos mediáticos asociados. "Todo está allá, en la pantalla", es lo que se ha limitado a decir. Y, a decir verdad, al parecer eso ha sido suficiente.

Hasta la fecha, Mo'Nique ha ganado 23 premios -entre ellos el Globo de Oro, y el BAFTA a Mejor Actriz de Reparto que obtuvo ayer- por su actuación en "Precious", por la que es la favorita indiscutida a ganar el Oscar a Mejor Actriz Secundaria el próximo 7 de marzo en la ceremonia que se realizará en el Teatro Kodak de Los Angeles. Y todo sin necesidad de jugar el juego de la promoción.

Con sus orígenes en los populares clubes de comedia de Estados Unidos a mediados de los 90, y famosa por animar varias entregas de premios y concursos de talentos en TV, Mo'Nique realmente tomó un riesgo en su carrera cuando el director Lee Daniels la fichó para interpretar a Mary, una mujer violenta y amargada que maltrata constantemente a su hija Precious, una adolescente embarazada de su segundo hijo y portadora del virus del sida. Los hijos de la joven son producto de los abusos de la propia pareja de la mujer, pero ella no siente pavor ante el panorama, sino odio por haber engendrado a la mujer que le quita los afectos de su hombre.

Es un papel duro, claro está, pero ella en repetidas ocasiones ha señalado que no la juzga, que se trata de una mujer mentalmente enferma y no se cansa de alabar a su director y sus compañeros de elenco (Gabourey Sidibe y los cantantes Mariah Carey y Lenny Kravitz, entre ellos). "Está loca. ¿Acaso no quiere ganar el Oscar?", replicaba el diario Los Angeles Times a comienzos de mes. Pero Mo'Nique sí ha asistido a las ceremonias más mediáticas, como los Globos de Oro y los SAG, y sus discursos de agradecimientos han sido emotivos y respetuosos. Pero de por qué ha estado tan alejada de la temporada de premios no dice nada. Cuando esa pregunta llega a sus oídos, la deriva a su esposo y socio, Sidney Hicks. "Ella tiene un talk show diario, además de madre de dos hijos. No ha asistido a todos los eventos, pero ha ido a algunos", dice. De hecho, el matrimonio señala siempre con orgullo que ella es la primera mujer de color en tener un talk show nocturno, que se transmite en el canal de cable BET.

Sin embargo, todo el mundo la espera en la ceremonia del teatro Kodak, donde se debería dar la lógica y llevarse el Oscar, demostrando que la Academia todavía privilegia las actuaciones por sobre las campañas millonarias. Habrá que ver.

Roman Polanski renació en el Festival de Cine de Berlín

2010-02-21T21:37:00.000-05:00

Si en la trama de su última película el primer ministro británico contrata a un "autor fantasma" para que termine de escribir sus memorias, ayer, durante la gala de premación de la Berlinale 2010, Roman Polanski se convirtió en el "ganador fantasma" del certamen.

Pese a no estar presente en la ceremonia que dio término a la edición número 60 del Festival de Cine de Berlín, el director franco-polaco fue el protagonista de la velada, quedándose con el Oso de Plata a la Mejor Dirección por "The ghost writer", la película que terminó desde su casa en los Alpes, donde aún cumple arresto domiciliario. "De haber podido, tampoco habría venido a Berlín a recoger el premio. La última vez que fui a un festival a buscar un premio acabé en la cárcel", dijo el cineasta por boca de los productores del filme, Alain Sarde y Robert Benmussa, quienes recibieron el galardón en su nombre.

Con ese mensaje, el director de "Chinatown" revivía su detención en el aeropuerto de Zurich en septiembre del año pasado, cuando se dirigía a recibir un premio honorífico por su trayectoria. En aquella ocasión, Polanski fue detenido por la violación de una menor de 13 años en Estados Unidos durante 1977.

De esta manera, el ganador de un Oscar por "El pianista" vuelve a ser premiado en el festival alemán, donde en 1965 obtuvo el Oso de Plata por "Repulsión", y dos años después el de Oro por "Cul-de-Sac".

Ganadores del Este

Si en 2009 los latinos fueron los triunfadores de la Berlinale -con el filme peruano "La teta asustada"-, este año el jurado del certamen, presidido por Werner Herzog y que incluía a la actriz Renée Zellweger, se inclinó por el cine facturado en los países de Europa del Este.

El Oso de Oro para la Mejor Película fue para el drama turco "Bal" ("Honey"), de Semih Kaplanoglu, mientras que el Gran Premio del Jurado recayó en la rumana "If I want to whistle, I whistle", dirigida por el joven Florin Urban. La Plata a la Mejor Actriz fue para la japonesa Shinobu Terajima, por su papel en el crudo filme "Caterpillar", y el de Mejor Actor fue compartido por el dúo de actores formado por Grigoru Dobrygin y Sergei Puskepalis, de la cinta rusa "Kak ya provel etim letom" ("How I ended this summer").

La política de la corrección
FESTIVAL DE BERLÍN:

A sus 60 años, el Festival de Berlín ha premiado con la galantería de un adulto mayor la corrección política más que la calidad de las películas, pero eso no es cosa nueva en este tipo de gigantescos certámenes que, además de cine, quieren mandar mensajes con ecos sociales y discursos políticos.

El jurado presidido por el venerado director alemán Werner Herzog inclinó la balanza hacia el lado menos probable de esta selección, la película turca "Bal" ("Honey)", una contemplativa historia sobre un niño que se interna en un bosque con rasgos mágicos para buscar a su padre. Tal vez la explicación de este inesperado premio sea un intento por llamar la atención sobre Turquía y limpiar conciencias en el gran tema que significa la inclusión de ese país en la Unión Europea y la siempre polémica inmigración.

Segundas lecturas menos, lo que es claro es el apoyo cerrado del jurado de Herzog hacia su colega el cineasta Roman Polanski, quien sin duda merecía un premio por su correcto desempeño en el thriller "The ghost writer", una película hecha con la moral de los clásicos de la vieja escuela y en la que el director polaco, pese a los derroteros de algunas secciones del filme, muestra notable estado y talento para salir adelante. Premiar a Polanski es un acto político, claro, pero más justificado en el arte que en un simple gesto.

Si hay películas que merecían mejores galardones, como la rusa "How I ended this summer" y sobre todo la rumana "If I want to whistle, I whistle", se tuvieron que conformar con el consuelo de los premios secundarios.

Este año, la Berlinale ha tratado de ser lo más balanceada posible, dejar a todos contentos y satisfechos con la conciencia más liviana. Pero si de cine puro se trata, se echó de menos una mención a la gran labor de la directora argentina Natalia Smirnoff en la notable "Rompecabezas" y a la comedia de buena ley protagonizada por Gérard Depardieu en "Mammuth". Y eso sí que hubiera sido rupturista y más sorpresivo. Galardonar una comedia en una Berlinale seria que entra pontificando a su tercera edad.

"The Hurt Locker" gana premio del sindicato de guionistas de Hollywood

2010-02-21T16:10:00.001-05:00

El drama sobre la guerra de Irak "The Hurt Locker" se perfila cada vez más como favorita para los Oscar de Hollywood después de ganar el sábado el premio del Sindicato de guionistas de Estados Unidos (WGA, por sus siglas en inglés).

La película sobre el día a día de un escuadrón estadounidense de desactivadores de minas en Irak ganó el galardón al Mejor Guión Original en la gala anual de los guionistas de Hollywood, dos semanas antes de la ceremonia de entrega de los premios de la Academia, el 7 de marzo.

Con nueve nominaciones al Oscar, "The Hurt Locker" es considerada como la favorita para ganar la preciada estatuilla a Mejor Película. Hasta ahora, la cinta dirigida por Kathryn Bigelow ganó los máximos galardones del gremio de directores estadounidenses (DGA) y del Sindicato de Productores de América (PGA), indicadores clave en la competencia por los premios Oscar.

Mark Boal, quien escribió "The Hurt Locker" después de pasar varias semanas con una unidad militar en Irak, recibió el sábado el premio del WGA.

Boal le ganó a James Cameron por "Avatar", a Joel y Ethan Coen por "A Serious Man", a Neustadter Scott y Michael H. Weber por la comedia romántica "500 Days of Summer", y a Jon Lucas y Scott Moore por la taquillera "The Hangover".

El premio al Mejor Guión Adaptado fue para Jason Reitman y Sheldon Turner por el drama sobre los despidos corporativos "Up in the Air".

Desde mi cielo : Una escala en el camino al Paraíso

2010-02-18T10:36:00.000-05:00

Esta especie de thriller sobrenatural que aspira a una reflexión sobre el más allá y apunta al examen de los vínculos afectivos y el dolor de la pérdida propone una rara mezcla en la que caben fantasías adolescentes, percepciones extrasensoriales, pedófilos asesinos e investigadores frustrados, además de un improbable y colorido limbo desde donde puede observarse lo que sucede acá abajo. También hay personajes que se entretienen con sus hobbies: el papá de la protagonista arma barcos en botellas; un vecino solitario construye casas de muñecas. Y Peter Jackson, como ellos, atiende a su juego: el suyo consiste en probar que ningún efecto es imposible para los cerebros electrónicos de su compañía WETA, con los que se empeña en imaginar la antesala del paraíso desde la cual una chica asesinada en 1973, a los 14 años, nos contará su historia antes del crimen y la de sus desconsolados familiares después. Sólo cuando ellos (en especial su padre) recuperen la paz (y cuando se castigue al culpable) podrá la chica abandonar esa especie de curso de ingreso celestial en el que tiene como compañeras a otras víctimas del mismo psicópata.

El limbo (como lo concebiría una adolescente) es como un calidoscopio imparable: colores y paisajes siempre cambiantes, mares de plata centelleante, montañas nevadas, horizontes infinitos, insólitos atardeceres: una interminable sucesión de posters que hablan muy bien de los recursos de la tecnología, pero no tanto de la imaginación de Jackson. Por otro lado, más de una vez tanto empalago visual distrae de la historia, incluso al propio realizador.

Los principales aciertos están en la primera parte: la pintura familiar, las escenas que preceden al crimen, la del ataque (que Jackson trata con elogiable discreción) y en especial la que sugiere cómo la víctima llega a comprender que ha muerto. Después el relato se dispersa bastante entre la búsqueda del asesino, algún tramo de suspenso, unos paréntesis cómicos a cargo de Susan Sarandon (incluida una vertiginosa secuencia que es puro cliché), cierto fugaz e incomprensible regreso de la chica y otros detalles próximos el ridículo.

Lo mejor está en el elenco: sobre todo en Saoirse Ronan, que sale indemne de un compromiso riesgoso y con su convicción otorga alguna cohesión al relato. Marc Wahlberg y Rachel Weisz defienden como pueden personajes que sólo al principio resultan convincentes

Julianne Moore: "Lo mejor es cuando la gente se identifica con tu personaje"

2010-02-18T10:34:00.002-05:00

Ayer salió el sol en la nevada capital alemana y muchos encontraron la explicación: apareció Julianne Moore en la paleta de estrellas que forman parte de los 60 años de la Berlinale. La glamorosa actriz norteamericana es una de las protagonistas de la polémica cinta "The kids are all right", una audaz apuesta que se presentó fuera de concurso y que muestra cómo dos hermanos adolescentes (Mia Wasikowska, de "Alicia en el país de las maravillas", y Josh Hutcherson) comienzan a investigar cuál es la identidad del donante que fue su progenitor. Y esto se debe a que ambos son los hijos de una pareja de lesbianas interpretadas por Annette Bening y Julianne Moore.

La pelirroja actriz dice que desde hace cinco años buscaba actuar en este papel, pues admira a la realizadora Lisa Cholodenko ("High art"), la gestora de esta inusual historia. "Hemos estado junto a Lisa luchando por realizar esta cinta durante los últimos años y creo que eso ayudó a que el guión resultara algo especial".

El conflicto narrativo estalla cuando el padre biológico (Mark Ruffalo) de los chicos, interrumpe la rutina de esta familia distinta y atípica. Algo que cambia radicalmente el curso de los acontecimientos y que hace que el personaje de Moore se sienta atraída por este intruso. Sobre su rol, ultra destacado por la prensa acreditada, la estrella señaló: "El mejor cumplido es cuando la gente se identifica con tu personaje".

Sin sentirse necesariamente una defensora de los derechos gay, Moore bajó el tenor de cualquier polémica. "No creo que importe cuál sea tu sexualidad. Tanto Annette como yo hemos estado casadas, tenemos hijos, sabemos lo que significa ser padres y sabemos lo que es estar en una relación de años".

En tanto, ayer Irán hizo noticia acá en Berlín y no sólo porque se estrenó la cinta de ese país "The hunter", de Rafi Pitts, sobre un francotirador que asesina a dos agentes porque su mujer y su hija murieron en una manifestación callejera. La polémica estalló porque el gobierno de Irán decidió no autorizar el viaje del cineasta Jafar Panahi, quien debía participar en la Berlinale como parte de un foro cultural.

Los discursos más emblemáticos de la historia del Oscar

2010-02-18T08:44:00.000-05:00

Sí, era un triunfo histórico, la primera mujer de raza negra en ganar el Oscar a Mejor Actriz. Pero Halle Berry , premiada por su actuación en "Cambio de vida", es recordada por las lágrimas que derramó durante todo su discurso. "Este momento es mucho más grande que yo", dijo. Ese mismo año, ella también ganó el Emmy y el Globo de Oro. E igualmente hubo lágrimas. Hattie McDaniel, Nicole Kidman, Adrien Brody y Tom Hanks tampoco contuvieron las lágrimas al aceptar sus estatuillas.El impertinente

Es uno de los discursos más emotivos de los que se tiene memoria, pero cuando Tom Hanks ganó el Oscar por "Filadelfia", el actor cometió una impertinencia. Dedicó su triunfo a Rawley Farnsworth, su profesor de actuación en Oakland, California: "Uno de los más brillantes gays que he conocido". Farnsworth, que no compartía aquel dato con todo el mundo, se vio "sacado del clóset" por Hanks en un programa visto por 2 mil millones de personas.

Los récords

El discurso más largo en la historia del premio Oscar lo dio Greer Garson en 1943, cuando ganó a la Mejor Actriz por "Rosa de abolengo". Sus agradecimientos duraron seis minutos.

El más corto es de Alfred Hitchcock en 1968, cuando sólo dijo "Gracias" por el premio Irving G. Thalberg. Pero también se lo pelean Clark Gable (en 1935, por "Sucedió una noche") y la diseñadora de vestuario Alexandra Byrne (en 2008, por "Elizabeth, la edad de oro").

Los polémicos

Como un genuino adolescente sonreía Marlon Brando cuando ganó su primer Oscar en 1955 por "Nido de ratas". Sin embargo, cuando se llevó el segundo, por "El padrino" en 1973, la historia fue muy diferente. La activista indígena Sacheen Littlefeather (su nombre real era Marie Cruz) subió al escenario y, en nombre del actor, leyó una carta donde rechazó el premio debido al "pobre tratamiento a los nativos americanos en la industria cinematográfica".

Hay más. En 1978, cuando ganó el Oscar por "Julia", Vanessa Redgrave , una férrea defensora de la Organización por la Liberación de Palestina, proclamó que no sería "intimidada por una pequeña pandilla sionista cuyo comportamiento es un insulto a la estatura de los judíos en el mundo". Se escucharon abucheos en el público, pero la cosa no terminó ahí. Minutos después, el guionista Paddy Chayefsky, respondió: "Estoy harto de las personas que ocupan esta ceremonia para esparcir su propaganda. Me gustaría decirle a la señorita Redgrave que ganar un Oscar no es un momento clave en la historia, no necesita proclamación y un simple 'gracias' habría sido suficiente".

Otro que se ganó abucheos y aplausos fue Michael Moore , cuando ganó el Oscar por su documental "Bowling for Columbine" y, en plena ceremonia, le decía al entonces Presidente de EE.UU.: "¡Debería darle vergüenza, señor Bush!".

El soberbio

Tal vez lo hizo sin pensarlo mucho, citando a la misma película que ya le había dado el Oscar a Mejor Edición. Pero cuando James Cameron obtuvo la estatuilla a Mejor Director por la taquillera "Titanic", abrió los brazos y proclamó: "Soy el rey del mundo". Tal cual lo hizo Leonardo DiCaprio en la ficción. Sin embargo, el momento le jugó en contra. "Soberbio", "prepotente", fueron algunos de los adjetivos que se leyeron en la prensa norteamericana al día siguiente. Hoy postula por "Avatar".

El histriónico

Más que sus palabras -aunque los excesivos "¡Te amo!" para Tom Cruise son recordados hasta hoy-, el agradecimiento por el Oscar a Mejor Actor Secundario de Cuba Gooding Jr. , obtenido en 1997 por "Jerry Maguire", pasó a la historia por sus saltos y piruetas de felicidad, en el mismo escenario del Dorothy Chandler Pavillion. Otras piruetas inolvidables, las de Robert Benigni , cuando ganó Mejor Actor por "La vida es bella" en 1998

Precious : La belleza del Alma

2010-02-09T18:18:00.003-05:00

Preciosa, la tocante historia de una chica de 150 kilos, analfabeta, que tiene sida, está embarazada por segunda vez de su padre y es abusada por su madre, está filmada en un estilo documental mezclado con secuencias de fantasía. Cuando Precious llega a una escuela especial, ella empieza a brillar y el rechazo que la audiencia le tiene al principio, va dando paso a la identificación.

En Cannes la película recibió una ovación de 15 minutos. "No paraban de aplaudir", dice Daniels, de 50 años. Unos meses antes, Preciosa había ganado tres premios en el Festival de Sundance, incluyendo uno especial para Mo'Nique, que interpreta a la monstruosa madre (está nominada al Oscar).

Si bien la película es gráfica, es menos que Push, la novela de 1996 en la que se basa. Escrita por una poeta afroamericana conocida como Sapphire, la novela es extrema al punto de que la madre la obliga a Precious a tener sexo oral con ella y está convencida de que va a morir. La película es más optimista: ella no ignora su enfermedad, pero él la libera. Precious es como cualquier persona -blanca, negra, hombre o mujer- que ha sido devaluada o maltratada en la vida.

Sin embargo, eso no evitó que muchas personas consideren que Preciosa refuerza estereotipos racistas. Es una crítica que Daniels ya escuchó. "Como afroamericanos estamos en un lugar interesante -dice-. Obama es el presidente y aspiramos a ser como él. Pero parte de esa aspiración es distanciarnos de personas como Precious. No me interesa explotar a la gente negra. No tengo que mentir. Estoy orgulloso de donde vengo y Precious es parte de ese mundo".

Como productor, Daniels había estado en Cannes con El hombre del bosque, un drama con Kevin Bacon. En 2001 produjo también Cambio de vida, por la que Halle Berry ganó el Oscar en un rol nada glamoroso en la que pocos la imaginaban. En esta película tiene a Mariah Carey, como una trabajadora social y a Lenny Kravitz encarnando a un enfermero.

Después de producir dos películas, Daniels estaba frustrado por no tener el completo control de sus películas. "Medio que codirigí Cambio de vida -dice-. La ayudé a Halle con sus diálogos. Sabía como hacer eso, como entrar en su alma. Me cansé de producir y de transformar a directores en estrellas monstruosas. Quería dirigir yo".

Su primera película, Shadowboxer, es un drama con Cuba Gooding Jr. y Helen Mirren como un asesino que tiene un affaire con su madrastra a punto de morir y con la que crían a un niño. Es violenta, sexualmente explícita y muy rara.
Daniels leyó Push cuando se publicó. "Dormí con el libro por tres meses -dice-. Al principio, Sapphire no quería venderme los derechos. Tenía muchas ofertas. Después vio Shadowboxer, lloró en mis brazos y me los vendió".

Después vino el problema de la financiación. "Fue muy difícil -explica-. Los estudios no querían hacer una película sobre una chica negra abusada de 150 kilos". Finalmente Lee logró financiarla gracias a una pareja de empresarios de Denver. Ellos pusieron 8 de los 10 millones que costó el filme.

¿Siguiente problema? Encontrar a Precious. "No podía llamar a Hollywood y pedirles que me enviaran chicas negras de 150 kilos. Se me reirían en la cara". Hicieron sesiones abiertas de castings, fueron a Mc Donald's, visitaron Detroit y Chicago, recorrieron escuelas secundarias. Vieron 500 chicas y eligieron diez finalistas. "Hicieron un entrenamiento tipo American Idol -dice-. Pero no me convencía ninguna. Estábamos a semanas de empezar a filmar y todavía no había encontrado a la protagonista".

Gabourey Sidibe (26) escuchó del filme por su madre. "Me dijo de la audición. Ella cree que soy capaz de hacer cualquier cosa. Cumplía con los requerimientos físicos y me animé. Después de unas pruebas, Lee me dio el papel. En dos días me cambió la vida".

A diferencia de Precious, Sidibe es articulada y alegre. "No soy como ella, pero cuando tenía 15 me veía mal. Pero me liberé de esa sensación y decidí ser feliz conmigo misma, más allá de lo que la gente pueda pensar." Esa actitud convenció a Daniels. "Mi hermana era obesa y adicta al crack -dice-. En una mano tenía una ala de pollo y en la otra una pipa de crack. Y los hombres hacían fila por ella. La gente asume cosas equivocadas de los obesos. Como mi hermana, Gabby está cómoda con su cuerpo".

La actriz que encarna a la madre, Mo'nique, no participa de la promoción y ello le generó conflictos con la prensa y ha dañado su imagen. Ella cree que el trabajo es suficiente y que la autopromoción no tiene sentido ni le genera beneficios. Muchos se quejan de que su personaje da una imagen terrible de las madres afroamericanas. "Ven la película como negativa con la mujer negra. Le dije a Mo'Nique que la iban a odiar por el rol. Y me dijo: Que me odien. No le importó en lo más mínimo".«

Información

"Preciosa" está nominada a seis premios Oscar: mejor película, mejor director (Lee Daniels), mejor actriz (Gabourey Sidibe), mejor actriz de reparto (Mo'Nique), mejor guión adaptado (Geoffrey Fletcher) y mejor edición

An Education ( Enseñanza de Vida ) : Revolución íntima

2010-02-05T09:48:00.004-05:00

Nick Hornby, que en Enseñanza de vida (fea traducción, con aires de autoayuda, de An Education) adapta las memorias de la periodista Lynn Barber, se caracteriza por su estilo literario basado en la fresca perspicacia, el sentido del humor, la aparente levedad, la ausencia de academicismo, aunque él sea egresado de la carrera de Letras de Cambridge. Ese tono -con un humor más cálido que irónico- y esa contraposición -educación de claustro vs. educación sentimental- dominan esta película de Lone Scherfig (Italiano para principiantes), candidata al Oscar a mejor película.

Enseñanza ... está ambientada en Inglaterra, a principios de los '60. Aunque sería más justo hablar de los últimos reflejos de los '50: de una sociedad, satisfecha en su conservadurismo, austera en su recuperación de la Segunda Guerra. Jenny (extraordinaria Carey Mulligan, también candidata al Oscar) es una estudiante, de 16 años, con futuro de Oxford. Pero sus fantasías están en otro lugar, menos estructurado, más vital, menos conformista. Geográficamente, en Francia: ella sueña con conocer París; admira a Jacques Brel, la Nouvelle vague, Albert Camus. "El libro trata sobre un hombre que no se conmueve ni por la muerte de la madre ni por asesinar a otro", les explica, a sus pueblerinas compañeras, lejanas al existencialismo, para acercarlas a El extranjero.

Falta poco para el Mayo del '68. Pero el mundo de Jenny -que vive con sus padres; interpretados por Alfred Molina y Cara Seymour- se revuelve y estalla -ideológica y hormonalmente- cuando conoce a David (Peter Sarsgaard): un bon vivant que la dobla en edad, un seductor despreocupado, capaz de impostar con encantadora naturalidad -como todo seductor-, un tipo que sólo deja ver -y esto lo hace más interesante- la punta de un iceberg. Su extrema facilidad para mentir, simpática a la hora en que seduce a los padres de ella, se va volviendo cada vez más misteriosa e inquietante.

El ambiguo David -siempre acompañado por una pareja de su edad: sofisticada, sibarita, extraña- es un tipo al que muchísimas mujeres le perdonarían casi todo, incluso los pequeños delitos. En una secuencia notable, tratada con deliberada ligereza, él y sus amigos -que se dedican al negocio del arte- roban un cuadro. Jenny amaga con indignarse y separarse. Pero un rato después le dice a David: "No sabes lo aburrida que era mi vida antes de conocerte. Acción es carácter: sé lo que significa, pero nunca hice nada de mi vida".

Sin personajes maniqueos, ni diálogos forzados, ni contrastes extremos, Enseñanza ... es una delicada historia iniciática, un fresco de época, un filme romántico que no tensa en extremo su dramatismo. Mantiene un predominante tono luminoso (estilo La felicidad trae suerte), aunque con necesarias dosis de desencanto y amargura. Las (muy) buenas actuaciones, la recreación -poco ornamentada- de época y la ausencia de giros pretenciosos la convierten en una película sensible, pero no enfática, elegantemente británica, para el goce cosmopolita.

EL FENOMENO "PRECIOUS": El corazón de las tinieblas

2010-02-05T09:28:00.005-05:00

"Debería haberte abortado, hija de puta": el insulto materno no tiene nada de regaño amoroso ni de amor filial. La hija, una adolescente que pesa 130 kilos, esquiva el sartenazo que mamá le tira por la cabeza después de la puteada. Y mientras la directora del colegio cuestione su precocidad ("tienes 16 años y estás embarazada de tu segundo hijo, ¿qué pasó, Precious?"), la respuesta de ella será tan obvia como naturalista: "Tuve sexo".

Con su propio padre, se debería aclarar (y también con su madre). Si es cierto que en las películas de Hollywood una negra obesa suele ser Eddie Murphy disfrazado, Preciosa ( tiene seis nominaciones al Oscar, entre ellas, como Mejor Película), es un dramón que compila las penurias de la adolescente en peligro, casi una Wikipedia del conflicto teen: gordura, abuso, embarazo, droga, bully, sida. Basada en la novela Push, de la poeta afro Sapphire, y ligeramente inspirada en hechos reales, ubica la acción en el Harlem de 1987, cuando la Nueva York pre "tolerancia cero" era un antro sórdido muy distinto al emporio del stiletto que mostró Sex & the City. En un mísero departamento subvencionado por la Seguridad Social, Precious está presa de la ironía de su propio nombre porque todo el mundo le dice que es horrible y, en su tragedia, se aguanta los abusos de su madre y las visitas higiénicas de su padre, el embarazo de su hijo/hermano, la maternidad de una bebé con síndrome de Down (a la que bautizó "Mongo"), las injusticias del sistema educativo. Pero anhela para ella una vida mejor aunque, en su ignorancia, la negra se quede ante cada letra impresa, literalmente: en blanco.

Con una mirada tan impiadosa sobre el ser humano, Preciosa es revulsiva, tan admirada como defenestrada. "Las películas van y vienen, pero unas pocas llegan como regalos, enviadas por algún mensajero cósmico para sacudir los sentidos y despertar la compasión", escribió la crítica Ann Hornaday en el Washington Post: "Es la película más dolorosa, poética y extrañamente bella del año". No hay que verla como un drama realista tipo La película de la semana (¡nadie podría soportar tanto!): más bien, es una fábula sobre Todo lo Malo. Pocas adolescentes de la vida real tienen la ocasión de ser atendidas por una asistente social con la cara de Mariah Carey o por un enfermero parecido a Lenny Kravitz (lo más seguro es que las manden a casa porque no tienen obra social). "Desde El nacimiento de una nación (1915), no ha habido ninguna película que deshonrara tanto la idea de la vida negra estadounidense como Preciosa", se indignó Armond White, presidente del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York: "Está llena de lugares comunes del racismo más desvergonzado y es un espectáculo de terror sociológico".

Pero más que ensayito sobre las diferencias de clase, Preciosa es casi un manifiesto sobre el aislamiento adolescente. Si Elefante (la película de Gus Van Sant, a quien el director Lee Daniels le debe la crudeza estética y el panegírico sobre el conflicto púber) hacía referencia en su título a un problema que de tan pero tan grande se vuelve invisible, Precious es una persona enorme y encorvada, con la voz, la cara, el porte tan impenetrables que parece invisible a pesar de su tamaño elefantiásico. Y mientras las páginas de informaciones generales del diario publican "Que los adolescentes hablen poco es beneficioso", el mutismo es síntoma de un confinamiento involuntario, del desprecio del mundo por la que es gorda, pobre y negra. "Que existo", responde Precious cuando la maestra le pregunta qué siente después de hablar en voz alta por primera vez en clase: "Me hace sentir que existo".

Como tantas otras chicas en sus súper tristes 16, Precious imagina su propia fuga, modelada según los mandatos de la cultura pop: peinar una cabellera rubia, convertirse en superstar, pisar una alfombra roja, conseguir un novio de piel clara, compartir cartel con Sophia Loren (¡!) en una película italiana. Si la virtud más celebrada por psicólogos y gurúes ahora es la resiliencia ("la capacidad de los sujetos para sobreponerse a las adversidades"), Precious debería ser caso de estudio o parábola de redención: aun en el monoblock y adicta a McDonald's, ella no está frita y es la reencarnación de una criatura tipo de la historia gótica clásica: ni más ni menos, una pequeña de enorme coraje, atormentada por la crueldad de los mayores.

La reina de la acción que conquistó al machista Oscar

2010-02-04T18:24:00.004-05:00

Gracias a su taquillera competencia en los premios Oscar, la directora Kathryn Bigelow es referida por estos días como la ex esposa de James Cameron. Sus respectivas películas, "Vivir al límite" y "Avatar", comparten la mayor cantidad de nominaciones a la codiciada estatuilla, con nueve para cada una. Y desde el pasado martes 2, cuando se anunció que era candidata a Mejor Director, también se le comenzó a llamar verdadero hito viviente, al ser apenas la cuarta mujer -en 82 años de Oscar- en integrar esa categoría y la primera en ganar el premio del Sindicato de Directores, la semana pasada. La primera etiqueta la asocia a un importante hombre de su pasado, y la segunda la lleva directo a un selecto grupo dominado por el sexo opuesto.

Pero esta cineasta de 58 años está acostumbrada a abrirse paso entre hombres. Su carrera de casi 30 años la ha desarrollado principalmente en el masculino género de la acción. Aunque sus orígenes están en la pintura y en el estudio de la teoría del arte, su faceta como directora la impulsó por el lado de los puños y la adrenalina.

Su ópera prima, "Los amantes" (1982), se ambientaba en un grupo de motociclistas pandilleros. "Enamorándose de un asesino" (1990) era un thriller sobre una policía que se involucra con un criminal, y "Punto de quiebre" (1991), su primer éxito, mostraba a un policía enfrentado a una banda de asaltantes de bancos.

Hoy, es favorita a ganar el Oscar con una cinta bélica. "Vivir al límite" y la gala del Premio de la Academia se hará el 7 de marzo. Ahí se despejarán las dudas y se verá si ella logrará lo que antes no pudieron Lina Wertmüller, Jane Campion y Sofia Coppola, las tres mujeres directoras que dieron la cara en el machista mundo de los Oscar.

La droga de la guerra

"La impetuosidad de la batalla es una adicción potente y a veces legal, porque la guerra es una droga". Con esta frase, del periodista Chris Hedges, comienza el impactante viaje de 131 minutos de "Vivir al límite". Y esa característica es, precisamente, la que mueve a su protagonista, el sargento William James, interpretado por el nominado al Oscar Jeremy Renner. Se trata del líder recién llegado a un escuadrón de élite, cuya misión es desactivar bombas en el Irak post invasión, en 2004. Se trata de un hombre impetuoso, que rompe todos los protocolos que sus nuevos subalternos están acostumbrados a seguir: se supone que hay que enviar primero un robot al lugar donde se ubica el supuesto explosivo y luego mantener un diálogo permanente. Pero James es impulsivo y él prefiere ir directamente y no duda en remover su aparato de comunicación cuando siente que las voces al otro lado lo exasperan.

Pero al poco tiempo, James se revela como un hombre complejo, que crea lazos afectivos con los iraquíes a su alrededor y constantemente ligado a su esposa en EE.UU., interpretada por Evangeline Lily, de "Lost". Ralph Fiennes también tiene un cameo.

La competencia por Mejor Director

JAMES CAMERON ("AVATAR")

El éxito de taquilla y el aplauso a su pericia técnica podrían conquistar a los votantes. Pero Bigelow ganó el premio del Sindicato de Directores, un antecedente que perjudica las posibilidades de su ex esposo.

QUENTIN TARANTINO ("BASTARDOS SIN GLORIA")

El cineasta nunca había estado tan cerca del Oscar como ahora, sin embargo, su triunfo es improbable porque el peso de los favoritos es demasiado potente.

LEE DANIELS ("PRECIOUS")

La suya es la película independiente más exitosa de la temporada y uno de los filmes más aplaudidos Pero la cinta tiene un carácter demasiado oscuro y alternativo, que podría alejarlo del triunfo.

JASON REITMAN ("AMOR SIN ESCALAS")

La película ha recibido todos los elogios del mundo, pero los premios le han sido esquivos. Tiene más posibilidades de obtener un reconocimiento actoral o de guión, que a la dirección

Crítica norteamericana aplaude el debut de la última temporada de Lost

2010-02-03T13:41:00.000-05:00

Los medios de comunicación norteamericanos no fueron indiferentes al estreno de la sexta y última temporada de Lost, que se llevó a cabo anoche. El especial de un capítulo de resumen y uno de dos horas congregó a fanáticos de todo el mundo, pues si bien en la televisión lo transmitió la cadena estadounidense ABC, la entrega fue cargada en internet en pocos minutos.

Las críticas que se publicaron esta mañana son, en general, positivas, reconociendo que el capítulo de estreno podría cambiar la mala suerte que la serie ha tenido en las últimas temporadas, pues desde que salió al aire, en 2004, la audiencia ha caído un 30%.

Los Angeles Times se refirió a la expectación generada en las personas por este nuevo ciclo. "Desde los últimos episodios de Los Soprano que la final de un show no ha sido tan esperado", aseguró el medio.

Por su parte, el New York Times comenta que el bajo rating que la serie ha experimentado en los últimos años no tiene que ver con una baja de audiencia, sino que con un cambio en ella: "El ruido que ellos (quienes siguen Lost por internet) generan online ayuda a explicar por qué el perfil del programa ha subido, mientras que su audiencia se ha encogido".

USA Today, por su parte, alabó el comienzo de esta sexta temporada, afirmando que "acabamos de ser testigos de un impresionante y atrevido pedazo de relato televisivo, que puso al show en un nuevo estado, camino de fin de serie, que seguirá a los personajes por universos paralelos". Además cuentan que la trama ni se ha simplificado ni se ha complicado más de lo habitual, asegurando que "Lost nunca ha sido un show simple, y no se puede convertir en uno ahora, no cuando quedan horas por llenar".

En cuanto a rating, el capítulo tuvo mayor audiencia que el primer episodio de la temporada anterior, pero no fue suficiente para liderar el conteo general.

El episodio de tres horas compitió con American Idol (FOX), NCIS: Los Angeles (CBS) y The good wife (CBS). La primera hora de Lost fue vista por 9,9 millones de personas, dejándolo en tercer lugar. Luego subió a 12,4 millones de espectadores, perdiendo sólo contra NCIS: Los Angeles que obtuvo sobre 16 millones de televidentes. La última hora del especial logró una sintonía de 11,8 millones de personas, que no fueron suficientes para superar a las 12,7 que vieron The good wife

Prensa peruana eufórica por histórica nominación al Oscar

2010-02-03T07:01:00.000-05:00

La nominación a los premios Oscar de la película peruana "La Teta Asustada", como mejor película en habla no inglesa, provocó la algarabía del ambiente cinéfilo en Perú y un gran revuelo en la población, reflejado hoy en la prensa de Lima.

"Perú en el Oscar", "La Teta ganadora", "La Teta Asustada acaricia el cielo", "El Perú está en la vitrina" y "Nominada para hacer historia", son los titulares dedicados hoy por los diarios capitalinos al anuncio de que la cinta de Claudia Llosa fue seleccionada para los afamados premios.

La celebración por la nominación llegó al barrio de Manchay, una zona humilde y desértica de Lima donde se filmó la película, y donde sus pobladores recordaron, en declaraciones a varios periódicos, que un chamán les predijo toda clase de éxitos para la cinta, cuando hicieron una ceremonia de pago a la tierra al iniciar el rodaje y apareció un arco iris en el cielo.

También hubo un clima de fiesta en la ciudad de Huanta, en la andina región de Ayacucho, donde la protagonista del filme, Magaly Solier, fue recibida como una gran estrella, con ramos de rosas y decenas de personas en la calle dando vivas a su nombre, al llegar a una rueda de prensa en una radio local.

Solier interpreta a Fausta, una joven provinciana que llega a Lima para trabajar pero vive atormentada por la violación sexual que sufrió su madre, cuando estaba embarazada, en plena época del terrorismo, e idea una forma de evitar que esa agresión se repita con ella.

"La teta asustada", estrenada el año pasado, es el primer filme peruano nominado para mejor película extranjera y ese hecho es destacado por los cineastas locales, algunos de los cuales lograron que sus cintas fueran preseleccionadas a los Oscar.

"Es muy importante lo que está pasando. Sin duda, es un momento importante para nuestra cinematografía", declaró Francisco Lombardi, director de "La boca del lobo" (1988), una de las cintas peruanas que fue preseleccionada para esa premiación hace más de 20 años.

Por su parte, Josué Méndez, director de "Días de Santiago" y "Dioses", entre otros filmes, dijo al diario La República que estaba contento por el logro de Llosa y seguro de que ganará.

En tanto, el director Alvaro Velarde comentó al mismo periódico que "es todo un mérito estar allí y para todos los peruanos un orgullo", tras señalar que confiaba en su nominación.

Para el cineasta Alberto Durand, "el triunfo de 'La Teta'... nos pone en vitrina ante el mundo" y expresó sus deseos de que "el Gobierno se dedique a apoyar al cine nacional".

La película de Llosa tuvo un costo aproximado de 1,2 millones de dólares y una recaudación en taquilla de 700.000 dólares en Perú, según las cifras publicadas por el diario financiero Gestión.

La cinta fue vista por cerca de 249.000 personas, pero la reposición que se volverá a hacer y las ventas que se harán al extranjero y a empresas de cable podrían generar más de tres millones de dólares de ingresos, afirmó a Gestión el presidente de la Asociación de Productores Cinematográficos Peruanos, Augusto Tamayo.

"La teta asustada", que es una coproducción peruana y española, tuvo un 21 por ciento de fondos peruanos y contó con el apoyo del organismo estatal de promoción turística PromPerú.

Sin embargo, fuentes del Consejo Nacional de Cinematografía (Conacine) confirmaron al diario El Comercio que el Estado peruano debe cerca de 52 millones de soles (18 millones de dólares) al fondo destinado a nuevas producciones fílmicas

Director de "El secreto de sus ojos" se sintió "aliviado" tras nominación al Oscar

2010-02-02T22:14:00.000-05:00

El cineasta argentino Juan José Campanella consideró "un alivio" la noticia de que "El secreto de sus ojos" quedó hoy entre los cinco filmes finalistas en la categoría de Mejor Película Extranjera, para la 82ª edición de los Oscar.

"Después de toda esta angustia, cuando sucede una cosa así es un alivio", aseguró Campanella en declaraciones desde Estados Unidos al canal Todo Noticias.

El cineasta, que dijo haberse enterado de la noticia "en el auto, yendo a trabajar", fue cruzado al aire con el actor Guillermo Francella, uno de los protagonistas del filme, quien p idió al director "disfrutar esta instancia, porque es maravillosa".

Soledad Villamil, protagonista femenina de la película, se manifestó "emocionada" por la nominación y pidió al público y a la prensa "no ser exitista".

"Valoremos esto, más allá de que la película gane el Oscar o no. Quedar entre las nueve seleccionadas y ahora entre las cinco ya es un gran premio", destacó la actriz al canal de noticias C5N.

Dijo que durante la filmación comprendió que "El secreto de sus ojos", también protagonizada por Ricardo Darín, era "una gran película" y admitió no haber visto los filmes con los cuales competirá.

"No los vi pero me han dicho que son muy buenos, por lo que la competencia será muy dura", dijo en alusión a "La teta asustada" (Perú), "The White Ribbon" (Alemania), "Un Prophète" (Francia) y "Ajami" (Israel).

"El secreto de sus ojos", basada en un libro de Eduardo Sacheri, narra la resolución de un crimen que, tras 25 años de investigación judicial, todavía no ha sido aclarado. A través de la reapertura del caso también se hurgan las heridas de quienes llevaron a cabo la pesquisa.

"El secreto de sus ojos" es el sexto título argentino que se abre camino hasta las nominaciones en la categoría de mejor película extranjera, un galardón que sólo consiguió "La historia oficial" (1985) en 1986.

El resto de cintas argentinas candidatas fueron "La tregua" (1974), "Camila" (1984), "Tango" (1998) y "El hijo de la novia" (2001), esta última dirigida también por Campanella

Actriz peruana de "La teta asustada" recibió noticia del Oscar mientras cultivaba maíz

2010-02-02T19:09:00.000-05:00

La actriz Magaly Solier, la protagonista de la película peruana "La teta asustada", nominada hoy al Oscar, recibió la noticia mientras cultivaba su campo de maíz en la ciudad andina de Huanta, a más de 575 kilómetros al sudeste de Lima.

En diálogo con Radioprogramas del Perú (RPP), Solier se declaró "muy emocionada (de que la película) haya llegado tan lejos" y dijo que aún no está segura de si va a asistir a la ceremonia de premiación en Los Angeles el 7 de marzo.

"Si me invitan voy a tener que ir", agregó la joven, convertida en la musa de la directora peruana Claudia Llosa desde su ópera prima "Madeinusa" (2005).

Solier contó que hoy se despertó en la madrugada y después de tomar una sopa de desayuno, a las 6:00 de la mañana, se fue a trabajar sola a su campo de maíz.

"Me pongo chaleco y guantes para no malograrme mis manos cuando tenga que dar las manos a un jurado o a un actor", explicó la joven con ternura.

Sin embargo, a las pocas horas, comenzó a recibir llamadas de los periodistas para contarle sobre la nominación de la cinta y no ha dejado de dar entrevistas durante toda la mañana a diferentes emisoras peruanas.

La actriz comentó que la selección de "La teta asutada" (2009) "quiere decir que hay que seguir trabajando" y adelantó que ya se está preparando para su siguiente personaje, aunque evitó comentar con qué director o proyecto trabajará.

Tras negar que alguna vez se haya sentido "famosa", la también cantante se definió como "una chica del campo que ha luchado para llegar donde está, (pero) va a pasar, porque todo pasa, pero hay que disfrutarlo siempre".

"La teta asustada" fue nominada hoy en la categoría de Mejor película en habla no inglesa para la 82 edición de los Oscar, según anunció en Los Ángeles la Academia de Hollywood.

El filme, segunda película de Llosa (Lima, 1976), ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín de 2009 y el Festival de Cine de La Habana 2009, entre otros premios cinematográficos.

La violencia es el telón de fondo de la película de Claudia Llosa, quien afirma que "La teta asustada" es la historia de una mujer, encarnada por Magaly Solier, "que hereda la guerra del cuerpo de su madre", que vive aterrorizada después de haber sido violada y transmite a su hija ese miedo a través de la leche materna.

La cinta, producida en España y hablada en español y quechua, retrata el Perú de los años ochenta y noventa, cuando las violaciones fueron frecuentes en las zonas azotadas por los combates entre los grupos armados Sendero Luminoso y Túpac Amaru y las Fuerzas Armadas del país

Se acaba la cuenta regresiva para el gran final de "Lost"

2010-02-01T21:21:00.003-05:00

Una luz blanca y un gran interrogante quedaron tras la última escena de la quinta temporada de "Lost". Para los fieles seguidores de la serie, éste fue el último final con más preguntas que respuestas, ya que la historia está llegando a término: la sexta temporada, que se empieza a transmitir en Perú el 9 de febrero por el canal AXN, es la última, y sus creadores prometen que responderán las grandes dudas que han creado.

Los fanáticos latinoamericanos de la serie protagonizada por Matthew Fox ya tienen algo por qué celebrar: por primera vez, la transmisión irá con sólo una semana de desfase respecto de EE.UU. Allá, el ciclo final comienza este martes.

Un ayuda-memoria: la quinta temporada terminó cuando Juliet (Elizabeth Mitchell) supuestamente hace explotar una bomba, con la esperanza de que eso cambie el curso de la historia a tal punto que el famoso vuelo 815 de Oceanic, en el que viajaban todos los náufragos, nunca se estrelle, sino que siga su curso y aterrice en Los Angeles, borrando todo lo que ha ocurrido durante la serie.

Hasta la semana pasada eso era lo último que se sabía, ya que los comerciales del sexto ciclo sólo incluían escenas de capítulos anteriores, pero el viernes 29 apareció en internet un video con los cuatro minutos que inician el primer episodio de la temporada. En todo caso, no fue una filtración: el propio canal ABC -que transmite la serie en EE.UU.- le regaló un pendrive con el material a los ganadores de un concurso, por lo que se puede asumir que sabían que las imágenes pronto aparecerían en sitios como YouTube. Por lo mismo, pueden ser escenas engañadoras, aunque han confirmado que son efectivamente con las que comienza el ciclo.

Quien no quiera saber qué se mostró en ese adelanto, pare de leer. Según lo que se ve ahí, se podría asumir que efectivamente el plan funcionó: tras la supuesta explosión de la bomba, Jack (Matthew Fox) aparece sentado en el vuelo 815, pidiendo vodka y conversando con Rose, en una escena muy similar, aunque no igual, a la que se había visto en la primera temporada, cuando empieza la turbulencia que termina en el accidente del avión. Pero en esta ocasión eso no ocurre: pronto el remezón termina y la tensión, supuestamente, pasa

Premios a lo peor de Hollywood tienen favorito: "Transformers 2"

2010-02-01T20:21:00.005-05:00

"Transformers: La venganza de los caídos" hizo una fortuna". "La tierra perdida" fracasó. Pero ambas películas comparten el número de nominaciones para los tradicionales premios Razzie, que se entregan a lo peor que se estrenó en las salas estadounidenses durante el 2009.

Ambas películas lideran con siete postulaciones el listado entregado hoy por los organizadores, una instancia en la que no sólo compiten por ser la peor película, sino que también tienen a sus actores entre los peores: Megan Fox y Will Ferrell, respectivamente.

Los otros nominados en la categoría de peor película son la romántica "All About Steve", con Sandra Bullock; la cinta de acción "G.I. Joe: El origen de la cobra"; y "Papás a la fuerza", con Robin Williams y John Travolta.
Bullock se llevó una nominación como peor actriz por "All About Steve", pese a que es favorita para estar en la quina de postulantes al Oscar por el drama "The Blind Side". "Podría convertirse en la primera persona en ganar un Razzie y un Oscar el mismo fin de semana", dijo John Wilson, fundador de los Golden Raspberry A wards, que llevan 30 años marcando lo peor del cine de Hollywood. Los ganadores serán anunciados el 6 de marzo, una noche antes que los Oscar.

L os votantes de los Razzie también están eligiendo lo peor de la década. Las películas nominadas son "Batalla final: Tierra", con John Travolta; la comedia "Freddy Got Fingered", con Tom Green; la romántica "Gigli", con Ben Affleck y Jennifer Lopez; "I Know Who Killed Me", con Lindsay Lohan; y la incursión de Madonna con "Swept Away".

Affleck y Travolta luchan por ser el peor actor de la década, además de Eddie Murphy, Mike Myers y Rob Schneider. Lohan, Lopez y Madonna están nominadas como peores actrices, junto a Mariah Carey y Paris Hilton.

Wilson dijo que la categoría de peor actriz probablemente se resu elva entre Hilton y Lohan, mientras que "creo que Eddie Murphy es muy difícil de batir como peor actor de la década".

Los nominados a los Razzie 2009 también incluyen a Miley Cyrus como peor actriz y a su padre, Billy Ray, como peor actor de reparto por "Hannah Montana: La película".

Los tres hermanos de Jonas Brothers compartieron nominaciones como peor actor por "Jonas Brothers: The 3-D Concert Experience". Los votantes también seleccionaron a "dos (o más)" de los hermanos en el apartado de peor dupla en pantalla.

Robert Pattinson fue nominado como peor actor de reparto por "Luna nueva". Su coprotagonista Kristen Stewart está en carrera por peor pareja con Pattinson y además con Taylor Lautner, también de la cinta de vampiros.

Ferrell tiene nominaciones como peor actor por "La tierra perdida" y peor pareja con "cualquier coprotagonista o criatura" en la cinta de aventuras basada en la serie televisiva. "La tierra perdida" también fue nominada por peor actor de reparto (Jorma Taccone), peor director (Brad Silberling), guión and peor secuela, copia o remake, una categoría que también incluye la secuela de "Transformers".

Fox fue nominada como peor actriz por "La venganza de los caídos" y "Diabólica tentación". El protagonista de "Transformers 2", Shia LaBeouf, fue citado como peor pareja junto a Fox o cualquier robot, mientras que la película además sumó nominaciones a la peor actriz de reparto (Julie White), director (Michael Bay) y guión.

Uniéndose a Ferrell y los Jonas Brothers como peor actor están Steven Martin por la secuela de "La pantera rosa", Murphy por "Mi papá y nuestro mundo fantástico" y Travolta por "Papás a la fuerza".

Para peor actriz, Bullock, Cyrus y Fox compiten con Beyonce Knowles por "Obsessed" y Sarah Jessica Parker por "¿...Y Dónde están los Morgan?".

Así es la película que tiene a Sandra Bullock como favorita al Oscar

2010-02-01T19:55:00.003-05:00

Lo suyo ha sido puro carisma. Desde que saltó a la fama manejando un bus lleno de explosivos junto a Keanu Reeves en la taquillera "Máxima velocidad", Sandra Bullock se ha convertido en una de las máximas estrellas de Hollywood. Verdadera reina de la comedia, ha obtenido su popularidad con éxitos como "Miss Simpatía", "Amor a segunda vista" y la reciente "La propuesta". Pero en sus 15 años de estrellato, la actriz de 45 años ha insistido en probar a los incrédulos que también puede ser una actriz de carácter, consagración que llegó recién en 2009, el año más exitoso de su carrera.

"Un sueño posible" se llama la película que le ha dado las mejores críticas de su carrera y también su recaudación más abultada (US$ 237,9 millones en EE.UU.). Gracias a esta película, ha ganado el Globo de Oro a la Mejor Actriz Dramática y también el premio del Sindicato de Actores de la Pantalla, antecedentes más que suficientes para que ya esté instalada con confianza como una de las principales favoritas para ganar el Oscar a la Mejor Actriz. Las nominaciones se dan a conocer mañana en Los Angeles.

Basado en una historia real, "Un sueño posible" pertenece a esa larga tradición de películas estadounidenses centradas en deportes. En este caso, la cinta gira en torno al fútbol americano. En ella, una muy rubia Bullock interpreta a Leigh Anne Tuohy, la matriarca de una acomodada familia del sur de Estados Unidos que comienza a notar la presencia de un adolescente de color de gran tamaño y bondadoso comportamiento llamado Michael Oher (Quinton Aaron), quien por sus habilidades deportivas ha sido admitido en el exclusivo colegio donde asisten sus hijos, pero que no parece tener dónde ir cuando termina la jornada. Pronto descubre que el joven no tiene familia y un pasado traumático. Ella toma la misión de cuidarlo e impulsar su talento para el fútbol. Michael se convertirá, entonces, en un miembro más de su familia.

Leigh Anne es una típica mujer adinerada del sur de EE.UU. Es poco afectuosa, deslenguada y no teme enfrentarse ni siquiera a un temible grupo de pandilleros de color ligados al pasado de Michael. Pero también tiene un lado sensible, que siempre intenta ocultar. De hecho, siempre huye cuando siente que va a llorar. La cinta, que también podría dar la sorpresa y ser una de las 10 candidatas a Mejor Película, es familiar en todo el sentido de la palabra. Es una historia humana, emotiva y que deja un mensaje de unidad. El público norteamericano ya la consagró. El 7 de marzo, en la entrega de los Oscar, se verá si Hollywood le da su máximo respaldo.

"Lost" tuvo estreno frente al mar

2010-02-01T10:08:00.000-05:00

En una paradisíaca playa de Hawai, donde se graba la serie, se realizó ayer una premiére de la sexta y última temporada de "Lost", que se estrena en nuestro país el martes 9, por AXN, y mañana en EE.UU.

En el evento se mostró el primer episodio de la temporada, y fue visto por el elenco junto a miles de fanáticos. Los actores aprovecharon de hacer sus predicciones para el final, que aún no han leído. "Creo que va a terminar en una gran guerra sobre quién va a quedar en control de la isla", dijo Jorge García, el chileno que interpreta a Hurley en la serie

Directores de cine premian a Kathryn Bigelow

2010-02-01T08:06:00.000-05:00

La directora de "The hurt locker" obtuvo el premio que entrega el Sindicato de Directores. En los últimos seis años, quienes se han llevado este galardón también han ganado el Oscar a Mejor Director. Bigelow además se convirtió en la primera mujer en obtener este preAmio. Para quedarse con el galardón, la directora venció a Quentin Tarantino y a su ex marido, James Cameron, entre otros.

"Invictus"

2010-01-31T21:04:00.000-05:00

Al filo de los ochenta años, Clint Eastwood es uno de los últimos cineastas clásicos. Respaldado por un amplio consenso, lógico, de que sus películas, aun las menos inspiradas, tienen un nivel respetable. Es el caso de Invictus (respetable, pero poco inspirada), en la que retoma el prejuicio racial, el odio y la venganza, como lo había hecho en su anterior trabajo, Gran Torino, aunque a través de un enfoque totalmente opuesto: con predominio de la épica, los mensajes ampulosos y los personajes previsibles, que en este caso son reales y conforman una especie de biopic con mezcla de epopeya deportiva. Nelson Mandela (Morgan Freeman) y Francois Pienaar (Matt Damon), capitán de Los Springboks, selección de rugby de Sudáfrica, organizador del Mundial de 1995.

Invictus empieza con Mandela recién llegado al poder -tras haber estado 27 años en prisión- en un país dividido por los efectos del apartheid (representado, en la secuencia inicial, por una partido de fútbol entre negros y uno de rugby entre blancos, rejas de por medio). Freeman se muestra natural y solvente, aunque en este tipo de papeles -personaje histórico encarnado por actor ultrafamoso- el espectador termina juzgando la capacidad de mímesis más que la creatividad interpretativa.

Algo similar ocurre con la inevitable comparación entre los hechos reales y su "traducción" ficcional: otro elemento distractivo de lo puramente cinematográfico. El Mandela de Freeman, a pesar de su soltura, es un Mandela para la canonización. Muchos lo justifican sosteniendo que el verdadero es y fue exactamente así. No importa. El problema es que el tratamiento canónico de un personaje lo torna unidimensional, tedioso, carente de nervio. El protagonista de Invictus, más allá de su soledad personal, casi carece de contradicciones; puede generar admiración y respeto de prócer, pero no empatía.

El nudo de la historia, narrada con fluida sobriedad, es la necesidad de apoyo (esquivo, por parte de la mayoría negra) a Los Springboks en el Mundial. Y la búsqueda de un resultado que "unifique" al país. El Mandela versión Eastwood, a pesar de sus padecimientos pasados, opta por la tolerancia, el perdón y, tal vez, el olvido (posición al menos discutible). Pienaar -un correcto Damon- arrastra los prejuicios de su familia blanca, pero recibe y comprende y se motiva con la "lección de tolerancia".

Es sintomático que la subtrama más interesante, la más tensa, la menos subrayada, sea la que enfrenta a personajes anónimos: a los custodios blancos y negros de Mandela. El resto es una historia (la Historia) filmada con procedimientos correctos, rematada en escenas deportivas logradas aunque grandilocuentes, que avanza hacia lo que presagiamos, imaginamos o, peor, conocemos

Las mujeres que brillan gracias al encanto de George Clooney

2010-01-29T22:11:00.003-05:00

Sin dudas que este fue un gran inicio de año para Anna Kendrick y Vera Farmiga. Las dos actrices que acompañan a George Clooney en la nueva película de Jason Reitman (Juno), "Amor sin escalas" -que ya se encuentra en las salas de cine de nuestro país- han dominado en las ceremonias de entrega de premios de esta temporada, además de haber encantado a la crítica con sus papeles.

De sólo 24 años, Kendrick se ha convertido sin lugar a dudas en una de las revelaciones del último tiempo. Gracias a su rol de Natalie -una joven que llega a transformar el sistema de trabajo de Clooney-, ha recibido más de 10 nominaciones a diferentes galardones. Y a pesar de que Mo'Nique le arrebató la estatuilla de los Globos de Oro, el resto de la crítica la ha favorecido, y hoy es una las candidatas a ganar los británicos premios Bafta. Además, su nombre suena fuerte para los Oscar.

Su carrera cinematográfica comenzó en 2003 con la comedia musical "Camp", del director Todd Graff. Sin embargo, su trabajo más conocido es su rol en la saga de "Crepúsculo", como una de las amigas del instituto de Bella.

Pero los inicios de su carrera estuvieron marcados por el teatro, ya que con sólo 12 años se convirtió en una de las intérprete más jovenes nominada a un premio Tony, gracias a su participacion en la obra de Broadway "High Society".

Por su parte, Vera Farmiga pasó una década sólo con papeles secundarios en películas taquilleras, por lo que al lado de Clooney está consiguiendo el salto al estrellato que le fue esquivo por tanto tiempo.

La actriz de 36 años, también ha sido alabada por su rol y nominada a numerosos galardones gracias a su papel de Alex, una atrevida ejecutiva que viaja por el país.

Durante su carrera ha compartido escena con connotados actores como Leonardo DiCaprio y Matt Damon en "Los Infiltrados" (2006), y con Robert De Niro en el thriller "15 minutos" (2001).

Sin embargo, también ha incursionado en distintos géneros, como el terror, con "La huérfana" (2009) y el drama, con "El niño con el pijama a rayas" (2008).

Final de Lost será un "cóctel de respuestas y misterios", según su productor

2010-01-13T09:59:00.003-05:00

La última temporada de la serie de televisión "Lost" será un "cóctel de respuestas y misterios" que pondrá fin de forma definitiva a las historias de los náufragos de la extraña isla, afirmó ayer el productor ejecutivo del programa, Carlton Cuse, en un evento organizado en Los Ángeles.

Aunque los creadores de la serie que en nuestro país emite el canal por cable AXN, aseguraron tener claro cómo concluiría la historia casi desde sus inicios, todavía quedan detalles por decidir y siete capítulos por grabar.

"El final aún no está escrito", comentó Cuse, quien explicó que pese a que "hay cierta variedad de elementos mitológicos que están definidos", mucho de lo referente a los personajes se irá perfilando sobre la marcha.

Cuse fue uno de los miembros de la serie que participó en el acto de presentación de las novedades de la temporada de invierno del canal de televisión ABC, la cual emite "Lost" en Estados Unidos.

En él también estuvieron el co-creador del programa Damon Lindelof y los actores Emilie de Ravin (Claire), Michael Emerson (Ben), Jorge García (Hurley), Josh Holloway (Sawyer), Daniel Dae Kim (Jin), Evangeline Lilly (Kate) y Terry O'Quinn (Locke).

La expectación generada por el final de esta serie, seguida por decenas de millones de espectadores en todo el mundo durante sus anteriores cinco temporadas, se dejó notar en la rueda de prensa en la que se sucedieron preguntas que buscaron, sin demasiada suerte, alguna pista sobre cuál será el desenlace del programa, algo que ni los propios actores parecen saber.

Lindelof señaló que el reparto recibe los guiones de cada capítulo poco antes del rodaje y sólo se les facilita la información necesaria para realizar su trabajo, sin entrar en detalles profundos sobre el devenir del argumento en el futuro.

"Trabajando en esta serie es mejor no saber nada, no cargar con los secretos", confesó Emerson, ganador de un Emmy por su interpretación de Benjamin Linus el guión de los sobrevivientes a un accidente aéreo.

Durante su temporada de despedida, Lost guardará especial relación con sus capítulos iniciales, hasta el punto de que Cuse afirmó que, con haber visto la primera temporada, se podrá seguir lo que ocurre al final, lo que hace presagiar un relato menos intrincado que el que caracterizó al programa durante el pasado año.

"Estamos haciendo algo distinto que no requiere tanto conocimiento para seguir la serie", dijo Cuse a lo que Holloway añadió que el arranque será tan intenso como los últimos capítulos del ciclo anterior.

La serie regresará a las pantallas el 2 de febrero en EEUU y una semana después lo hará en Chile, a través del canal de pago. El último episodio, en tanto, está programado para mayo.

"Hemos tenido mucho tiempo para pensar y no tenemos excusas para decir otra cosa que no sea que éste es el final que queríamos hacer", indicó Lindelof, quien, a pesar de todo, espera reacciones muy polarizadas entre los seguidores del programa sobre la forma de terminar. De otra manera, comentó, "no sería 'Lost'".

"Algunas preguntas particulares no quedarán resueltas, tampoco queremos quitar el misterio que rodea a la serie explicando con detalle cada cosa, eso sería un error. Será un coctel de respuestas y misterios, con algunas sorpresas", dijo Cuse, que insistió en que "no habrá secuelas".

Los actores coincidieron en afirmar que existe una sensación de nostalgia a medida que se acerca el adiós de la historia, una experiencia que ha sido muy "intensa", en palabras de Lilly quien declaró que llorará "como un bebé cuando termine".

Joseph Gordon-Levitt El nuevo príncipe del cine independiente

2010-01-11T10:51:00.002-05:00

Parecía destinado a ser ídolo juvenil. Se puso por primera vez frente a una cámara a los siete años y a los 15 se convirtió en estrella de TV, en el rol de un anciano extraterrestre atrapado en el cuerpo de un adolescente en la exitosa sitcom "3rd rock from the sun". En cine debutó en la comedia infantil "Beethoven" y también participó en cintas comerciales como "Halloween: H20" y "10 cosas que odio de ti". En 2001, se alejó de Hollywood y dejó trunco lo que prometía ser un salto meteórico al estrellato. Pero, casi una década después, regreso.

Joseph Gordon-Levitt no se convirtió en figura para adolescentes. Sin embargo, a los 28 años, es uno de los más respetados y cotizados talentos jóvenes del cine independiente estadounidense. Su último éxito se llama "(500) días con ella".

La cinta muestra la relación -complicada, alegre, triste, crítica y tempestuosa- que tienen durante 500 días Tom Hansen (Gordon-Levitt) y Summer Finn (Zooey Deschanel). Dirigida por Marc Webb, está nominada a dos Globos de Oro (uno para el propio Joseph), tres Independent Spirit Awards y ha ganado el premio al Mejor Guión del National Board of Review y de las asociaciones de críticos de San Diego, Las Vegas y Florida, entre otros.

En 2001, con el fin de "3rd rock from the sun", Gordon-Levitt se mudó de su California natal a Nueva York para ingresar a la Universidad de Columbia. Durante tres años estudió historia, literatura y poesía francesa. Su regreso a la actuación, en 2004, tuvo dos condiciones: nada de televisión y su compromiso con involucrarse en "buenas" películas. El resultado estuvo en su aterrizaje definitivo en el cine independiente. Lo aplaudieron en "Mysterious skin", "Brick" y "Miracle at St. Anna". Tuvo un fugaz (y fracasado) paso por los grandes presupuestos en la abucheada "G.I. Joe: El origen de Cobra" y está dispuesto a intentarlo de nuevo con la esperada "Inception", de Christopher Nolan ("Batman: El caballero de la noche"), que es protagonizada por Leonardo DiCaprio.

Las caras ocultas del multifacético "Dr. Parnassus"

2010-01-10T10:58:00.000-05:00

Harry Gilliam obtuvo su primer reconocimiento como artista del graffiti cuando era niño, rayando las paredes de la casa de Londres de su padre, Terry. "Mi madre siempre se enojaba conmigo, pero mi papá lo amaba por ser una expresión artística. Así que él siempre estaba muy orgulloso", dice.

Harry Gilliam ha seguido enorgulleciendo a su padre creando dos graffitis para la película de su padre "El imaginario mundo del Dr. Parnassus". A los 21 años, es un veterano del graffiti. Desarrolló un interés en el manga y en el animé a los 5 años, tomó su primera lata de spray a los 11 y eventualmente adoptó su nombre de grafitero, "Voice One".

El artista dice: "Para 'Dr. Parnassus' hice lo que yo considero es uno de mis mejores trabajos. Era enorme, puse muchos personajes de la película alrededor, científicos locos y viejos desquiciados, para que se mantuviera dentro del tema de la cinta. Estaba muy emocionado de verlo en pantalla grande".

"La otra pieza que hice está en una escena entre Parnassus y Mr. Nick y está justo detrás de ellos", dice. "Con simples letras cúbicas V-O-I-C y puse una gigantesca cabeza de mono y agregué las letras E-O-N-E en sus dientes. Me gusta poner letras en dientes. Las películas de mi papá suelen ser salvajes y locas. Y los monos son salvajes y locos: corren por todas partes y se lanzan bananas entre ellos".

Lily Cole, el descubrimiento

Aunque "El imaginario mundo del Dr. Parnassus" será conocida como la última película del actor Heath Ledger -y en la que, tras su muerte, tuvo que ser reemplazado por Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell-, es posible que algún día también sea recordada como el primer papel importante de Lily Cole. La británica de 21 años ya es una de las modelos top más famosas del mundo desde que fue descubierta a los 14. Con sus llamativos y grandes ojos, su diminuta boca, piel de porcelana y cabello rojo brillante, en ella hay algo etéreo, casi extraterrestre. Una rareza que el director Terry Gilliam utilizó al máximo en "Parnassus".

"Por eso la elegí", dice Gilliam. "Tengo un instinto para ese tipo de cosas. Dios, esa es una criatura extraordinaria. Sin importar lo que pase, siempre la mirarás a ella", agrega.

Cole entrega un sorprendente pozo de ternura emocional a su rol de Valentina, la hija de un anciano artista callejero (Christopher Plummer como Parnassus) atrapado en una eterna batalla con Mr. Nick (Tom Waits), el diablo mismo. Mientras el cumpleaños 16 de Valentina se acerca, su padre trata desesperadamente de salvarla de las garras de Mr. Nick, incluso cuando sus propios afectos se dividen entre un misterioso estafador (Ledger) y un compañero del espectáculo (Andrew Garfield).

"Recuerdo especialmente la primera vez que leímos el guión entre todos. Estaba yo, Heath, Christopher, Andrew, Terry y el director de fotografía. Estaba en esa pieza y me di cuenta: 'Wow, esta gente es realmente talentosa y experimentada. Fue maravilloso estar ahí, pero me sentía completamente intimidada por la gente con la que tenía que actuar. Le dije eso a Terry antes de empezar, pero por alguna razón él confió en mí y tuvo el instinto para quererme en ese papel", dice Cole.

Nancy Meyers, la nueva mujer fuerte de Hollywood

2010-01-09T13:02:00.000-05:00

Por 20 años, Nancy Meyers se mantuvo a la sombra de su esposo, el cineasta Charles Shyer ("El padre de la novia"). El pacto entre ambos era claro: los dos escribían sus películas, ella producía y él recibía todos los honores de director. "La verdad es que me estaba aburriendo la producción", dice Meyers, sentada en un salón del exclusivo hotel Ritz-Carlton de Manhattan. "Así que le dije: 'creo que yo dirigiré la siguiente'. Esa película era 'Juego de gemelas', que él desde un principio no quería dirigir", cuenta. Era 1998, año en el que -coincidencia o no- la pareja ya pasaba por una crisis que derivó en divorcio.

Desde entonces, Meyers no sólo se ha convertido en una de las mujeres directoras más importantes de Hollywood -con cintas como "Lo que ellas quieren", "Alguien tiene que ceder" y "El descanso"-, las cifras también le han dado el título de la más taquillera, superando a colegas como Penny Marshall ("Despertares") y Nora Ephron ("Julie & Julia"). Su nuevo éxito se llama "Enamorándome de mi ex", ya ha recaudado US$80 millones en el mundo.

En la cinta, Meryl Streep es una mujer divorciada hace 10 años (¿otra coincidencia?) que se divide entre un apasionado romance con su pícaro ex esposo (Alec Baldwin) y un arquitecto (Steve Martin) que le ofrece un cuento de hadas.

Muy relajada, e inesperadamente dispuesta a escarbar en sus sentimientos, Meyers asegura que sus guiones no son un reflejo exacto de sus experiencias ("No me gusta hacer documentales sobre mí, ¡qué aburrido!"), pero lo cierto es que sus películas suelen girar en torno a mujeres maduras y fuertes, algo poco común en la actualidad para las comedias románticas. "Es una locura que la gente asuma que cuando una mujer cumple 50 años su corazón se detiene o que deja de tener sexo. Es cierto, no se ve mucho en películas, pero sí en la vida", dice.

Ella continúa: "Yo creía que después de 'Alguien tiene que ceder' se iba a abrir el camino a más historias con mujeres fuertes, pero no fue así". Sin embargo, ella misma decidió retomar la tendencia con "Enamorándome de mi ex". Pero esta vez, en lugar de Diane Keaton, su musa es Streep: "Cuando escribí el papel pensé en ella, y obviamente cuando piensas en Meryl sabes que se trata de alguien brillante. Pero confieso que me sorprendió con lo potente que puede ser ella en comedia, ya que no ha hecho tantas en su carrera, porque la puse al lado de dos gigantes del género, que pueden hacer lo que quieran en pantalla. Y Meryl se impuso muy bien ante ellos".

Volviendo a sus sentimientos y a su inspiración, Meyers confiesa que ella y Shyer siguen siendo muy amigos ("Hablamos ayer", dice), pero que él le aseguró que no iría a ver la película: "Creo que teme sentir dardos lanzados en su dirección, aunque no es así. Se reiría mucho, sin duda, eso es seguro".

La reina de la comedia

Nancy Meyers produjo y escribió exitosas comedias, como "La pícara recluta", "¿Quién llamó a la cigüeña?" y "El padre de la novia" I y II.

Hollywood se vuelca a comedias románticas con actrices maduras

2009-12-28T18:05:00.000-05:00

Hace algunos años, Debra Winger -protagonista de cintas como Reto al destino- despertó polémica en Hollywood cuando aseguró que las mujeres mayores de 50 -ella tiene 54- cada vez estaban más restringidas en Hollywood, relegadas a papeles secundarios o roles de madres de las protagonistas. Pero algo cambió. Y las estrellas femeninas que superaron la barrera de los 60 años, como Meryl Streep (60), Sigourney Weaver (60) y Goldie Hawn (64), son parte de un nuevo fenómeno que les abre las puertas a papeles en comedias románticas.

Dicho fenómeno tuvo su preámbulo en 2003, cuando Diane Keaton se puso a las órdenes de la directora Nancy Meyers para convertirse en el objeto de deseo de Jack Nicholson en Alguien tiene que ceder. Y ahora es la misma Meyers la que vuelve a la receta con Enamorándome de mi ex, comedia protagonizada por Meryl Streep que debutó este fin de semana en EE.UU. - y que muestra cómo Jane (Streep) descubre que su ex marido (Alec Baldwin), quien está casado con una mujer mucho más joven, ha vuelto a poner sus ojos en ella.

"Es increíble, ya tengo 60 años y estoy interpretando el rol principal en una comedia romántica. Bette Davis debe estar revolcándose en su tumba, ya que ella tenía sólo 42 cuando hizo La malvada", comentó en una entrevista reciente Streep, ante la experiencia que la tiene postulando a un Globo de Oro.

Una sensación que también debe tener Sigourney Weaver, quien tras años relegada a papeles secundarios, en cintas como La aldea o Justo en la mira, ahora ha vuelto a ponerse de moda con Avatar y contempla para 2011 unirse al fenómeno: en Cedars Rapids interpretará a una profesora que inicia una relación con un ex alumno.

La lista suma y sigue con Ashes to ashes, filme escrito, dirigido y protagonizado por Goldie Hawn, quien tras años de haber presentado su proyecto a los grandes estudios de Hollywood, consiguió apoyó a su largometraje que mezcla, como era de esperar, amor y humor. En la cinta, ella es una mujer que debe viajar a la india para cumplir con el deseo de su ex esposo de lanzar sus cenizas en Katmandú. Un viaje que la enfrentará a una serie de experiencias que cambiarán su vida. Completa la lista quien dio inicio al fenómeno: Diane Keaton, quien en la comedia One big happy nuevamente será el objeto amoroso de Steve Martin, su coestrella en El padre de la novia 1 y 2.

GLOBOS DE ORO: La previa de los Oscar

2009-12-16T08:52:00.002-05:00

La película Amor sin escalas, de Jason Reitman, resultó la más nominada a los Globo de Oro que otorga la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood. El filme protagonizado por George Clooney es candidato a seis rubros. Otros filmes multinominados son Nine, de Rob Marshall (con cinco), Avatar, de James Cameron y Bastardos sin gloria, de Quentin Tarantino, con cuatro cada una.

Las nominaciones en los principales rubros de cine y TV de la ceremonia que se hará el 17 de enero son:

Drama: Amor sin escalas, Avatar, The Hurt Locker, Bastardos sin gloria, Precious.

Comedia: (500) días con ella, ¿Qué pasó ayer?, Enamorándome de mi ex, Julie & Julia y Nine.

Actor-Drama: Jeff Bridges (Crazy Heart), George Clooney (Amor sin escalas), Colin Firth (A Single Man), Morgan Freeman (Invictus) y Tobey Maguire (Brothers)

Actriz-Drama: Emily Blunt (Young Victoria), S. Bullock (The Blind Side), H. Mirren (The Last Station), Carey Mulligan (An Education), Gabourey Sidibe (Precious)

Actor-Comedia: Matt Damon (El desinformante), Daniel Day-Lewis (Nine), Robert Downey Jr. (Sherlock Holmes), Joseph Gordon-Levitt (500 días...), Michael Stuhlbarg (A Serious Man).

Actriz-Comedia: Sandra Bullock (La propuesta), Marion Cotillard (Nine), Julia Roberts (Duplicidad), Meryl Streep (Enamorándome... y Julie & Julia)

Director: Kathryn Bigelow (The Hurt Locker), James Cameron (Avatar), Clint Eastwood (Invictus), J. Reitman (Amor...), Q. Tarantino (Bastardos...).

Actor - reparto: M. Damon (Invictus), Woody Harrelson (The Messenger), Christopher Plummer (The Last Station), Stanley Tucci (Desde mi cielo), Christoph Waltz (Bastardos...)

Actriz - reparto: Penelope Cruz (Nine), Vera Farmiga y Anna Kendrick (Amor sin escalas), Mo'Nique (Precious) y Julianne Moore (A Single Man).

Guión: Sector 9, The Hurt Locker, Enamorándome de mi ex, Amor sin..., Bastardos...

Filme extranjero: Baaria, de Tornatore; Los abrazos rotos, de Almodóvar; The White Ribbon, de Haneke; La nana, de Silva; Un profeta,de Audiard.

Animación: Coraline, Fantastic Mr. Fox, Lluvia de hamburguesas, La princesa y el sapo, Up.

TV Drama: Big Love, Dexter, House, Mad Men, True Blood.

TV Comedia: 30 Rock, Entourage, Glee, Modern Family, The Office

Robin Hood muestra su nuevo look con Russell Crowe

2009-12-15T12:01:00.000-05:00

Fue un gladiador romano, un jefe de inteligencia estadounidense y un detective persiguiendo un mafioso, pero el actor australiano Russell Crowe no se cansa de trabajar para el director británico Ridley Scott, esta vez en una nueva versión de las aventuras de Robin Hood.

Hoy se difundieron las primeras imágenes de la esperada producción a estrenarse el próximo año, en que se puede ver a Crowe interpretando al clásico héroe que le roba a los ricos para darle a los pobres, mostrando una destreza inigualable con el arco y las flechas.

Esta es la cuarta vez que Crowe trabaja para Scott, partiendo por "Gladiador" (2000) y luego con "A Good Year" (2006), "Gángster americano" (2007) y "Red de mentiras" (2008).

Si bien aún no se han entregado mayores detalles sobre la nueva versión de Robin Hood, que inicialmente llevaba el título de "Nottingham", ya aparece como uno de los estrenos más esperados de la próxima temporada, con un elenco que, además de Crowe, integran Cate Blanchett, William Hurt, el veterano actor Max von Sydow, Mark Strong y Matthew Macfadyen.

Inicialmente se pensó en otros actores para interpretar al famoso arquero, partiendo por Christian Bale y Sam Riley, pero una vez que se confirmó a Scott en la silla de director, no quedó duda de que el papel recaería en Crowe, pese a las dudas por su edad. A sus 45 años, se tratará del actor de mayor edad que interprete a Robin Hood en la pantalla grande

Película alemana "The White Ribbon" arrasa en los "Oscar europeos"

2009-12-14T18:30:00.002-05:00

La película "The White Ribbon" ("Das Weisse Band"), del director alemán Michael Haneke, se convirtió en la gran ganadora en los Premios del Cine Europeo, al llevarse los dos galardones más importantes de la cita: Mejor Película y Mejor Director.

La cinta de Haneke, ganadora de la Palma de Oro en Cannes y una de las favoritas para el Oscar, también se llevó el premio al Mejor Guión en la ceremonia llevada a cabo en Bochum, Alemania.

La jornada también favorable para la francesa "A Prophet" ("Une Prophete"), que se llevó el premio al Mejor Actor para Tahar Rahim. La ganadora del Oscar de este año, "Slumdog Millionaire", compartió el premio a la Mejor Cinematografía con "Anticristo" ("Antichrist") y además se llevó el Premio del Público.

En la velada también se entregaron los premios a la trayectoria para el director polaco Andrzej Wajda, para el británico Ken Loach y la actriz francesa Isabelle Huppert.

Kate Winslet ganó el premio a la Mejor Actriz por su rol en "El lector" ("The Reader") y el trofeo a la Mejor Música recayó en el español Alberto Iglesias por su trabajo para "Los abrazos rotos". En el apartado de Mejor Documental, el elegido fue el suizo "The Sound of Insects", de Peter Liechti

Película de guerra "The Hurt Locker" gana el Premio de la Crítica en EE.UU.

2009-12-13T15:35:00.000-05:00

La película de guerra "The Hurt Locker" ganó el premio de la asociación de la crítica de Los Angeles como mejor filme del año.

Con su representación realista de los expertos en bombas en la guerra de Irak, la cineasta Kathryn Bigelow recogió el premio como mejor directora.

El actor Jeff Bridge se hizo por su parte con el galardón al mejor actor por su papel de un decadente músico de country en la cinta "Crazy Heart", mientras la actriz belga Yolande Moreau ganó el premio al mejor papel femenino por "Seraphine".

En la categoría "Mejor película extranjera" ganó el drama francés "Summer Hours". El actor austriaco Chistoph Waltz, por otro lado, se llevó el galardón al mejor actor secundario por su participación en "Inglorious Basterds" de Quentin Tarantino.

Los Premios de la Crítica en su 35 edición serán entregados el próximo 16 de enero en Los Angeles

Avatar y sus efectos especiales seducen a la crítica

2009-12-11T19:39:00.002-05:00

"Asombrosa" o "alucinante", son algunos de los primeros adjetivos de la prensa luego de la avant premiere de Avatar, anoche en Londres. Las apasionadas opiniones de la prensa especializada por el filme de James Cameron parece dejar claro que la cinta será uno de los grandes éxitos de los últimos años.

La película filmada en 3D será estrenada globalmente la próxima semana, llegando a las salas estadounidenses el 18 de diciembre, y un día antes a nuestro país.

"James Cameron ha probado su argumento: él es el rey del mundo", indicó la publicación especializada en cine The Hollywood Reporter, aludiendo a la frase más famosa de su anterior filme, Titanic.

"Como comandante en jefe de un ejército de técnicos de efectos visuales, diseñadores de criaturas, expertos en captura de movimiento, dobles, bailarines, actores y magos de la música y el sonido, él lleva las películas de ciencia ficción al siglo XXI con la asombrosa maravilla que es Avatar", dijo la revista.

El diario sensacionalista inglés, The Sun, lo calificó como "el filme más deslumbrante de la década (...) La batalla final dura 20 minutos y es absolutamente alucinante".

Avatar narra la lucha por la supervivencia de la raza habitante de los bosques Na'vi, en el planeta Pandora, contra una operación minera colonial realizada por los humanos que busca explotar los recursos de su planeta. Un ex marine inválido es elegido para hacer contacto con el misterioso pueblo a través de una representación controlada a distancia, conocida como Avatar.

La revista Variety, publicación señera para la industria en Hollywood, definió al filme como una producción ambiciosa que "lo abarca todo. Sube la exigencia técnica y lanza un desafío a los cineastas del ámbito de la ciencia ficción y fantasía. Las empresas de efectos especiales han hecho un trabajo maravilloso y exigente, un cumplido que se extiende a todas las otras áreas del filme"

Empire, otra revista especializada, le dio cinco estrellas de un máximo de cinco, calificándola como una "experiencia extremadamente gratificante", cuya nueva tecnología "ofrecerá a los directores (...) un increíble cajón de arena con el cual jugar".

Twitter se encendió con comentarios de periodistas que abandonaban la fuertemente custodiada función. "¡James Cameron es un genio! No puedo decir mucho pero vaya, me encantó", escribió Alex Billington del sitio web FirstShowing.net.

Mark Brown, del London Guardian, escribió el jueves que "Avatar" era "realmente mucho, mucho mejor que lo previsto, se veía increíble y la historia era apasionante (...) aunque cursi en varias partes". "El filme terrible que algunos habían estado anticipando no se materializo. Era bueno", escribió Brown.

La nota discordante la puso el exigente diario Guardian, quien no fue seducido por la verborrea visual del filme. El crítico Andrew Pulver, titulando su texto "James Cameron se volvió flojo", dice que el director "ha construido una fábula que combina la ciencia ficción militarista, un alarmante vacío ecológico y una historia de amor inter especies que presumiblemente esta diseñada para cubrir todas las áreas".

Clint Eastwood estrena película y vuelve a ser favorito para el Oscar

2009-12-11T19:20:00.002-05:00

A los 79 años, Clint Eastwood es imparable. A una edad en la que muchos de sus colegas ya han optado por el retiro o, al menos, por disminuir su carga de trabajo, el recordado "Harry el sucio" sigue plenamente activo y vigente. Hoy debuta en Estados Unidos su última cinta como director, "Invictus", sucesora de "Gran Torino", la cinta que en 2008, luego de 30 películas y más de 50 años de carrera, anotó el mayor éxito de taquilla de la carrera de Eastwood.

Y aunque esa cinta fue vergonzosamente ignorada en la última entrega de los premios Oscar, la Academia ya ha dado muestras de tenerlo como consentido. Ha ganado cuatro estatuillas (dos a Mejor Director, por "Los imperdonables" y "Million dollar baby") y actualmente su nombre vuelve a rondar como favorito.

Pero hay más, una completa colección de sus películas en DVD y un nuevo libro de su biógrafo emblemático demuestran que Eastwood está más de moda que nunca.

"Invictus" comenzó con el pie derecho la actual temporada de premios en EE.UU. La asociación de críticos del National Board of Review la reconoció como la del Mejor Director y Mejor Actor para Morgan Freeman en el rol de Nelson Mandela. Basada en un hecho real, la cinta narra los esfuerzos del Mandatario sudafricano para unir a su pueblo, profundamente dividido por el racismo, utilizando la copa mundial de rugby de 1995. Matt Damon es Francois Pienaar, el capitán del equipo local. La cinta ha recibido aplausos unánimes de la crítica y llega a Perú llegaría en febrero de 2010.

A pocos días de su debut local, y en plena temporada de premios, el próximo 16 de febrero será editada en Estados Unidos una impresionante colección en DVD con la filmografía de la legendaria estrella. "Clint Eastwood: 35 films, 35 years at Warner Bros." reúne películas que el actor y director filmó al alero de su estudio emblemático, comenzando con "Where eagles dare", de 1968, hasta "Gran Torino".

El paquete, que costará cerca de US$ 180 (unos $90 mil), también incluirá el documental "The Eastwood factor", que preparó el crítico de la revista Time Richard Schickel, quien en 1996 ya publicó una biografía oficial del cineasta y ahora preparó este trabajo que incluye entrevistas e imágenes inéditas de la carrera de quien es hoy uno de los grandes de Hollywood.

Ese filme es sólo el preludio de un nuevo libro que Schickel prepara sobre Eastwood. "Clint: A retrospective" será editado en EE.UU. el 6 de abril de 2010 y es una biografía ilustrada con cientos de fotos del más de medio siglo que Eastwood ha pasado en el cine. Un extracto de 24 páginas del libro se incluirá en el DVD.

Lo que viene

Eastwood ya tiene nuevo proyecto: actualmente rueda el thriller sobrenatural "Hereafter". El protagonista es Matt Damon y el guión, del que aún no se conocen detalles, es del británico Peter Morgan ("La reina").

Clint hoy en el cable

Hubo una vez en que Clint Eastwood se sintió subvalorado y menospreciado, trabajando en series de TV de poca monta, interpretando a un jovencito ingenuo. Esas imágenes se pueden ver en "Eastwood on Eastwood", el documental de Richard Schickel que emite TCM hoy a las 18:00 horas: es una oportunidad de acercarse a su primera fase como actor, al despertar como figura en los westerns de Sergio Leone y un acabado análisis de su personaje clave de los 70, "Harry el Sucio". También avanza en sus primeras películas como director, pero justo cuando la cosa se pone mejor, se le acaba el tiempo: fue filmado en 1997 y sólo abarca hasta la excelente "Medianoche en el jardín del bien y del mal".

Sus filmes en MGM

1.- "Where eagles dare", 1968.

2.- "Los héroes de Kelly", 1970,

3.- "Harry el sucio", 1971.

4.- "Magnum 44", 1973.

5.- "The Enforcer", 1975.

6.- "The fugitivo Josey Wales", 1976.

7.- "The Gauntlet", 1977.

8.- "Every Which Way but Loose", 1978.

9.- "Bronco Billy", 1980.

10.- "Any Which Way You Can", 1980.

11.- "Honkytonk Man", 1982.

12.- "Firefox", 1982.

13.- "Impacto fulminante", 1983.

14.- "City Heat", 1984.

15.- "Tightrope", 1984.

16.- "El jinete pálido", 1985.

17.- "Heartbreak Ridge", 1986.

18.- "Bird", 1988.

19.- "Sala de espera al infierno", 1988.

20.- "En la pista de los asesinos", 1989.

21.- "White hunter, black heart", 1990.

22.- "The Rookie", 1990.

23.- "Los imperdonables", 1992.

24.- "Un mundo perfecto", 1993.

25.- "Los puentes de Madison", 1995.

26.- "Poder absoluto", 1997.

27.- "Medianoche en el jardín del bien y el mal", 1997.

28.- "Crimen verdadero", 1999.

29.- "Jinetes del espacio", 2000.

30.- "Deuda de sangre", 2002.

31.- "Río místico", 2003.

32.- "Million Dollar Baby", 2004.

33.- "Cartas desde Iwo Jima", 2006.

34.- "Gran Torino", 2008.

35.- "The Eastwood Factor short film".

Lost: Todas las grandes preguntas quedarán resueltas en el último ciclo

2009-12-10T12:35:00.002-05:00

A sólo dos meses del estreno de la sexta y última temporada de Lost en EEUU -el próximo 2 de febrero- mucho se especula sobre el desenlace de la historia que en Perú emite el canal por cable AXN.

Pero pocos son los que realmente conocen el fin de las anécdotas del grupo de sobrevivientes al vuelo 815 de Oceanic Airlines: su creador J.J. Abrams, los guionistas de la trama Damon Lindelof y Carlton Cuse, y Jack Bender, el productor ejecutivo y director de la mayoría de episodios.

Este último aceptó referirse al programa y reveló al diario español El mundo lo que la mayoría de los fanáticos del show esperan de la serie: que se resuelvan todos los misterios que desde su debut en 2004 ha mantenido en suspenso a los millones de espectadores.

"Todas las grandes preguntas de Lost quedarán resueltas, con una conclusión satisfactoria. No va a terminar con Hurley abriendo los ojos y viendo que todo ha sido un sueño, o con unos agentes mostrando que se trataba de un complot de la CIA", revela Bender, quien por estos días prepara el capítulo 10 de los 18 que conformarán el último ciclo de Lost.

Y argumenta que "si escribes ahora mismo todos tus cuestionamientos en un papel, sólo habrá una o dos a las que no obtengas respuesta cuando acabe la serie".

Mientras, como antesala al nuevo ciclo del programa, ya se han develado algunos detalles de la trama que llegaría a su final el 18 de mayo.

1. "Dr. Linus" es el título del séptimo episodio de la última temporada de Lost, que estará centrado en Ben rompiendo la secuencia que se centraba en los personajes de los primeros episodios de la primera temporada 1.

2. El octavo episodio se exhibirá con el título de Recon. El capítulo estará centrado en Sawyer y una de las escenas entre él y Charlotte ya fue grabada en un restaurante.

3. Jeff Fahey (Frank Lapidus) ingresó en el elenco de actores que tiene status de regulares en la serie. Zuleikha Robinson, la misteriosa morena Ilana, también fue confirmada como regular y aparecerá a lo largo de toda la temporada. Esto corrobora la importancia del personaje para el último acto de la trama que incluye la revelación del parentesco de ella con Jacob.

4. La actriz Rebecca Mader aceptó la invitación de los productores del programa y va a reaparecer en la última temporada interpretando a su personaje, Charlotte. "Estoy más que entusiasmada con mi regreso a Lost. Formar parte de esa serie fue uno de los mejores momentos de mi carrera hasta ahora. Quiero ver de nuevo a todos", comentó Madder.

5. En una entrevista a los Los Angeles Times sobre la experiencia de haber formado parte de la historia y de sus expectativas sobre V, su nueva serie en la cual es protagonista, la actriz Elizabeth Mitchell dio una buena pista para aliviar la ansiedad de aquellos que todavía tenían dudas sobre su participación en la serie: "Ya grabé escenas con Sawyer, y puedo decir que será el tipo de situación que parece una cosa, pero en realidad es otra muy diferente"

Reviste Time elige La princesa y el sapo como el mejor filme del año

2009-12-10T11:02:00.003-05:00

Es tiempo de recuentos y de determinar lo mejor del año. Y la revista Time no quiere ser menos y también elaboró una lista con los mejores filmes de la temporada, donde arroja más de una sorpresa.

Porque la última cinta de animación de Disney, La princesa y el sapo, fue elegida por la publicación como el mejor filme del 2009. Realizada con las técnicas de animación clásicas, es decir, con dibujos hechos a mano, la cinta superó en el ranking a la poderosa Up, de Disney/Pixar, y que es considerada uno de los títulos más relevantes del año.

El tercer lugar de la lista de Time es para otra cinta de animación, Fantastic Mr. Fox, cinta aún inédita de Wes Anderson basada en el relato de Roald Dahl.

El cuarto lugar recayó en The Hurt Locker, una cruda cinta sobre la guerra de Irak dirigida por Kathryn Bigelow, que ha sido definida como el mejor filme realizado sobre el conflicto en el país árabe. Le siguen en la lista Amor sin escalas (Up in the Air), protagonizada por George Clooney y ya ganadora del nationakl Board of Review, y The white ribbon, de Michael Haneke y ganadora de la Palma de Oro en Cannes.

El drama sobre la homosexualidad A Single Man, del diseñador Tom Ford, con Colin Firth y Julianne Moore, el documental Of Time and the City, de Terence Davies, la película de ciencia-ficción Sector 9 de Neill Blomkamp y Thirst, la atípica cinta de vampiros del coreano Park Chan-wook, completan el ranking de las diez mejores películas del año según la prestigiosa revista